En todo el colodrillo

La tumba de Dracula: El hijo de Drácula es un superhéroe

2012-01-30T11:00:00.000+01:00

Con el Tomb of Dracula #45 (1976) comienza el tramo que considero más apasionante de la colección. Drácula se hace pasar por el mismísimo Diablo ante el culto satánico liderado por Anton Lupenski, que le ofrece a Domini como esposa. Como consecuencia de este matrimonio nace un bebé que, mediante un concurso que comienza en el TOD#50, iba a ser bautizado con el nombre que decidiesen los lectores. Lo cierto es que ninguno de las propuestas convenció a Wolfman (algunas de éstas son Delphi, Melvin, Furd, Harry, Jesús, Adam, Judas, Marvin, Mihnea, Mars, Nicholas, Abraham, Caesar, Adrian, Viktor, Adana, Vladon, Tyrone, “el hombre de Vlad”…), pero finalmente aceptó a Paul Kriksciun como ganador por el nombre “Gideon”, que recaería en el protagonista del TOD#57. En esta secta diabólica surgirán intrigas y luchas de poder entre Drácula y Lupenski para conservar el liderazgo del grupo, una situación que acabará teniendo inevitables consecuencias dramáticas.

El ganador del concurso recibió este dibujo como premio

El TOD#50, por cierto, es uno de los cómics de Drácula más extravagantes. No importó que desde el primer número la mayoría de los lectores se opusiesen a que en esta serie apareciese algún superhéroe, Wolfman decidió enfrentar a Drácula contra nada menos que el cósmico Estela Plateada, heraldo de Galactus, el devorador de planetas. En cierto modo el cruce tiene sentido al ser Estela Plateada un representante puro del bien cuyo principal villano es precisamente un demonio, Mefisto. Fuese correcta o no su aparición, lo interesante es que de este modo se consiguió atraer y enganchar a un gran número de lectores que no conocían esta colección y que quedaron impresionados con su calidad.

Estela Plateada contra Drácula, nadie se lo hubiese esperado

El nacimiento de Janus, que es como acabaría llamándose el hijo de Drácula y Domini, tiene lugar en Nochebuena dentro de un establo. La obvia metáfora acaba con un trepidante número en el que este bebé es convertido por el mismísimo Dios en un superhéroe luminoso con la misión de matar a su padre. La trama deja a los lectores con el corazón en un puño al ver pasar a Drácula de la satisfacción de haber formado una familia a la desesperación y la rabia de perder un hijo. El nombre del personaje, además de tener cierto parecido con el de Jesús, es el nombre del dios romano de las dos caras, la dualidad de los opuestos. De este modo, Janus comienza como el descendiente del mal en su máximo exponente para ser transformado después en un emisario de todo lo bueno.

Drácula contra otro ser luminoso, Janus

Por otro lado, llegó por fin el inevitable encuentro entre Hannibal King y Blade, que lucharían juntos contra el vampiro que había convertido su vida en un infierno, Deacon Frost. Los personajes pasan de la inicial y previsible desconfianza mutua a una amistad inquebrantable durante la lucha contra el vampiro “del pelo blanco peinado hacia atrás y los ojos infernales”, que es capaz de clonar un ejército de duplicados malignos, doppelgangers, de la pareja perseguidora.

El cazavampiros contra el cazavampiros-vampiro.

Continúa en: Gene Colan abandona la Tumba… varias veces

Cósmix, de Dave Sim, un homenaje a Steranko

2012-01-29T11:36:00.000+01:00

En los 70 los artistas querían abrirse a un nuevo tipo de cómic, querían experimentar. Dentro del mainstream se tiraba hacia nuevos géneros (o a resucitar géneros en desuso), mientras que en el underground se probaba con relatos de corte subversivo. A medio camino entre estas dos vías se encontraba por ejemplo la revista Star*Reach (1974-1979), que pretendía recopilar historias de fantasía y ciencia ficción, géneros que se suponían poco interesantes dentro del mundo del cómic, realizadas con calidad e inteligencia.

La revista acogió tanto a talentos consagrados (Steve Ditko, Barry Windsor-Smith, Neal Adams...) como jóvenes promesas del momento, como Jim Starlin, Howard Chaykin, Walt Simonson, Frank Brunner, Marshall Rogers, P. Craig Russell, etc. Tuvo un relativo éxito que animó a iniciar otras publicaciones más, con lo que Star*Reach acabaría convertiéndose en una editorial: Pudge (3 números), Quack (6 números), Imagine (6 números), etc.

En la cuarta entrega de esta última revista se publicó un relato de un Dave Sim que acababa de empezar a autoeditar Cerebus. Se trataba de 4 páginas en las que este dibujante homenajeó al Jim Steranko de Nick Furia: sombras a base de masas de negro, surrealismo, la narración atrapada en cuadros de texto, grandes viñetas panorámicas... El argumento es una metafora de la creación artística, particularmente de cómics. Os pongo mi traducción por si queréis leerlo.

La oscuridad en su alma bullía mientras se ponía el casco. Las sondas encajaban cuidadosamente en su lugar y zumbaban expectantes. Sería la última vez, suicidio cuando hubiese terminado…
Pero, de momento, había un cósmix más que producir…
El tablero formaba remolinos de luz a partir de sus procesos mentales más profundos. Permitía a su mente dirigir la luz, dándole formas y movimiento…
La televisión había desaparecido, como las películas. No había libros nuevos, ni música. Sólo el cósmix.
Él no era muy bueno… y lo sabía, pero esta última vez iba a darles una lección a todos ellos, los críticos se encontrarían con un vistazo único a las profundidades de la desesperación.

Su inminente suicidio invalidaba todo el interés personal, todos los pensamientos superfluos…
Oscuros patrones de muerte… limpios e inmaculados. Depresión con líneas definidas. Calaveras que reverberaban oscuros pensamientos empujados por su angustia, movidos con su dolor y alentados por sus miedos…
Los “bocadillos” se hicieron uno con las imágenes, un retrato íntimo de un artista atormentado… Un relato sin un argumento coherente, se convirtió en una increíble serie de visiones fugaces a una desesperación inimaginable.

Las drogas no fueron necesarias. No tuvo que meterse Stepp para estimular su subconsciente… Tampoco tuvo que inyectarse Mez para lograr acceso al sagrario de su yo…
Su consciente y su subconsciente fueron uno y, ¡en ese momento estaban siendo proyectados a veinticinco punto siete millones de cósmix-escáneres! Conectado a través de “control manual” por el escáner de su ordenador, su alma estaba exponiéndose a todos los subscriptores de cósmix…
Acabó pronto.

Sí, acabó. Pero al menos lo habían visto. Al menos ahora lo sabrían. El mito del cósmix había sido enterrado…
El glamur era una falacia. El entusiasmo era una fachada. Los artistas del cósmix, reverenciados por las masas, vivían en torres de marfil con grilletes en las paredes. Sus vidas eran un interminable proceso de preparación para el siguiente cósmix…
Los críticos estarían ahora atónitos, conscientes por fin del irrevocable dolor que engendraban. Cuando viniesen a arrestarle ya estaría muerto. Pero, al fin, la gente lo habría visto.
Y, habiéndolo visto, no lo olvidarían pronto.
Después de un momento, las críticas empezaron a zumbar en su pantalla. “Magnífico”, “un nuevo punto culminante de este joven medio”. Pasaron revista durante una hora completa sin precedentes. “Una profundidad y una claridad extrañas”. “Un hito”.
La completa ironía de su profesión dio en el blanco y le desgarró por dentro. Si hubiese sido un hombre cualquiera habría llorado. Pero era un artista del cósmix y por eso almacenó el dolor que sentía para un uso futuro… y ahí está el quid de la cuestión…
¿Qué…?
¡¿Qué-haría-para-un-bis?!

Fuente: Diversions of the Groovy Kind a través del twitter de Entrecomics.

Athos en América

2012-01-25T11:24:00.002+01:00

Supongo que la edición de novela gráfica eleva la categoría de Athos en América, un cómic que consiste en un recopilatorio de historias cortas similares a las del resto de sus álbumes (la descripción de amazon.com es "colección de novelas gráficas a todo color"). Describir el tono general de éstas es volver otra vez a explicar en qué consiste el estilo nunca suficientemente elogiado de Jason. En ese sentido Athos es un “más de lo mismo”: la misma creatividad, las mismas ganas de superar las expectativas... Jason mezcla su pasión por el cine de género con una narración experimental que se atreve a llegar al límite de lo surrealista y que utiliza el silencio de manera más significativa que muchos autores sin talento. El estilo es seco, pero las historias son trepidantes y tensas.

Este dibujante acude a los géneros más conocidos para contar historias desconcertantes. Por ejemplo, la relación de dependencia en un matrimonio en el que uno de los dos tiene alguna enfermedad es llevada aquí al extremo con una cabeza de mujer sin cuerpo y un científico loco (una mezcla de las películas The Brain That Wouldn’t Die y ¿Quién teme a Virginia Woolf?). Por otro lado todos hemos leído docenas de cómics autobiográficos, pero nunca tan burros como éste en el que Jason se presenta como un autor egocéntrico y patético… con cómicas consecuencias. Cuatro historias de amor frustrado acaban confluyendo en otro relato bastante curioso de científicos locos. La historia de gángsters combina el humor negro con la tensión sexual utilizando los personajes característicos del género negro (en lo que para mí es lo mejor del tomo con diferencia). Y finalmente, un reencuentro con Athos, un aventurero heroico en un mundo frío y gris.

Veo en Athos en América posiblemente una especie de revisión de la carrera del autor. El mosquetero del título aparece en una precuela de su propio álbum, El último mosquetero, para volver a ver en movimiento a este interesante personaje. El primer relato del tomo recupera a los protagonistas de otro relato de Low Moon, y el falso (?) relato autobiográfico tiene no pocas menciones a sus anteriores cómics.

Confío en Jason, tengo la seguridad de que todos sus cómics sorprenden de una manera u otra. La única excepción para mí ha sido Low Moon, pero afortunadamente no hay ningún parecido entre estos dos tomos. Ni siquiera en el lomo, ya que por algún tipo de error la editorial ha colocado el título al revés que en el resto de álbumes de la colección, ups.

Boceto de portada y contraportada

Ibáñez: Desde Francia con amor (33)

2012-01-25T08:45:00.000+01:00

Nota de prensa: Exposición "El cómic español contemporáneo".

2012-01-24T17:00:00.001+01:00

“El cómic español contemporáneo”, al alcance de todos

Una exposición recorrerá 13 municipios madrileños

Madrid, 24 de enero de 2012. La Asociación Española de Amigos del Cómic, en colaboración con la RedITINER de la Comunidad de Madrid, organiza “El cómic español contemporáneo”, muestra dedicada a reflejar la transformación de la viñeta nacional a partir de la revolución de las vanguardias en los años 80. Los visitantes de la exposición, que recorrerá trece municipios madrileños entre el 1 de febrero y el 27 de diciembre de 2012, disfrutarán de una oportunidad irrepetible para contemplar de primera mano el trabajo creativo de artistas tan relevantes como Carlos Pacheco, Salvador Larroca, Purita Campos, Santiago Valenzuela y un amplísimo espectro de nombres clave en el pasado, presente y futuro de nuestro noveno arte.

El calendario de la exposición es el siguiente:

Montaje‐ Desmontaje Municipio Sala

1 febrero – 22 febrero San Martín de la Vega Centro Cívico Cultural

23 febrero – 15 marzo Alpedrete Centro Cultural

16 mazo – 9 abril Soto del Real Centro Pedro de Lorenzo

10 abril – 3 mayo S. Lorenzo de El Escorial Centro Cultural

4 mayo – 28 mayo Guadarrama Casa Alfonso X El Sabio

29 mayo – 19 junio Fresnedillas Casa de Cultura

20 junio – 11 julio Tres Cantos Aula “Las Vaquerizas”

12 julio – 2 agosto Moralzarzal Centro Cultural

5 septiembre – 26 sept. Villanueva del Pardillo Centro Tamara Rojo

27 septiembre – 18 octubre El Escorial Centro de Expos Castilla

19 octubre – 8 noviembre Valdemorillo Casa Cultural Giralt Laporta

12 noviembre – 3 diciembre El Álamo Centro Sociocultural

4 diciembre – 27 diciembre Coslada Centro Malgarita Nelken

La tumba de Dracula: Dos escritores de novelas de vampiros le salvan la vida a Drácula

2012-01-23T08:39:00.000+01:00

El Tomb of Dracula #36 (1975) es un número especial en muchos aspectos. Por un lado, Wolfman acababa de ascender a editor en jefe de Marvel y no perdió un segundo en hacer cambios: reforzó la presencia de Gene Colan en las portadas (cambió la logoforma y sustituyó a Gil Kane, el portadista regular), modificó el logo de la colección (de la silueta de un vampiro a la de una capa), y promocionó la serie al incluir en todas las portadas el sello “Revista de miedo Nº 1 del mundo del cómic”.

Gene Colan se encargaría de todas las portadas en adelante,

excepto de esta maravilla de Bernie Wrightson

A nivel argumental el cambio más destacado fue el traslado del Señor de los Vampiros desde Europa a los Estados Unidos: de Londres (Inglaterra), a Boston (Nueva Inglaterra). Para ambientar correctamente las historias Gene Colan decidiría hacer una visita con su mujer a la ciudad para hacer fotos de las casas y los cementerios.

Con esta mudanza se presentaron nuevos secundarios, Harold H. Harold y Aurora Rabinowitz, dos escritores de novelas de terror creados como alivio cómico para aligerar la oscuridad de estos cómics. Algunos lectores les cogieron cariño mientras que otros opinaban que su presencia marcó el inicio de la decadencia de la colección. De hecho, incluso el propio Gene Colan no se encontraba a gusto con el exagerado protagonismo que llegaban a acumular.

La preciosa Aurora

Y el tontaina de Harold

Sin embargo, si en algo destaca para mí el TOD#36 es por definir las motivaciones de Drácula en esta colección. En una reunión a puerta cerrada entre los cazavampiros y el inspector Chelm (una suerte de personaje semi-regular con su propio desarrollo a lo largo de los números) se llega a descubrir que el motivo por el que el señor de los vampiros viaja a los EEUU es porque allí se encuentra el origen de la pérdida progresiva de sus poderes. Este ser luchará por recuperarlos porque aunque haya regresado tantas veces del otro lado de la tumba lo cierto es que tiene miedo... a morir de manera definitiva. Con esta ironía Wolfman consigue explicar la personalidad de Drácula desde sus primeros números en la colección hasta los que todavía estaban por llegar.

La razón de esta disminución de los poderes de Drácula es nuevamente el Doctor Sol, que se convierte en el centro de una trama bastante alargada en la que se desarrolla una batalla campal entre los cazavampiros y unos militares hipnotizados. El tono de la colección se vuelve más superheróico para intentar esquivar una bajada de ventas que afecta a todas las colecciones de terror del mercado. Tan mal está la situación que en el TOD#38 (octubre 1975) Marv Wolfman llega a pedir explícitamente en la página del correo en una nota recuadrada que los lectores continúen comprando estos cómics y que los recomienden entre otras personas.

En ese mismo año Marvel ya había cancelado otras muchas colecciones, tanto comic-books como magazines, de esta temática, como Dracula Lives!, Vampire Tales, Monsters Unleashed! (otros cómics de Frankenstein), Tales of the Zombie, The Haunt of Horror, Masters of Terror (reediciones), Monsters on the Prowl (reediciones de los cómics de monstros de Atlas), Man-Thing, Creatures on the Loose (protagonizada por el hijo de J. Jonah Jameson, el Hombre Lobo), Supernatural Thrillers (protagonizada por la Momia) y Giant-Size Dracula. Las únicas supervivientes fueron la que nos ocupa en estos momentos junto a Werewolf by Night (que se alargaría hasta 1977) y la serie del Motorista Fantasma, que aguantó en pie hasta 1983. La situación es similar en otras editoriales, e incluso DC llega a cancelar series tan relevantes como La Cosa del Pantano (convertido en un extraño Hulk por Gerry Conway en sus últimos números) o el escalofriante serial del Espectro en Adventure Comics, de Michael Fleisher y Jim Aparo.

Blade protagoniza el Marvel Preview #3

La mala situación del género de terror perjudicó especialmente a Blade, que en esa época estaba protagonizando sus propias historias en los Vampire Tales #8-9. En el Tomb of Dracula #34 se hace referencia a que la policía le estaba persiguiendo por haber asesinado a alguien, un suceso que en ese momento permanecía inédito debido a las cancelaciones de revistas. Medio año después concluiría esta historia en el Marvel Preview #3, en el que se veía que Blade huía de la justicia porque se creía que el vampiro al que había matado era realmente un humano.

Como digo, Tomb of Dracula también flojeaba a nivel comercial por culpa del fin de esta moda. Sin embargo, a pesar de que las ventas bajaban los editores decidieron mantenerla porque tenía un núcleo de seguidores fieles, unas ventas muy estables y por ser una de las colecciones más respetadas a nivel crítico.

Uno de los momentos que demuestra por qué esta colección recibe tan buenas críticas tiene lugar en el TOD#44, en un cruce con la colección del Doctor Extraño. Por un lado, en aquel año Colan era el dibujante de las dos colecciones, algo que favoreció mucho al crosover, y por otro Wolfman resolvió el conflicto sin quitarle poder o inteligencia a ninguno de los dos personajes, sin acudir a lugares comunes o soluciones previsibles. No se trata de la clásica pelea en la que Spiderman y el Hombre de Hielo se dan de tortas por una confusión, esto es una lucha a muerte entre el bien y el mal que debe resolverse de manera satisfactoria y lógica.

Además, en la última página de ese mismo número llegó otro encuentro que los lectores llevaban esperando desde hacía meses: Blade contra Hannibal King.

El primer encuentro

Continúa en: El hijo de Drácula es un superhéroe

Daredevil: la serie de TV de 1975... que no llegó a hacerse

2012-01-22T11:01:00.001+01:00

Leemos a través de www.comicbookmovie.com una curiosidad de la interesante web centrada en Daredevil www.manwithoutfear.com. Posiblemente se trate de una noticia antigua, pero me ha sorprendido y es poco conocido de todos modos.

En un breve email, Angela Bowie (ex-mujer de David Bowie) confirma que estuvieron planeando rodar en 1975 una serie de televisión basada en los cómics de Daredevil de la época. Sin embargo, debido al coste que hubiese significado producirla la cosa se quedó en nada.

Es curioso fijarse en que estas fotos se tomaron en 1975, dos años antes del estreno de las series de acción real de Hulk y Spiderman.

Querido Kuljit:

Gacias por tu interés y por el email.

Me sorprende que me hagas esa pregunta. Stan Lee me dio permiso para tener los derechos de Daredevil y la Viuda Negra durante un año.

No pudimos hacer la serie.

El actor y guionista Benny Carruthers y yo hicimos una sesión de fotos con los trajes diseñados por Terry O'Neill y Natasha Kornilkoff y el maquillaje de Barbara Daly en Londres y eso fue todo lo que pasó. Desgraciadamente en esa época se pensaba que sería muy caro rodar esta serie, efectos especiales, etc.

Aprecio tu curiosidad
Un abrazo

Angie

Maltravieso del tebeo nº 2 homenajeando a Pumby

2012-01-21T11:00:00.000+01:00

A veces hay miedo de que cuando algo destaca por su calidad se trate sólo de una excepción puntual. El primer ejemplar de esta revista (dedicado a Superlópez) fue una pequeña joya... pero ahora con el segundo tengo la seguridad de que no se trataba de un buen número, sino de una excelente colección.

Al igual que en la anterior entrega la revista está dividida en ilustraciones y textos sobre el autor y el personaje en cuestión. Alfons Moliné se encarga de nuevo de abocetar una biografía del dibujante valenciano, mientras que Antonio Busquets repasa la historia de Pumby y José María Varona "Che" amplía algunos puntos en particular. Manuel Barrero precisamente homenajea a Busquets por su libro de investigación sobre Pumby, "La fantasía infinita", que está alctualmente descatalogado. Por otra parte, Francisco Tadeo se encarga de hablar del dibujante como persona y Carlos Ciurana parte del último premio que recibió en vida, el Notario del Humor de 2010, para honrar la memoria de J. Sanchís.

Entre los dibujos destacan los del propio Sanchís (historietas, ilustraciones, portadas...) acompañados de otros muchos de gente como Pedro Camello, Rebote, Jan, Kalitos, Kalvellido, Paco Nájera, Manuel Díaz, Monchi, Azagra, Pere Olivé, Miguel Pellicer (con una pequeña anécdota de un encuentro entre Ibáñez y Sanchis), Paco Sordo, Fran Aguilera, Nicolás, Rojas de la Cámara, Sebas, UPL y Laf.

Para el siguiente número nada menos que la Gordi, un número que se convertirá en otro imprescindible con poco que se parezca a estas dos primeras entregas.

Si queréis conseguir información sobre la revista podéis escribir a maltraviesodeltebeo@gmail.com. Leyendo en otros blogs veo que los gastos de envío son 85 céntimos, un precio que no hace justicia al tremendo valor que tiene esta revista.

Nuevo logo de Ediciones B: "B"

2012-01-19T09:45:00.000+01:00

Para afrontar este 2012 Ediciones B ha decidido reorganizar su estructura... y cambiar sus logotipos.

Viendo la nota de prensa, me llama la atención que el logo del subsello B de Books se parezca al que DC va a utilizar dentro de poco:

Por hacer un pequeño repaso histórico, los tres logos anteriores. El primero fue el de la fundación de la editorial en 1987, una B gris sólida sobre fondo amarillo:

El segundo logo es de 1993:

Y el siguiente sería el de 1997, un diseño más abstracto:

Ibáñez: Desde Francia con amor (32)

2012-01-18T11:00:00.000+01:00

Novedades editoriales Sins Entido Febrero 2012

2012-01-17T10:55:00.000+01:00

WIMBLEDON GREEN

Seth

Seth, dibujante e ilustrador, alabado por la críticamundial, recrea en esta obra un mundo absurdo y surrealista en donde susprotagonistas tienen una única pasión: coleccionar cómics en perfecto estado.

La obra gira en torno a Wimbledon Green, curioso personajeque se autoproclama el mayor coleccionista del mundo y que, además, consiguiózanjar el mejor acuerdo de intercambio de cómics de la historia delcoleccionismo. Los libreros especializados, los inversores norteamericanos y loscoleccionistas rivales de Green sospechan de este hombre y de su colección.¿Son sus intenciones honorables? ¿Realmente ama a los cómics o se mueve por elánimo de elevar su ego? Y por último, ¿es él realmente Wimbledon Green?

Este es un libro maravilloso y divertido en el quecoleccionar cómics se convierte en una intrigante aventura y en un asuntofinanciero de alta importancia. Con "Wimbledon Green", Seth analizala necesidad de coleccionar y de reinventarse uno mismo.

Formato: 15,5 x 21 cm

Encuadernación: Cartoné

Páginas: 128

Interior: Bitono

P.V.P: 19€

ISBN: 978 84 96722 77 4

A la venta el 2 de febrero de 2012

SOBRE EL AUTOR:

Seth. (Clinton, Canadá, 1962). En 1991 empiezasu serie de cómic Palooka Ville (La vida es buena si no terindes) y realiza ilustraciones para las publicaciones norteamericanas TheNew Yorker y The Washington Post. Apasionada del cómic yel dibujo de prensa, y nostálgico de los años 50, Seth es un autor con unasensibilidad única. Su primera novela gráfica, La vida es buena si note rindes, fue nominada en el Festival de Cómic de Angoulême en 1999 alpremio al Mejor Álbum Extranjero. También fue nominada al Premio Eisner y alPremio Harvey a la Mejor edición de álbum en 1997. En España ha publicadotambién con Sins entido Ventiladores Clyde.

APUNTES PARA UNA HISTORIA DE GUERRA

Gipi

Nueva edición ampliada.

Prólogo de Goffredo Fofi

Premio al Mejor Álbum, Festival Internacional de la BD deAngoulême 2006

Premio René Gosciny 2006

Nominado a la Mejor Obra extranjera, Salón Internacional delCómic de Barcelona 2007

Esta novela gráfica de Gipi cuenta una historia tierna ycruel de muchachos descubriendo la vida, descubriéndose a sí mismos. Se tratade una obra maestra que aprovecha todas las posibilidades expresivas de unmedio que aúna la escritura mediante imágenes y la literatura, una obra de artetotal que conmueve e impacta.

Hay una guerra en marcha, insensata y sin nombre, en unaprovincia olvidada donde los pueblos tienen nombres de santos, una tierraabandonada en la que las bombas han abierto heridas profundas y tres chavales,adolescentes , amigos, viven trampeando en los márgenes del conflicto. Stefano,el Killercito, sabe cómo usar la navaja –“es pequeño, pero es terrible”-, hacrecido en el barrio C.E.P. y no le tiene miedo a nada. Christian, por suparte, es ingenuo, o sea, estúpido, mientras que Giuliano es débil y, sobretodo, distinto. Sus padres son ricos: él tiene la posibilidad de escapar encualquier momento de la pesadilla en la que ha decidido vivir. Por eso tiene denoche esos sueños raros en los que los hombres sin cabeza le recuerdan: “Tú noeres como nosotros”. Giuliano y Christian siguen al Killercito como un par deperros fieles en todas sus turbias aventuras, incluso cuando, empujados por lanecesidad de dinero, se ponen al servicio del miliciano Félix y se dan cuenta,con amargura, de que “las cosas han cambiado”. Se encuentran recorriendo unabajada a los infiernos que los llevará a realizar actos criminales cada vez másbrutales, hasta el punto de alistarse en la milicia e ir a combatir adonde laguerra se hace en serio.

Formato: 17 x 24 cm

Encuadernación: Rústica con solapas

Páginas: 128

Interior: Bitono

P.V.P: 17€

ISBN: 978 84 96722 99 6

A la venta el 9 de febrero de 2012

SOBRE EL AUTOR:

Gipi (Pisa, 1963), en realidad Gianni Pacinotti,comenzó a publicar en abril de 1994 ilustraciones y relatos breves en la

revista satírica Cuore en Italia. Pero fueen Blue, una revista erótica, donde publicó su primerahistorieta completa.

Actualmente realiza ilustraciones para el periódico italiano LaReppublica y dirige conferencias sobre la historieta en variasacademias de bellas artes en Italia. Este autor ha recibido numerosos premiospor su manera tan especial de contar la vida cotidiana en Italia, y sus obrasestán publicadas también en Estados Unidos y en toda Europa.

En España ha publicado con Sins entido las novelas Losinocentes (2005), Exterior noche (2005),Apuntespara una historia de guerra (2006), que recibió en 2006 el premio a lamejor obra en el Festival Internacional de cómic de Angoulême, S. (2007), Ellocal (2008) y Mi vida mal dibujada (2009).

EL HORNO NO FUNCIONA

Camille Vannier

Premio Junceda 2011 de la APIC en la categoría de futuroscreadores

Camille Vannier es parisina pero desde 2004 vive enBarcelona en un piso compartido en la calle Aulestia i Pijoan, en el barrio deGràcia. Ha vivido en este piso con personas muy distintas: en total fueron 15.

15 personas que conoció con la ayuda de Loquo.com. Elhorno no funciona: esta frase la ha repetido cada vez que ha estadobuscando compañero de piso. La cosa va así: después de haber anunciado que elpiso tiene una calefacción increíble y una lavadora súper silenciosa, es cuandoles dice: “Ah por cierto, el horno no funciona”. La gente no suele reaccionar aesta revelación. Porque a ver, no pasa nada si el horno no funciona. Pero enrealidad lo que les dice es “sí, el piso es muy bonito, muy grande... Pero losiento nunca friego los platos, Josep no baja la tapa del water, Marco no sabecolgar la ropa en el tendedero...”. Con el tiempo para ella esta frase hapasado a ser una metáfora de “nadie es perfecto”. A lo largo de estos 6 añosesto ha dado pie a una serie de situaciones, algunas difíciles o complicadaspero sobre todo cómplices... Retazos de vida, llenos de anécdotas y ataques de risa.Muchos recuerdos que la autora explica en este libro que es como un álbum defamilia, porque es lo que estas 15 personas acabaron siendo: una familia, unaespecie de family tunning. Quizás no sea eterna como la biológica, peroigualmente importante.

Porque, ¿sabéis que? Al fin y al cabo, la elegida o no, lafamilia siempre es un follón.

Formato: 20 x 27 cm

Encuadernación: Rustica

Páginas: 56

Interior: Color

P.V.P: 15€

ISBN: 978 84 96722 93 4

A la venta el 16 de febrero de 2012

SOBRE LA AUTORA:

Camille Vannier (París, 1984) vive actualmenteen Barcelona. Tras estudiar Bachillerato artístico estuvo dos años en laescuela preparatoria de arte "les Ateliers de Sèvres"; en 2004 fueadmitida en la Escola Massana de Barcelona, donde primero consiguió un gradosuperior de diseño textil y posteriormente un grado superior de ilustración.

En 2008 fue finalista en el concurso Talente Munich por suproyecto de fin de curso de textil. En 2010 consiguió el primer premio delconcurso Injuve en modalidad ilustración con su proyecto "El horno nofunciona". Asimismo también colabora para distintas revistas("Nylon", "Standard", etc.), fanzines (colibrí, Rojo Putón,etc.) y rotula tipografías para algunos libros de la editorial Los Libros DelZorro Rojo (Barcelona).

TEORÍA DEL ARTE VERSUS LA SEÑORA GOLDGRUBER

Nicolas Mahler

Tras relatar sus pinitos como falsificador de firmas y unabreve carrera de dependiente en un videoclub, las páginas de este libro nosllevan a los episodios de su vida como dibujante de cómics: con la miradadistante en el absurdo, Nicolas Mahler cuenta en La teoría del arte frente a laseñora Goldgruber su propia vida. Así es como su agente fiscal, la señoraGoldgruber, le da el visto bueno, después de un arduo trabajo de persuasión:«Bueno, será arte, después de todo», para terminar clasificándolo, no comodibujante publicitario, sino como «artista». Una y otra vez se ve obligado ajustificarse por su actividad como dibujante de cómics, ya sea en la aduana oen los círculos académicos. Ante este volumen, los amigos del humor seco vienésno dudan un segundo: Mahler nunca fue tan divertido.

Formato: 15 x 21 cm

Encuadernación: Rustica con solapas

Páginas: 128

Interior: B/N

P.V.P: 16€

ISBN: 978 84 96722 04 0

A la venta el 23 de febrero de 2012

SOBRE EL AUTOR:

Mahler nació en Viena 1969 donde todavía reside.Trabaja como dibujante. Sus ilustraciones se publican en el dominical

Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung, en elperiódico Welt Kompak y en la revista satírica Titanic.En 2006 recibió el premio Max und Moritz por su libro La desazón.

Para más información contactar con:

comunicación@sinsentido.es

prensa@sinsentido.es

La tumba de Dracula: Lucha a muerte contra el megalómano cerebro comunista

2012-01-16T11:00:00.000+01:00

Marv Wolfman se siente por fin cómodo en una colección que es ahora muy diferente a aquellos seis números iniciales. Además de desplazar el protagonismo hacia unos personajes con mayor potencial que Frank Drake, la presencia de Drácula comienza a ser en algunas entregas un simple cameo. Los argumentos dan importancia a todos los miembros de este reparto coral (es significativo que todos los personajes de la colección protagonicen al menos una portada) a partir de números que pueden leerse de manera aparentemente independiente. Sin embargo, cada uno de los comic-books deposita pequeñas pistas que hacen avanzar unas subtramas imparables, con lo que podríamos compararlo con la narración de una novela.

Algunos ejemplos destacados de estos capítulos que parecen independientes son el Tomb of Dracula #22, en el que Wolfman muestra la versión rusa del mito vampírico, o el magnífico TOD#25 protagonizado por Hannibal King, detective privado y vampiro al mismo tiempo. Este último número es un relato de serie negra en el que King debe resolver un misterio en el que Drácula está implicado. A lo largo de sus 22 páginas se dan once pistas ocultas (algunas más obvias que otras) para descubrir la naturaleza vampírica del investigador, que poco después serían listadas en el correo de los lectores del número #28. Este cómic se convirtió inmediatamente en uno de los favoritos de los lectores e incluso llegaría a ser reeditado en el mismo formato en la década de los 90.

Hannibal King en medio de una investigación

Con Marv Wolfman la Tumba de Drácula no sólo comienza a dedicarse a desarrollar la psicología de los personajes, sino que también cumple las expectativas más comerciales de los lectores y los jefes de la editorial, que no quieren que haya lugar a dudas de que nos encontramos ante una colección Marvel. Wolfman se vió obligado a realizar crossovers con otras colecciones, aunque sabía que no todos los personajes encajarían con el tono lúgubre del Señor de los Vampiros. El primer cruce tuvo lugar en el Giant-Size Spider-man #1 (1974), en el que Drácula y Spiderman apenas se ven el uno frente al otro. El otro se produjo dentro de la propia colección de Drácula y tuvo más lógica al tratarse de un enfrentamiento con el Hombre Lobo (Tomb of Dracula #18 y Werewolf by Night #15). Tom Palmer tuvo la ocurrencia de entintar las apariciones de licántropo imitando al dibujante regular del Werewolf, Mike Plogg, pero fue algo que sin embargo no entusiasmó a los lectores.

La pelea entre los dos monstruos

Precisamente Tom Palmer se había convertido en el entintador regular de la colección desde el número 12, lo que fue una alegría tanto para los lectores como para el propio Gene Colan. Este equipo de guionista y dibujantes no cambiaría hasta el final de la colección, con lo que se convirtió en el equipo regular más longevo de la editorial Marvel.

Otros de los números más destacados de esta colección fueron los TOD #15 y #30, formados por historias breves sobre Drácula ambientadas en diferentes momentos. Con ellos Wolfman consiguió tanto homenajear la estructura clásica de los comic-book de terror como profundizar en la personalidad de este vampiro y su pasado. Leer el diario personal de Drácula es una rara ocasión de entrar en su compleja mente y estudiar su visión de la vida (o la no-muerte) y sus intentos de engañarse a sí mismo. Por otro lado, refuerza la reformulación de la colección realizada por Wolfman en el TOD#7 al mostrar a este vampiro muriendo por última vez tres años antes del primer número de Tomb of Dracula.

A partir de todos estos relatos autocontenidos Wolfman crea dos grandes tramas, una que abarca desde el TOD#9 al #21, y otra desde el #22 al #35. En la primera Drácula, acabará enfrentándose al Doctor Sol, un científico chino comunista reducido a un cerebro viviente conectado a grandes computadoras. Este homenaje a las historias de terror de los años 50 intentará dominar a Drácula porque necesita sangre para poder vivir y, como cualquiera puede imaginar, no hay nada mejor que el protagonista de esta colección para conseguirla.

El origen del Doctor Sol

Tras este encuentro el rey de los Vampiros será dado por muerto y el grupo de Harker se disolverá. Debido a que Frank Drake no se ve a sí mismo como merecedor del amor de Rachel Van Helsing, buscará valor y hombría en un viaje a Suramérica donde acabará enfrentándose a un ejército de zombis junto al Doctor Vudú (un peculiar superhéroe de la época). Por su parte, el mudo Taj viajará a su India natal para poner fin a unos asuntos familiares sin resolver. Blade protagonizará sus propias historias en solitario (en el siguiente post se comentará más sobre el tema), por lo que Quincy y Rachel se quedarán solos cuando llegue uno de los enfrentamientos más trepidantes y dramáticos entre Drácula y el cazavampiros lisiado en el TOD#32.

Si al enfrentarse al Doctor Sol Drácula había llegado a convertirse en un héroe con la siguiente trama le veremos actuar como un enamorado. El argumento parece centrarse en la Quimera, un objeto mágico de poder inimaginable con el que Drácula podría dominar el mundo, pero lo cierto es que lo que acaba seduciendo al lector es el retorcido triángulo amoroso que atrapa a Drácula, Shiela Wittier y el judío David Eschol. Su inesperada resolución, con Drácula en el papel de amante despechado, nos deja una vez más percibir la visión alterada de la vida y las costumbres humanas que tiene el señor de los no muertos.

La Quimera, formada por tres piezas de león, cabra y dragón

A estas alturas Tomb of Dracula era un éxito de ventas, con entre 200.000 y los 300.000 ejemplares al mes. No sólo se utilizó al personaje en un crossover para intentar animar las ventas de la primera colección de terror cancelada, Monster of Frankenstein, sino que llegó a protagonizar historias cortas en el magazine Dracula Lives! y cinco números extra, los Giant-Size Dracula. Sin embargo, de esta última sólo el primero de ellos tuvo relación con la trama de la colección principal y estuvo realizado por Wolfman y Colan, los otros son bastante prescindibles a pesar de estar escritos por Chris Claremont. En ese número se presentó a Lilith, una hija que Drácula tuvo en un matrimonio anterior a su transformación en vampiro y que fue convertida en una chupadora de sangre mediante el hechizo de una gitana. Lilith es condenada a tener un alma inmortal que no descanse hasta que Drácula muera también, aunque no siente la necesidad de sangre ni le afecta la luz o los símbolos sagrados. En caso de haber muerto, su espíritu renace en cualquier mujer que odie a su propio padre tanto como Lilith odia al suyo.

Respecto a Dracula Lives!, la colección estuvo compuesta por 13 números y un annual formado por reediciones. Estas historias cortas estaban escritas y dibujadas por una gran variedad de autores y se ambientaban en diferentes épocas y lugares (hay incluso historias de vampiros en el far west, contra nazis en la 2ªGM, un encuentro con el Solomon Kane de Robert E. Howard, etc.). Destacan dos historias sobre el resto. La primera, ambientada en el presente, involucra al monje Montesi del Vaticano, que leyendo el Darkhold (el grimorio de instrucciones mágicas del universo Marvel) descubrió un encantamiento en un lenguaje desconocido con el que se podía destruir a un vampiro. El enciclopedista Roger Stern no olvidaría este pequeño relato del Dracula Lives! #6 y lo recuperaría unos años después. La otra historia es una adaptación del libro escrito por Bram Stoker, realizada por Roy Thomas y Dick Giordano, que quedaría inconclusa debido a la cancelación de este tipo de revistas.

La primera apacición de Lilith

¿Cómo consigue Tomb of Dracula destacar entre sus compañeras? La explicación que dan algunos es la falta de supervisión editorial. Debido a que Roy Thomas se encontraba demasiado ocupado como para controlar la calidad de todos los cómics de la editorial, muchos guionistas se convirtieron en editores de-facto de sus propias series. Esto perjudicó a bastantes colecciones que podrían haber mejorado con los consejos de un editor, pero ése no era afortunadamente el caso de la Tumba de Drácula.

Una pequeña curiosidad para terminar: las primeras once páginas del número #24 fueron robadas de las oficinas de Marvel. Por suerte, las páginas a lápiz dibujadas por Colan habían sido fotocopiadas y Palmer pudo trabajar a partir de ellas. Una de éstas acabó apareciendo en el mercado de originales pero todavía no se sabe quién tiene el resto.

Continúa en: Dos escritores de novelas de vampiros le salvan la vida a Drácula

Firma de ejemplares de la novela gráfica Gacela.

2012-01-11T12:00:00.000+01:00

El próximo sábado 28 de Enero, en la librería Ateneo Cómics de Alicante tendrá lugar a partir de las 18:00 h la firma de ejemplares de "Gacela", la novela gráfica de Surco Valbuena Makino.

Animamos a todos los que vivan cerca a que se asomen a la firma.

Ibáñez: Desde Francia con amor (31)

2012-01-11T08:30:00.000+01:00

La tumba de Dracula: Colleta se chiva a Stan Lee de la bronca que le ha echado Wolfman

2012-01-09T11:00:00.000+01:00

Roy Thomas y Marv Wolfman ya se habían conocido cuando pertenecían al "fandom" de los cómics. Es por eso que el editor en funciones le acogió fácilmente en Marvel, donde acabó convirtiéndole pronto en el editor de la reciente línea de magazines en blanco y negro, mientras que Len Wein se encargaría de los comic-books en color.

Como guionista, Wolfman escribió primero unos pocos números para Tower of Shadows y Capitán Marvel, pero fue algo simplemente anecdótico. Pidió encargarse del Doctor Extraño en su nueva serie regular, pero en su lugar le ofrecieron Tomb of Dracula, algo que no le entusiasmó del todo. No era un fan de las historias de terror y nunca había visto una película de Drácula… pero al menos contaba con la ventaja de que nadie compararía su trabajo con alguna etapa anterior de Stan Lee y que tendría libertad para hacer y deshacer en una colección bastante outsider.

Una de las escenas icónicas de Tomb of Dracula, Drácula atrapado en una iglesia

como una mosca en una habitación... arruinada por el entintado de Coletta

Esta colección es, por si no ha quedado claro, el primer trabajo regular de Wolfman como guionista. Aquí es donde este escritor aprenderá mediante la prueba y el error todo lo que aplicará en sus siguientes guiones, tanto en Crisis en Tierras Infinitas, los Nuevos Titanes o el resto de sus cómics.

Lo primero que hizo Wolfman fue una relectura del libro de Stoker, con lo que se dio cuenta de que el protagonismo no recaía en el vampiro sino en sus cazadores. El libro se estructura alrededor de cartas, diarios y grabaciones de los perseguidores del vampiro, sin que en ningún momento se pudiese entrar en la mente de Drácula. Por ello, decidió reforzar el grupo de cazavampiros, añadiendo al grupo a Quincy Harker (el hijo de Jonathan y Mina Harker que nace en la última página de la novela) y a su hija Edith. Harker resulta ser una mezcla entre líder del grupo e inventor de las armas que utilizan, que por culpa de sus encuentros anteriores con Drácula debe llevar siempre gafas de Sol y utilizar una silla de ruedas.

Quincy Harker enseña cómo funcionan sus aparatos capturando a un señuelo

Después de un primer número con el equipo regular reunido (Wolfman, Colan y Palmer) el entintador fue sustituido durante cuatro números por otros profesionales. Vince Coletta volvió en un cómic que podría haber sido el último de Wolfman: cuando el guionista vio las páginas entintadas se dio cuenta de que en el acabado final Coletta se había dedicado a simplificar y borrar todas las figuras de fondo posibles. Después de enfrentarse con él por este asunto, Colleta fue a quejarse a Stan Lee por cómo le trataba el “nuevo”. Afortunadamente Wolfman conservaba fotocopias de esas páginas a lápiz, con lo que Stan Lee tuvo que dar la razón al guionista. Gracias a esto, Coletta nunca volvería a entintar esta colección.

En el TOD#10 Marv Wolfman volvió a las andadas al crear a otro héroe negro, pero esta vez apoyado por la editorial. Blade el cazavampiros había sido ideado por Wolfman unos años antes como protagonista de unas historias para Warren, pero había dejado aquella editorial antes de tener tiempo para poder escribirlas. Colan lo diseñó basándose en varios actores y deportistas afroamericanos (como por ejemplo, Jim Brown) y en ideas del guionista como la bandolera con estacas de madera y el que utilizase una chaqueta de cuero. Blade es, además de uno de los primeros superhéroes negros de Marvel, uno de los primeros “superhéroes” en llevar ropa de calle como uniforme habitual.

Primera aparición de Blade

Como pasa con cualquier tipo de adaptación al cine, las películas han difundido una imagen muy diferente de Blade. Se trata de un personaje de modales bruscos que se dedica a tocar la trompeta en un club de jazz por las noches. En su "identidad secreta", sin embargo, persigue a cualquier vampiro que se le ponga por delante hasta que por fin logre encontrar a Deacon Frost, que mordió a su madre en el mismo momento en el que ella le daba a luz. Por esa causa Blade consiguió desarrollar inmunidad a la mordedura del vampiro pero ninguna de sus debilidades, excepto cierta sensibilidad a la luz que reduce utilizando gafas de sol. Es interesante que a lo largo de la serie Blade recuerde a su madre pero nunca a su padre, lo que podría querer decir entre líneas que era una prostituta. Desgraciadamente, ese dato fue confirmado muchos años después quitándole el misterio que había a su alrededor.

En el primer número de Wolfman empezamos a ver "errores", contradicciones con los anteriores 6 números, como que Drácula conocía a Quincy Harker y a su perro, Santo, al doctor Mortte y a Blade, cuando hasta el momento se había mantenido que el Conde debió de morir “hace casi 100 años”. En otro momento veremos a Drácula utilizando el Proyetor, un complejo aparato electrónico que resucita a los muertos, cuando en el TOD #4 se sorprendía al contemplar el funcionamiento de unas simples linternas. Wolfman decidió dejar a un lado los argumentos de los números anteriores y empezar desde cero lo que él entendía que debía ser esta colección, centrándose en el desarrollo de personajes y en una narración adulta. Por otro lado, Wolfman no suprimió a Frank Drake (el protagonista de las anteriores entregas si nos olvidamos del Señor de los No Muertos) pero redujo su importancia para potenciar la figura de dos verdaderos antagonistas, Quincy y Drácula.

Drácula hace creer a la alta sociedad que el vampirismo es sólo una leyenda

Estamos todavía dentro del margen de números aceptables (o menos) de esta colección. Wolfman comete sus propios errores sobre los vampiros, tiene algunas incoherencias y no tiene claro aún hacia dónde quiere llevar la colección. Hasta dentro de unos pocos números Wolfman no caerá en la cuenta de cuál será el tema de la colección, y será entonces cuando todo empezará a moverse vertiginosamente.

Continúa en: Lucha a muerte contra el megalómano cerebro comunista

Algunas reflexiones alrededor de Mortadelo

2012-01-07T10:30:00.000+01:00

Los cómics españoles mejor vendidos y más conocidos dentro de este país son indudablemente los de Mortadelo y Filemón. Ya son varias generaciones las que los han leído y disfrutado, y sería extraño que las futuras dejasen de hacerlo. Ningún otro personaje y autor consiguen atraer la atención de miles de lectores con cada nueva entrega, lo que debería ser un motivo suficiente para prestarles atención e intentar analizarlos. Creo que Francisco Ibáñez ha conseguido hacerse un nombre con estos personajes principalmente por dos características: su talento y la libertad de sus historias.

La primera de estas características es indudable pero al mismo tiempo matizable. Ibáñez no es un autor que tenga algún interés en transmitir mensajes a través de su obra, sino que se dedica exclusivamente al humor. Mientras que otros autores, de cualquier nacionalidad o época, utilizan sus historietas para hablar de ellos mismos o su entorno, desarrollar los personajes con los que trabajan o hilvanar tramas de cierta complejidad, Ibáñez aparta todo eso a un lado y se dedica únicamente al gag por el gag. Sus personajes son vacíos, sus argumentos, simples excusas. Ante todo, este dibujante no permite que ninguno de estos aspectos interrumpa el meticuloso encadenamiento de los sketches, enfocados únicamente a producir la risa (no la sonrisa) de sus lectores.

El humor de Ibáñez tiene su referente más obvio en la comedia muda de los años 20 y 30. Los recursos que utiliza son básicamente los mismos (el slapstick, el absurdo, la irreverencia…), a los que añade otros verbales como la ironía o los juegos de palabras. En ninguna de estas técnicas se caracteriza este autor precisamente por la sutilidad o el ingenio, sino más bien por la contundencia y la sonoridad. No hay sitio para el reposo y la reflexión, los personajes se mueven salvajemente de una viñeta a la siguiente sin pausa. Es a partir de estas piezas con las que Ibáñez construye un andamiaje efectivo para sus historias, utilizando una narrativa invisible pero sólida que intensifica al máximo una sucesión de gags sin hacerla confusa. En su escuela de humor Ibáñez ha sido, como suele decirse, muchas veces imitado pero pocas superado.

La segunda característica de Ibáñez con la que quiero quedarme es la libertad. Sus personajes no tienen apenas limitaciones a la hora de vivir aventuras ni a en el momento de resolverlas. La habilidad con los disfraces de Mortadelo, parece que inspirada por el Conde de Montecristo o por Sherlock Holmes, es una especie de deus ex machina suficientemente satisfactorio para cualquier tipo de situación. Sin embargo, casi sería más correcto ver estas transformaciones mediante saltos cuánticos como un superpoder, una excepción fantasiosa y chocante dentro de una editorial dedicada por lo general a un cómic humorístico con pretensiones de crítica social.

Este Mortadelo encaja, dentro de la clasificación del payaso moderno, en la categoría del “augusto”. Su apariencia es extravagante y se comporta tanto de manera mordaz y rebelde como ingenua y soñadora. Es el desencadenante de los gags, ya sea provocándolos con algún error humano o cuando él mismo decide esquivar un peligro y dirigírselo a otro. A pesar de ser el último de cualquier cadena de mando lo cierto es que es un alma libre, un atributo que es reforzado por el amplio abanico de seres en los que puede mutar. Aparenta sumisión, pero realmente vive al margen de una sociedad que no podría encorsetarle aunque lo intentase. Es el caos, un anarquista de la realidad.

Su superior, Filemón, al contrario, cumple las veces de “clown”, un individuo serio y conservador, defensor del orden y la corrección creado con el objetivo de ser la diana de todos los golpes y las burlas. El humor surge cuando su solemnidad es tirada por el suelo, cuando pierde el respeto que tanto le preocupa conservar. No existe ninguna justificación para que forme equipo con Mortadelo, ningún tipo de dependencia, confianza o afecto. Permanecen juntos por motivos que se encuentran por encima su conocimiento, porque el guión los necesita uno al lado del otro.

Cuando Mortadelo y Filemón dejaron de cotizar como autónomos y pasaron a trabajar para el Estado, Ibáñez se inclinó ligeramente hacia el modelo del cómic de aventuras francés añadiendo dos personajes nuevos en la T.I.A., el “jefe” y el “sabio”. El primero de ellos, el superintendente Vicente, o “Súper”, es el motor del conflicto. Los dos agentes nunca son conscientes de las dificultades a las que deberán enfrentarse si no es a través de él, por lo que más que considerar al Súper como un comunicador de los problemas se le podría considerar realmente el generador de los mismos. Cumple su posición en la cadena de mando con la misma ineptitud que los hombres en los que confía. Cuando elige a Mortadelo y Filemón para un trabajo no lo hace como una decisión desesperada ante la falta de alternativas, sino de nuevo por exigencias de guión. Nunca aprende del error de encargarles casos a esta pareja porque no se trata de un error en absoluto.

El profesor Bacterio también es otro foco de conflictos debido al mal funcionamiento de los desastrosos aparatos que inventa. Más allá de eso, se trata de otro personaje orgulloso y con ínfulas al que se humilla continuamente. Lo más destacable de él es que despierta las iras de Mortadelo, le hace perder su aire socarrón y frívolo. Además Bacterio se encuentra a la misma altura que los protagonistas en el escalafón, lo que les permite descargar sus venganzas sobre él sin miedo a represalias.

El último personaje regular es la secretaria Ofelia, un personaje que no es creado para ello pero sirve para rellenar el cupo sexual de un reparto muy masculino. Al contrario que los anteriores personajes, Ofelia tiene la peculiaridad de ser un personaje totalmente prescindible. Por lo general, ni es la que desencadena el conflicto ni será quien ayude en su resolución. Su objetivo es bien diferente, ser el blanco de las burlas del resto de los hombres y mujeres de la agencia debido a sus problemas de sobrepeso. Esta secretaria podría representar alguna autocrítica a la sociedad, al gusto obsesivo por el canon estético y las proporciones del hombre de Vitrubio… pero no hay que irse tan lejos. Ofelia es simplemente otro payaso serio encerrado en las oficinas centrales que espera fiel a los protagonistas al comienzo y fin de sus misiones para servir de contrapunto cómico. Es también el único personaje de la serie con sueños y esperanzas que nunca podrán cumplirse, por lo que se le puede encajar en el arquetipo más popular de la editorial Bruguera, el personaje frustrado.

La carrera de Ibáñez en lo artístico se podría definir sin duda como estable. Sería muy extraño que un lector al que le haya gustado el humor y los personajes de un álbum no le vayan a gustar en otro. Existe una mínima evolución en las historias tanto en el dibujo como en los gags, pero comparado con otras colecciones similares Ibáñez es de los autores más invariantes del mercado. A pesar de ello, no se puede negar cierta decadencia en su obra, una evolución hacia una excesiva obviedad en el humor escatológico, una pérdida de ritmo a lo largo de los álbumes (debido a la ausencia de capítulos, que a su vez se debe a la falta de revistas) y una falta de interés evidente en buscar la originalidad.

Sin embargo, estos defectos los veo disculpables. El que realmente destacaría de las últimas décadas es el haber cambiado el uso que daba a la época histórica en sus historias, de haber sido el contexto en el que éstas se ambientaban a ser la causa que las origina. Mortadelo ha perdido la relativa atemporalidad que lo caracterizaba al dedicarse a ser un escaparate de las novedades sociales y tecnológicas que tenían lugar en cada momento, un oficio con el que difícilmente ningún relato de ficción ha conseguido destacar a lo largo de la historia. De hecho, esta pérdida de la atemporalidad restringe en parte la libertad que he mencionado al principio como una de las razones del éxito de la serie.

Más allá de estas pegas, el concepto de Mortadelo y la forma que su creador ha tenido para moverlo durante más de 50 años han sido a grandes rasgos muy efectivos y envidiables. Nadie puede negar que Francisco Ibáñez es uno de los capítulos más importantes de la historia del cómic de nuestro país y lo seguirá siendo por muchos años. Aún más, lo es sin ayuda de textos como éste, a Ibáñez le basta y le sobra el apoyo mayoritario de los lectores para ser uno de los grandes.

Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay: la película

2012-01-05T10:00:00.000+01:00

Todo podría apuntar a que el libro iba a ser inmediatamente adaptado al cine: además de haber recibido un premio Pulitzer el argumento se ambienta en la Segunda Guerra Mundial, trata sobre el mundo del cómic (un medio en alza en los últimos años con las adaptaciones de tebeos al cine), y está escrito por el autor de otro libro cuya adaptación fue un éxito de crítica (pero en absoluto de taquilla, Wonder Boys). Sin embargo no fue así. Por unos motivos o por otros el traslado al medio de entretenimiento más masivo se ha hecho de rogar y desde el año 2000 sólo ha habido rumores al respecto.

El primero en interesarse fue el productor Scott Rudin (El show de Truman, La red social, No es país para viejos...) que quiso encargarse de producir la película con la ayuda de Paramount. En un primer momento se asoció con Sydney Pollack para la dirección de esta película, pero lo sustituyó por Stephen Daldry (Billy Elliot, The Reader…) al comprobar el éxito que había conseguido con Las horas (2002).

Scott Rudin

Stephen Daldry

El guión fue adaptado inicialmente en el año 2002 por el propio Michael Chabon. Según sus declaraciones, resultaba muy difícil adaptar una historia que abarcaba tantos años, por lo que la historia se había reducido sólo al periodo de la guerra. Por otro lado, decidió escribir el borrador de memoria, sin repasar al libro. Estos recortes con respecto a la novela se notarían en escenas destacadas como las ruinas de la Feria Mundial, la aparición de Orson Welles y Stan Lee, aunque no quería eliminar a Dalí, el Golem, y la historia de amor gay.

Los borradores de la película recibieron críticas dispares. Si Entertainment Weekly lo destacaba en su número doble de verano de 2002, en la web Coming Attractions dos semanas después Darwin Mayflower lo definía como una adaptación “muy básica” de la novela. “Este es uno de los casos en el que una novela simplemente no puede adaptarse al cine a menos que quieras que (…) dure cinco horas”. Sin embargo, no se sabe a cuál de todos los borradores se refería, ya que Chabon llegó a escribir ocho.

En 2004 se dio por terminado el guión y se anunció que Steven Daldry sería el encargado de dirigirlo. Chabon comentó que algunos de los actores que él querría para la película podrían ser Natalie Portman para hacer de Rosa Saks, y tal vez Tobey McGuire para Sam Clay y Jaime Bell como Joe Kavalier. Cuando el director iba a ser Sidney Pollack, los actores que Paramount barajaba fueron Jude Law para Kavalier, Ben Stiller como Clay y Jennifer Connely para interpretar a Rosa. Adrien Brody mostró interés por el papel protagonista, a pesar de los parecidos que se podrían hacer con El pianista.

¿Adrien Brody como Joe Kavalier?

Sin embargo, en el año 2007, Chabon confirmó que el estudio había dejado de estar interesado por la película por motivos que él desconocía.

Lo único que tenemos de momento como adaptación del libro es el siguiente corto que combina animación y acción real dirigido por Jamie Caliri a las órdenes del productor Scott Rudin con el objetivo de atraer a posibles financiadores. El resultado es más que correcto, pero no debió de convencer lo suficiente.

The Escapist v.s. The Iron Gauntlet from Jamie Caliri on Vimeo.

Recientemente, el 13 de diciembre de 2011, el director Stephen Daldry durante la promoción de Tan fuerte, tan cerca ha vuelto a insistir en que quiere rodar esta adaptación como una miniserie de 8 episodios para la cadena HBO. Si tenemos suerte, tendremos más noticias pronto.

La Tumba de Drácula: Wolfman es despedido de DC por crear un superhéroe negro

2012-01-02T09:00:00.000+01:00

En 1969 en el House of Secrets #83 (una colección de comic-books de terror) Abel explicaba a los lectores que una historia estaba narrada por nada menos que "un hombre lobo". Inmediatamente la censura pidió a DC que eliminase esas palabras, ya que tenían prohibido mencionar a cualquier monstruo de terror. Tuvo que ser Gerry Conway el que les explicase que no se trataba de un hombre lobo real, sino de un Wolfman, Marv Wolfman, por lo que el Comics Code tuvo que aceptar la sugerencia de Conway: el cómic se editaría si Wolfman era acreditado como el guionista, algo extraordinario ya que en los cómics de terror de DC a los escritores no se les tenía permitido firmar. De este modo, el resto de autores exigieron el mismo trato, y pronto todas estas historietas aparecerían correctamente acreditadas.

"Me lo contó hace mucho, mucho tiempo un hombre lobo errante"

El protagonista de esta anécdota, Marv Wolfman, había comenzado en el mundo de los cómics editando fanzines durante en la década de los 60 (de hecho fue uno de los primeros en publicar a Stephen King), hasta que en 1968 entró en DC para escribir algunos números sueltos y relatos cortos de terror (Teen Titans, House of Mistery, Detective Comics…) Nada realmente interesante hasta que Wolfman y Len Wein decidieron hacer historia con el Teen Titans #20 (1969), en el que tendría lugar la primera aparición de un superhéroe negro en el universo DC, Jericho (tres años después del Pantera Negra de Marvel). Los dos jovencitos le presentaron la idea al editor Dick Giordano, que a su vez se lo comentó al dueño de DC, Irwin Donnefield. Todos quedaron encantados. De hecho, Donnefield insistió en alargar la trama a dos números.

La historia trata sobre un villano que manipula a una banda de adolescentes afroamericanos aprovechándose de su resentimiento para que ataquen a los blancos. Es entonces cuando Jericho aparece ante ellos para detenerlos y les recuerda las palabras de Martin Luther King en contra de la violencia. Al final se descubre que bajo la máscara de este héroe se encontraba el hermano de uno de los chavales de la banda.

Una de las páginas en las que se puede ver a Jericho. Aquí están el resto.

El encargado de dibujar las páginas fue Nick Cardy que, según cuentan Wolfman y Wein, hizo un trabajo espectacular. Desgraciadamente no contaban con que mientras las páginas eran entintadas, rotuladas y coloreadas Irwin Donnefield estaba dejando su puesto para ser sustituido por Carmine Infantino. Cuando Infantino leyó esta historia terminada se asustó al pensar que no sería fácil venderla en el sur de EEUU, por lo que decidió, justo una semana antes de llevar el número a la imprenta, que no iba a ser publicada. Sin embargo, la portada ya estaba impresa y en ella se veía bien grande el nombre de Jericho, por lo que el contenido tendría que ajustarse a ella.

Neal Adams, obediente a las órdenes de Infantino, se ofreció voluntariamente a reescribir y redibujar la historia para eliminar todo el contenido racial de un cómic que, en su opinión, “ofendía a los blancos del mismo modo que la gente de color había sido ofendida durante siglos”. Mientras que el argumento se transformó en una lucha contra invasores extraterrestres, a los negros de la portada se les tapó con un azul oscuro para ocultar su piel.

Wolfman y Wein rechazaron el resultado final, y los editores de DC empezaron a no darles tanto trabajo como antes. Tenían miedo de su “rebeldía”, ya no confiaban en ellos. Fue inevitable por tanto que Wein y Wolfman buscasen trabajo en las revistas de terror de Warren… y más tarde en Marvel, donde ambos pudieron demostrar por fin todo su talento.

Continúa en: Colleta se chiva a Stan Lee de la bronca que le ha echado Wolfman

Ibáñez no dibujará una novela gráfica

2011-12-29T16:41:00.000+01:00

Esperábamos todos con ganas que Ibáñez se apuntase a la última tendencia de lo más mejor, pero no ha podido ser. Todo ha sido una pequeña broma aprovechando el día de ayer.

Un agradecimiento especial a los que llegaron a creérselo de veras, que sé que ha habido un par.

Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay: los cómics

2011-12-29T10:00:00.000+01:00

Cuando la novela se convirtió en un éxito varias editoriales le pidieron a Chabon realizar algún spin-off del libro en forma de cómic. Quien se acabó llevando el gato al agua fue Dark Horse, que a partir de febrero de 2004 comenzó a publicar una colección de tomos de 80 páginas trimestrales con diferentes historias cortas centradas en el Escapista, Polilla Luna y otros personajes del universo de ficción creado por Kavalier y Clay.

Portada del primer número de las Asombrosas Aventuras del Escapista

Michael Chabon se encargó de supervisar la colección y escribir algunas historias, como por ejemplo el origen del Escapista (adaptando línea a línea un capítulo de su libro). La lista de autores que participaron en este proyecto es extensísima y abarca tanto profesionales veteranos (Gene Colan, Joe Staton…) como dibujantes de webcómics (Tony Leonard Tamai, Steve Conley...), tanto especializados en historias de género (Jim Starlin, Matt Wagner…) como otros más costumbristas (Jeffrey Brown, Harvey Pekar…), desde lo mainstream (Brian K. Vaughan…) a lo experimental (Kyle Baker, Matt Kyndt…), y tanto americanos como internacionales (Jason, Paul Grist…) El sexto tomo tiene el triste honor de contener el último cómic dibujado por Will Eisner, seis páginas co-protagonizadas por Spirit, al que no dibujaba desde hacía décadas.

El objetivo de estas historias es crear la ilusión de que el Escapista ha sido un personaje de cómic real que Chabon habría descubierto en 1968 y a partir del cuál habría escrito su novela. Cada cómic está ambientado en diferentes épocas históricas, tanto pasadas (la revolución hippy de los cómics DC de los años 70, la crudeza de los cómics de EC de los 50…) como más actuales basándose en anécdotas reales, como el cómic semi-legal protagonizado por Lobezno que Jeffrey Brown distribuyó entre sus amigos en 2004. Incluso Roy Thomas, que actualmente trabaja como historiador del cómic en su revista Alter Ego, colabora con varios textos para explicar las diferentes etapas editoriales del personaje. Como pequeñas curiosidades se incluyen incluso parodias del personaje principal.

Portada de John Cassaday para el cuarto número

El resultado es muy satisfactorio. Ninguna historia inventa la rueda, pero sí exprimen todas las posibilidades que les dan los personajes. Mientras que otras antologías similares (Batman Black&White, Bizarro Comics, Strage Tales, Wednesday Comics…) recopilan historias de personajes con un pasado muy extenso, Las sombrosas aventuras del Escapista presentan al público a los personajes, sus villanos, secundarios y situaciones recurrentes por primera vez. Esto les da a los autores la ventaja de poder contar historias básicas, basadas en elementos muy simples, sin el miedo a que algún guionista o dibujante hubiese contado ese mismo argumento durante los últimos 80 años. Con razón ganó en 2005 el premio Eisner a la mejor antología y el Harvey a la mejor nueva serie. En 2004 Eric Wight ganó por su colaboración en esta colección el premio Eisner al dibujante más prometedor.

El principal defecto de estos cómics se encuentra desgraciadamente en que era imposible fidelizar al lector. Sin subtramas ni personajes regulares los lectores no debieron de sentir la necesidad de seguir esta colección, que además exigía ciertos conocimientos de la historia del cómic para poder disfrutar completamente de algunos relatos. Finalmente debido a la bajada de ventas la serie fue cancelada en enero de 2006.

Portada del recopilatorio de la miniserie The Escapists

Precisamente se quiso corregir esa falta de subtramas en el último número, en el comenzaba una miniserie escrita por Brian K. Vaughan (Y: el último hombre, Ex machina…) y dibujada en un primer momento por el Philip Bond (Vinamarama, Mata a tu novio, Vertigo Pop! London…) y Eduardo Barreto (Lex Luthor: biografía no autorizada, Superman, Batman…), y continuada por Jason S. Alexander y Steve Rolston. Para continuarla se abrió una nueva colección de seis entregas, The Escapists, en la que se publicó también el número publicado en The Amazing Adventures of the Escapist #8. La historia trata sobre Max Roth y Case Weaver, un guionista y una dibujante independientes actuales que quieren relanzar al Escapista.

Portadas de Frank Miller y Paul Pope para los números 1 y 5

Aquí nos encontramos casi sin lugar a dudas con el Vaughan más inspirado de su vida. Convierte el relato en una alegoría autobiográfica (Cleveland es el lugar de nacimiento de Max, de los padres de Superman… y del propio Vaughan) en la que el cómic y su industria son tratados de manera muy inteligente. Las grandes empresas que no valoran los personajes sino como marcas, las personas que ven el cómic sólo como un medio para animar a la lectura a los niños… Entre los detalles más interesantes de la historia está que Max es un seguidor del cómic de superhéroes mainstream mientras que Case es aficionada al underground. Su acercamiento al cómic será muy diferente: él citará los experimentos narrativos de G.I.Joe, mientras que ella hará referencia a los de Will Eisner, por ejemplo.

Pero estamos hablando de un cómic en el que se pueden hacer más cosas que presentar un argumento. Vaughan utiliza precisamente el formato del cómic para jugar con el contraste entre el cómic y el mundo real, con transiciones graduales de uno a otro, la ambientación de diálogos reales dentro de las páginas de un cómic, el proceso de entintado y color de una página como metáfora de un encuentro amoroso… Las contra portadas de las grapas originales de estos cómics precisamente servían como portadas de los cómics que se dibujaban en cada historia.

Los límites entre lo real y la ficción

Aunque puede leerse de manera completamente independiente a la novela de Chabon, esta miniserie podría considerarse la continuación perfecta de ella. Los protagonistas de las dos historias son artistas del cómic relacionados con el Escapista, ambientados dentro del mismo universo de ficción, que en los dos casos buscan la libertad. Si el Escapista dedica su vida a romper cadenas, Max y Case lucharán en esta historia por conseguir libertad creativa.

En España Planeta de Agostini editó sólo 6 de los primeros 8 tomos y dejó inédita la miniserie. El precio era de 7,50€ por 80 páginas.

Ibáñez anuncia que dibujará una novela gráfica (Día de los Santos Inocentes)

2011-12-28T14:21:00.001+01:00

Francisco Ibáñez, el dibujante más prolífico de Mortadelo y Filemón, acaba de anunciar en su twitter que su próximo proyecto será una novela gráfica.

Nada más enterarnos nos pusimos en contacto para pedirle más información al respecto. Parece que será el primer cómic de Ibáñez desde hace 25 que no será publicado por Ediciones B sino una editorial más pequeña, “pero no os puedo decir nada más”. Por algunos comentarios en twitter creemos que la editorial podría ser Caramba, pero Manuel Bartual dice que quiere dejarnos con la intriga unas semanas más.

Cuando le preguntamos al humilde pintamonas por los motivos que le han llevado a dibujar este cómic nos detalló la “tremenda impresión” que le produjo el reciente libro de Santiago García. “Todavía no comprendo cómo Mortadelo sigue siendo el tebeo más vendido de España desde hace décadas. La novela gráfica es lo que les gusta a los chavales ahora.”

Este cómic se titulará El tacto de los colores amargos y tendrá una extensión de 96 páginas por un precio de 22€. La narración semi-autobiográfica se centrará en la infancia de un niño de Barcelona de la postguerra y estará lleno de silencios desarrollados con un dibujo simple y aparentemente descuidado. “Estoy leyendo algunas novelas de Bastien Vivès y Sfar para buscar inspiración, siempre he sido muy aficionado a leer tebeos franceses”.

Curiosamente, a sus 75 años Ibáñez es muy consciente de la importancia que tienen internet y las redes sociales en la difusión del cómic. "Ya me ha dicho Pepo Pérez que me va a poner muy bien en su blog y tengo entrevistas concertadas en Entrecómics".

Esperamos muy ansiosos a la publicación de este cómic y esperamos que esto no signifique el fin de Mortadelo y Filemón. ¡Ánimo, maestro!

La exposición "Malefic Time" llega al Matadero.

2011-12-26T17:54:00.000+01:00

“Malefic Time” se desplaza a Matadero Madrid

La exposición de Luis y RómuloRoyo estará visible hasta el 29 de enero

Madrid, 26 dediciembre de 2011.Luz y su inseparable espada siguen recorriendo nuestro mundo, convertidas en laúltima esperanza para todos. La exposición “MaleficTime”, innovadora y ambiciosa apuesta artística nacida de los talentos de Luis y Rómulo Royo estrenada a nivel internacional y presentada porprimera vez en el último SalónInternacional del Tebeo de Madrid – Expocómic 2011, se traslada a lasinstalaciones de Cineteca, espacio recientementenacido en las entrañas del imponente recinto Matadero, donde permanecerá hastael 29 de enero. La Sala Azconaacogerá, además, la presentación del videoclip musical que forma parte delmacro proyecto de la pareja de artistas el 28 de enero. El futuro de laHumanidad está en juego…

Cineteca: Plaza de Legazpi, 8 -28045-Madrid www.cineteca.com

La tumba de Drácula: Drácula toma el Sol a la luz de la Luna

2011-12-25T08:30:00.000+01:00

La primera docena de números fueron un caos en todos los sentidos. Al primer número que ya comentamos le siguió una sosa segunda entrega escrita en solitario por Gerry Conway. En ella no se cuenta apenas nada interesante, el guión está lleno de más topicazos y el dibujo es aún peor que el primer número por culpa del entintado del incompetente Vince Colleta, que se dedicaba a borrar los lápices de Colan para tardar menos tiempo. “No me gusta su interpretación de mi trabajo”, decía Gene Colan educadamente. “He trabajado muy duro en mi dibujo, ¿por qué debería alguien… destrozarlo?”

Portada del Tomb of Dracula #5, de Gil Kane y Tom Palmer,

los encargados de gran parte de las portadas de la colección.
Atentos a la pajarita del Señor de los Vampiros.

La colección cambia afortunadamente de guionista en el tercer número ya que, según el propio Gerry Conway, apenas tenía tiempo para escribir las 6 colecciones mensuales Marvel de las que se encargaba. Por otro lado, no debió de echar de menos Tomb of Dracula ya que pronto se encargaría de una colección mucho más popular, The Amazing Spider-man.

Tomb of Dracula #2: Stan Lee le ordenó a John Romita que

redibujase la última viñeta para que fuese más clara de leer

En la tercera entrega se corrigieron algunos de los fallos que arrastraba la colección. Por un lado, de los argumentos se encargó Archie Goodwin (antiguo editor de Vampirella), que conocía mejor las leyendas sobre vampiros, mientras que el entintador Tom Palmer se dedicaría a terminar y colorear formidablemente el dibujo a lápiz de Colan. Esto tuvo como consecuencia que Drácula dejase de llevar perilla: Palmer se la quitó sin consultar a Colan, y a éste le convenció el cambio. Por otro lado, Stan Lee, siempre tan preocupado por la reacción de los lectores en sus cartas, decidió que a partir del cuarto número el color de la piel de Drácula sería el de un humano normal en vez de la lógica palidez de las primeras entregas.

Goodwin le da en sus primeras páginas por fin una dirección a la serie, y también nuevos secundarios. Rachel Van Helsing, bisnieta del cazavampiros del libro de Stoker, y Taj, un gigantón hindú mudo, animan a Frank Drake a que se una a ellos en su caza de chupasangres. En otra parte, Drácula se enfrenta a Ilsa Strangway, una antigua modelo muy atractiva pero actualmente envejecida que desea ser un vampiro para recuperar su juventud. A cambio le dará a Drácula un espejo mágico con el que se puede viajar a través del tiempo o las dimensiones. Goodwin insiste especialmente en lo desubicado que se encuentra Drácula después de haber permanecido muerto durante 75 años, algo que veremos que se contradecirá dentro de media docena de números.

Tomb of Dracula #3: Frank Drake conoce a Rachel
Van Helsing y a Taj tras un intento de suicidio

El guión de los números #5 y #6 sin embargo son responsabilidad de Gardner F. Fox, uno de los guionistas revolucionarios de la DC de los años 40 y 50 (creador del primer Sandman, el Flash de la Edad de Oro, los batarangs de Batman, Hawkman, Atom, Adam Strange, el concepto de Tierra-1 y Tierra-2 en DC, la JSA, la JLA, Starman, Doctor Destino...) que había sido despedido hacía unos años por la editorial junto a muchos de sus compañeros… sólo por ser viejos. El baile de guionistas produce errores e inconsistencias que los lectores notan, lo que lleva a Stan Lee a justificarles con la excusa de que no quieren seguir el mito vampírico al pie de la letra: “Bram Stoker sabía mucho sobre los vampiros, ¡pero no lo sabía todo!”

Al editor en jefe, Roy Thomas, no le termina de encajar la forma de escribir de Gardner Fox para esa colección. Fox pasa entonces a escribir las aventuras del Doctor Extraño, mientras que en su lugar colocará a otro de los guionistas escapados de DC, un jovencito barbudo de sólo 26 años que realmente no quería encargarse de este personaje: se trata de Marv Wolfman.

Tomb of Dracula #3: Drácula derrotado por linternas

Continúa en: Wolfman es despedido de DC por crear un superhéroe negro

Feliz navidad (de parte de Zipi y Zape)

2011-12-24T13:52:00.000+01:00

Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay: el libro

2011-12-22T08:30:00.000+01:00

Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay (Michael Chabon)
Título original: The Amazing Adventures of Kavalier and Clay (2000)
Traducción: Javier Calvo Perales
Mondadori, Abril 2002

Cuando en 1938 dos jóvenes de 17 y 19 años crearon a uno de los iconos más conocidos del s. XX, Superman, desencadenaron una moda de coloridos héroes con habilidades fabulosas que inundaron los comic-books de los EEUU. Uno de esos personajes sería el Escapista, creado por dos judíos primos entre sí (Sam Clay y Joseph Kavalier), un mago especializado en fugas vestido con unas mallas oscuras con una llave dorada en el pecho que lucharía contra la asociación nazi La Cadena de Hierro.

La novela se centra principalmente en Kavalier, un judío polaco con conocimientos de escapismo que tuvo que huir de Europa durante la Segunda Guerra Mundial. Cuando llega a EEUU hará lo posible para sacar a sus padres y a su hermano de allí, y para ello descubrirá que dibujando cómics podrá conseguir el dinero suficiente. Por su parte, Sam Clay vive con su madre (su padre es un famoso forzudo, basado en el histórico Joe Greenstein, que se fue de casa cuando él era pequeño) y que no acepta su propia condición homosexual.

Entre uno de los aciertos del libro se encuentra que la vida de Kavalier sea una analogía de Superman. Igual que Kal-L, Joe es un joven que deja atrás a su familia para viajar a un nuevo mundo, mientras que la escena en el Antártico recuerda inevitablemente a la Fortaleza de la Soledad. De hecho, a lo largo de la novela veremos cómo Kavalier irá transformándose en su personaje de ficción, y cómo al mismo tiempo se le enfrentarán “supervillanos” de andar por casa.

Poster dibujado por Jim Steranko para la presentación de la novela

de Chabon. Atención al Mr. Miracle que se ve a la izquierda.

La portada del primer número ficticio del Escapista hace referencia a la portada del primer

Capitán América. Esta ilustración la hizo Herb Trimpe para los cómics de Dark Horse.

Kavalier también absorbe influencias de diferentes personajes históricos: es Jack Kirby en su lucha contra el nazismo y en su forma de secuenciar la acción; es Jim Steranko en su mezcla de dibujante y mago/escapista; es Will Eisner en su replanteamiento de la narrativa del cómic y su fe las posibilidades del medio. Por su parte, la pareja formada por Kavalier & Clay está inspirada en Jerry Siegel y Joe Shuster, la pareja creadora de Superman que fue estafada por sus propios editores de un modo parecido a este libro.

La novela defiende, en boca de Kavalier, que el cómic es un medio que tiene el mismo objetivo que el Escapista: la evasión. En los cómics que dibuja no tiene límites para expresar todo lo que siente utilizando a su superhéroe, al mismo tiempo que puede refugiarse en su gran colección de cómics para dejar a un lado la tragedia de su vida. “La evasión, en el arte y la literatura, tiene mala fama”, añadirá Michael Chabon en el prólogo de los cómics del Escapista de Dark Horse, por lo que aquí el autor se posicionará en el lado contrario del cuadrilátero para reivindicarla.

El problema de la novela viene cuando Chabon quiere abarcar hasta los años 50, hasta la persecución a los creadores de cómics y la creación del código de autocensura. Con esta última parte marcada por el desencanto se alarga demasiado una trama que había sido sobresaliente hasta ese momento. Como decía un humorista de La Codorniz, “a todos los libros les sobran 100 páginas”, y éste es un ejemplo perfecto de ello.

Portada de la edición americana

Las asombrosas aventuras de Kavalier & Clay consiguió una gran acogida crítica. Fue elegido como uno de los libros destacados del año 2000 por la asociación de libreros de EEUU y finalista del premio del Círculo de Crítricos literarios, el premio PEN/Faulkner y el premio Angeles Time Book. También consiguió el premio New York Society Library en la categoría de ficción, el premio Bay Area Book Revierwers, la Medalla de Oro del Club Commonwealth y finalmente el premio Pulitzer en 2001.

Si con su primera novela (Los misterios de Pittsburg) Chabon consiguió ganarse al colectivo gay, con esta otra llamó la atención de los lectores de cómics. Pronto se dedicaría a dar charlas en diferentes convenciones y, en 2004, escribiría para DC su primer cómic, JSA All Stars #7, al que después le seguiría una colección protagonizada por el Escapista para Dark Horse.

Además del libro existen 4 capítulos “inéditos” publicados en diferentes revistas: “The Return of the Amazing Cavalieri: From Untold Tales of Kavalier & Clay” (El regreso del Asombroso Cavalieri: las historias jamás contadas de Kavalier & Clay), situado justo después del final de la novela, para la revista McSweeney’s #7; "Sammy and Rosa’s Wedding" (La boda de Sammy y Rosa) para el Entertainment Weekly de 28 de junio de 2002; “An Untold Tale of Kavalier & Clay: Breakfast in the Wreck” (Una historia jamás contada de Kavalier & Clay: Desayuno en el naufragio), narrado después del testimonio de Sammy al senador Kefauver, publicado en The Virginia Quarterly Review, Primavera 2004; “A Postscript” (Un epílogo), una entrevista ficticia a Sammy y a Rosa ambientada en los 80 que revela detalles de la vida de los personajes después de la novela, publicado en Zap! Pow! Bam! The Superhero: The Golden Age of Comic Books, 1938-1950, noviembre de 2004.

Portada de la edición japonesa

Opiniones de grandes artistas sobre Jim Steranko (2 + extra)

2011-12-20T08:30:00.012+01:00

Citas extraídas de Comic Book Marketplace #28 (octubre 1995). Por un error de maquetación algunas declaraciones están cortadas, como las de Marc Chiarello, Bill Sienkiewicz, Joe Kubert y Joe Sinnot. En esos casos sus frases han sido recogidas hasta donde ha sido posible.

Frank Frazetta
ILUSTRADOR DE FANTASÍA DE FAMA MUNDIAL
Jim es una gran figura, uno entre un millón, con muchos talentos. ¡Estoy diciendo todo esto para que él diga cosas agradables sobre mí la próxima vez! Me gusta mucho Jim. ¡Sus pinturas son tremendas! Muy fuertes, llenas de poder. Mira, cuando era un joven prometedor me dijo “Frazetta, eres mayor que yo y yo soy joven, pero te alcanzaré” (risas). Era muy competitivo, lo que pensaba que era maravilloso. Y le dije “Ok, Jim, pero te tengo que avisar, ¡no es tan fácil como parece!”. No tengo nada que decir que no sean cosas buenas sobre Jim, excepto que no sé por qué no se dedica más al dibujo porque tiene un potencial tremendo. De hecho, ya le he llamado la atención por eso.

Comic Book Marketplace #28 con una portada de la Sombra

Gary Gianni
ACTUAL DIBUJANTE DE LOS CÓMICS DE LA SOMBRA
Junto a dos amigos, conocí a Jim en 1974. Éramos estudiantes de arte y estuvo animándonos. Su interés en nosotros me hizo sentir como si fuésemos la gente más importante de la sala… algo que no era una hazaña fácil, teniendo en cuenta su popularidad en una nutrida convención de cómics. Pasaron veinte años y cuando empecé a dibujar cómics me di cuenta de la huella que me había dejado, su discusión sobre las técnicas narrativas, desarrollo de personajes y demás.

Recientemente empecé a dibujar La Sombra y releí un artículo que Sterano había escrito sobre su aproximación al personaje. Su conclusión fue del estilo Frank Capra. Un grito del fan/estudiante de dibujo se hinchó en mí chillándome “¡Sí, Gary, da todo lo que tienes!”

Sigo recordando las palabras de Steranko: “Y si vosotros, como yo, acabas siendo artistas, hay una posibilidad de que en algún momento del futuro trabajéis duro en una serie de ilustraciones de la Sombra. Todo puede ocurrir. ¿Quién sabe?”

Una de las recientes portadas para libros de Steranko

Paul Gulacy
DE LOS MEJORES DIBUJANTES DE CÓMICS Y NARRADORES GRÁFICOS
¡Todo el que no aprecie el trabajo de Steranko es imbécil! Los 60 fueron una época de derechos civiles, los Beatles, la llegada a la Luna, James Bond, Kennedy, Vietman… y, en la industria de los cómics, Steranko fue la gran noticia. Su fuerte sentido del diseño gráfico corría paralelo a los riffs de guitarra de Jimi Hendrix. De qué cosmos creativo se aprovechaba, nunca lo sabremos. Y si le preguntas, no te lo dirá de ninguna manera.

Steranko nunca se ha retirado de explorar nuevas vías o aceptar retos. Ya sea dibujando cómics, escribiendo, pintando o publicando, es un experimentador consumado y arriesgado. Sabiendo todo esto y conociendo a la persona, tengo que decir que lo que le coloca aparte de mí y de nuestros iguales son sus experiencias como artista del escapismo. Steranko era esposado a las vías de un tren (con un tren acercándose) y escapaba en el último segundo. Era arrojado desde un puente encadenado dentro de un camión y escapaba debajo del agua. Ésa es la diferencia, lo que hace a Steranko único.

Una vez le pregunté en qué destacaba él como el mejor y me dijo que en su desprecio a la magia de manos. También sé que adora la música rockabilly y tiene cariño por el periodo de los años 30. De todos nosotros, Steranko es el mejor. Como amigo, es una persona muy generosa con una fibra moral muy fuerte y un corazón de oro. Es por eso que adoro a este tipo.

Dibujos para fans

Greg y Tim Hildebrandt
SUPERESTRELLAS DE LA ILUSTRACIÓN FANTÁSTICA
¡La diversidad de Jim Steranko es una inspiración para nosotros! ¡Su dibujo, diseño, color, composición y estilo son inigualables!

[Joe Kubert]
[DIBUJANTE Y GUIONISTA CONOCIDO POR EL SARGENTO ROCK, HAWKMAN Y FAX DESDE SARAJEVO. FUNDADOR DE LA JOE KUBERT SCHOOL OF CARTOON AND GRAPHIC ART]
(…) Siempre le he considerado un querido amigo, alguien al que tenía muchísimo respeto. También ha venido a The Kubert School como invitado. Jim solía hacer magia con cartas y monedas para Adam, Andy y todos nosotros cuando venía a casa. Jim los conoció hace 25 años.

Steranko fue una de las primeras personas en autoeditarse, en aventurarse, realmente, y comenzar su propia revista. Y lo hacía a pesar del hecho de estar siempre muy ocupado; siempre tenía tanto trabajo como quería y más. ¡Pero aún así quería hacerlo a su modo (risas)!

Su estilo de ilustración siempre ha sido extremadamente inteligente. Lo que permanece en mi mente por lo que al trabajo de Jim respecta es la claridad en términos de narración y dramatización, la cual siempre he visto como el factor más importante para cualquiera que quiera ser dibujante de cómics. De lo que se trata es de comunicación. Y Jim siempre ha sido muy, muy fuerte en esas áreas.

John Landis
DIRECTOR DE GRANUJAS A TODO RITMO Y DESMADRE A LA AMERICANA
¡Los dibujos de Steranko han influido a todo el mundo! El trabajo de Steranko es un factor muy importante en el renacimiento del comic-book. ¡Es el más grande!

Dibujos para fans

Stan Lee
ARQUITECTO DE LA ERA MARVEL… ¡NUFF SAID!
La primera vez que me encontré con Jim y vi su trabajo, me quedé increíblemente impresionado. Y cuando su dibujo y sus historias aparecieron en los cómics Marvel, ¡fue como si hubiese prendido el escenario como un cohete! Fue inmediatamente el centro de atención de artistas, escritores y fans. Quiero decir que fue asombroso que Jim trajese un nuevo estilo y un nuevo entusiasmo a los cómics. Hay ciertas personas en el arte cuyo talento les hace únicos y memorables. Jim es una de esas personas.

Jim Shooter
ACLAMADO GUIONISTA/EDITOR, FUNDADOR DE BROADWAY COMICS
Steranko trajo el diseño a los cómics. Con una trayectoria relativamente pequeña, introdujo un número sorprendente de innovaciones gráficas. Su amor, su intensidad, su genio cambió el curso del poderoso río de la creatividad de los cómics. Como Jack Kirby o Neal Adams, era y es imitado a menudo pero Steranko ha mantenido su importancia. Más importante aún, es una persona con honor. No cuentes mentiras refiriéndote a su conciencia. Especialmente sobre él.

Bill Sienkiewicz
ILUSTRADOR GANADOR DE VARIOS PREMIOS
Steranko fue un pionero en el uso del subtexto como un lenguaje en el medio de los cómics. (…)

Dave Stevens
CREADOR DE ROCKETEER
Por lo que yo sé, Steranko es Dios. Siempre lo ha sido. Siempre lo será.

Dibujo para fans

Al Weiss
DIBUJANTE-GUIONISTA DE CÓMICS BESTSELLER
Steranko fue una de mis mayores influencias. Cuando vi por primera vez su trabajo casi no pude discernir exactamente qué es lo que me atraía. Ahora sé que eran sus composiciones, su uso de los espacios en blanco. Luego empezó a hacer portadas surrealistas a lo Dalí, y dije “¡Tío! ¡Hay algo en esto que simplemente agrada a la vista!” Steranko realmente me llevó al momento en el que dije “¡Maldita sea! ¡Quiero ver si soy suficientemente bueno para hacer esto!” El tipo es prácticamente un artista del Renacimiento. Está claro que hay acción, diseño y energía, pero el sello del trabajo de Steranko es la inteligencia, el gusto, la perspicacia, el refinamiento y la elegancia. Steranko tenía todo eso en grandes cantidades.

Al Williamson
COLOSO DE EC Y DIBUJANTE DE STAR WARS
Siempre nos hemos llevado de maravilla. Es un gran tipo con mucho sentido del humor. Le quiero mucho. Lo que es bueno de su material es que es puro Jim Steranko. Siempre me ha gustado su trabajo, era diferente… muy satisfactorio y con buenas composiciones, interesante de mirar. Puedes ver un poco de este compañero o ese compañero, gente a la que él admira, pero cuando lo junta es todo Steranko. Hace que quieras estudiar las imágenes. El tipo estaba realmente por delante de su tiempo.

Mirando Chandler me recordó a una de esas grandes películas de los años 30 y 40. Consigue crear el ambiente y situar la escena. Es un narrador cojonudo y te arrastra dentro. Está hecho para las películas. Podría dirigir una película. ¡Absolutamente!

Sin City me recordó: “¡Hey! ¡Jim hizo esto hace 20 años!” Me encanta el trabajo de Miller, pero me chocó inmediatamente que se pareciese a Steranko. Todo lo que puedo decir sobre Steranko es que tiene que volver.

EXTRA: un recorte de uno de los últimos números del Playboy americano en el que Steranko comenta cuál es su playmate favorita.

Miss Diciembre de 1976, Karen Hafter tenía una oscura y provocadora imagen que representaba a las Conejitas en el Club Playboy de Nueva York: un fresco y conveniente abastecimiento para el ojo, la mente y el paladar. Reté a mis colegas en un juego de adivinar el nombre de nuestra Conejita basándose únicamente en su apariencia. ¡Aquellos que más se acercaran cenarían gratis a costa del perdedor! Estoy orgulloso de decir que gané más de lo que perdí.

(Las imágenes y declaraciones de este post provienen en gran medida de Tony Robertson, webmaster de la página The Drawings of Steranko.)

The Dark Knight Rises, segundo trailer.

2011-12-19T20:55:00.001+01:00

Nolan nos presenta su visión de Bane y Catwoman ¿Cuál es vuestra impresión? Bane tiene pinta de que va a ser un gran villano pero Anne Hathaway como Catwoman me parece sosísima. Por otra parte el trailer peca de no ser impactante, por lo menos no tanto como lo fue el de TDK, la voladura del Hospital impresiona más que destrozar el suelo de un campo de rugby. También puede ser que Bane sea un villano que no quiera protagonismo, no como el Joker y por eso que los trailers sean tan distintos.

Bane vs Batman. ¿Quién ganará la batalla?

La tumba de Drácula: Gene Colan tiene que imitar a Marlon Brando para poder dibujar a Drácula

2011-12-19T08:30:00.003+01:00

Nada más enterarse del proyecto de las nuevas series de terror, Gene Colan corrió inmediatamente a pedirle a Stan Lee que contase con él para dibujar a Drácula. No sólo se encontraba cansado de trabajar únicamente con superhéroes, sino que era un fan devoto del género de monstruos, especialmente de la clásica película de Frankenstein protagonizada por Boris Karloff. Colan deseaba ese trabajo con todas sus ganas, por lo que Stan Lee le respondió que si lo quería entonces era suyo.

Sin embargo, poco tiempo después Stan asigno la colección al dibujante Bill Everett. Cuando Colan le recordó la conversación que habían mantenido, el editor se disculpó diciendo que no sabía nada de aquello.

Autocaricatura de Gene Colan para Tower of Shadows #6 (Jul. 1970)

Gene Colan se quedó completamente abatido. Su mujer Adrienne para animarlo le contó el rumor sobre cómo Marlon Brando consiguió el papel de Vito Corleone en El Padrino. Parece que Coppola en un principio le había descartado para el papel, por lo que el actor se presentó ante él caracterizado con algodones dentro de las mejillas para modificar su voz y su rostro. Al ver su magnífica interpretación, Coppola y Mario Puzo cambiaron de opinión y le contrataron.

Colan entendió la idea, así que empezó a dibujar una página con aguadas mostrando su visión del personaje, basada en el físico del actor Jack Palance en vez de repetir el de alguno de los que ya lo habían interpretado en el cine. Precisamente unos años después Palance interpretaría a Drácula en una película para la televisión de 1974, así que podríamos decir que Colan hubiese sido un director de casting bastante bueno. En cuanto Stan Lee vio esta página rectificó y le colocó como dibujante regular al momento.

Las aguadas de Colan que le dieron el trabajo

El dibujante se encontraba tan entusiasmado que incluso entintó y coloreó la gama de grises de su primer número cuando todavía estaba planeado como revista en blanco y negro. Stan Lee al principio se opuso porque de ese modo Colan sería menos productivo, pero luego accedió a la ocurrencia. Por desgracia, al ser publicado finalmente a color todos estos grises se perdieron y el resultado quedó muy deslucido.

No sólo el primer número tiene un apartado gráfico pobre, sino que el argumento de Lee, Thomas y Conway alcanzó el mismo nivel: un joven rico que ha desperdiciado su fortuna, Frank Drake, es animado por Clifton Graves, un amigo, a viajar al castillo de sus antepasados en Transilvania para intentar hacer fortuna con él. El antepasado de Frank es, efectivamente, ni más ni menos que Drácula. Van al castillo ellos dos junto a Jean, ex de Clifton y actual novia de Frank, y al llegar Clifton decide que es buena idea quitar la estaca del corazón del esqueleto de Drácula, con lo que da comienzo a su nuevo reinado de terror.

Portada de Neal Adams (lápiz y entintado) para el primer número

El primer número de la colección en líneas generales no convenció. Las motivaciones de los personajes estaban en el aire y se cometían bastantes errores a la hora de tratar las leyendas sobre el vampirismo (son necesarios tres noches para que una víctima de vampiro se convierta en vampiro, la plata no les repele…) e incluso a la hora de adaptar el libro de Bram Stoker. El argumento es arquetípico y previsible, e incluso termina con el pueblecito supersticioso reunido en una turba para asaltar el castillo. La recepción fue muy tibia: los lectores respondieron de manera bastante crítica, y las ventas fueron sólo las suficientes para continuar unas entregas más.

La verdad es que resulta lógico que los primeros números de esta colección, y especialmente este primer número, sean tan ramplones. Cualquier cómic de terror hasta esa fecha, tanto de Marvel, DC o Warren, seguía es esquema marcado por las colecciones de EC 20 años antes, es decir, un conjunto de historias cortas independientes en cada entrega. Al contrario, Tomb of Dracula iba a consistir en serializar las andanzas del Príncipe de los Vampiros a lo largo de varios cómics de 20 páginas. Ninguno de los guionistas seguramente sabía qué se podía contar en una colección de estas características, no existía ningún modelo anterior al que imitar. Se trataba de crear un tipo de comic-book desde cero.

Y para ello sería necesario un guionista creativo que todavía tardaría en llegar.

Primera escena de acción de Drácula

Continúa en: Drácula toma el Sol a la luz de la Luna

Migas #4, gratis y on-line

2011-12-18T11:48:00.000+01:00

Nos avisan que después del tremendo éxito del último número del fanzine Migas (se agotó la primera tirada) han decidido subirlo a internet. Podéis leerlo a continuación:

Y recordad que os podéis hacer fans en facebook. Más información aquí.

Novedades de Dibbuks para Enero.

2011-12-18T10:00:00.000+01:00

Mini Pecados Veniales 1 - Las tías al despertarse.

Obra deArthur de Pins & Maïa Mazaurette. 13 x 18 cm. 64 páginas a color - Rústica- 8.- euros.

Mini Pecados Veniales 2 - Los tíos de las páginas decontactos.

Obra de Arthur de Pins & Maïa Mazaurette. 13 x 18 cm. 64 páginasa color - Rústica - 8.- euros.

Nota de prensa: Crónicas PSN Vol. 5.

2011-12-17T10:00:00.000+01:00

LAS CRÓNICAS PSN vol. 5: TIAGO DESENCADENADO, a la venta en DICIEMBRE

El quinto volumen recopilatorio de LAS CRÓNICAS PSN, la incansable tira cómica diaria publicada de lunes a viernes en CRONICASPSN.COM, se pondrá a la venta en DICIEMBRE en su tienda virtual.

Las Crónicas PSN se publican online diariamente desde abril de 2008. Escritas y dibujadas por Andrés Palomino (alias blip), relatan las aventuras cotidianas del grupo de amigos real del autor, unos treintañeros aficionados a los juegos de rol, los cómics, los videojuegos, el cine y la subcultura.

Las CPSN llevan casi 900 tiras publicadas online, y los cuatro volúmenes recopilatorios anteriores se han vendido con éxito a través de internet y en eventos comiqueros como el Saló del Còmic de Barcelona, el Salón del Manga o Expocómic.
Además de contar con una legión de seguidores gólem (más de 2.000 suscriptores y más de 1.400 fans en Facebook y Twitter), las Crónicas PSN se han publicado en la edición digital del diario 20MINUTOS.ES y han sido nominadas como Mejor Cómic Online en los Premios Expocómic 2010 y 2011.

- LAS CRÓNICAS PSN vol. 5: TIAGO DESENCADENADO, de Andrés Palomino (BLIP). Rústica, Blanco y Negro, 94 Páginas. 17,8 x 22,9 cm. ISBN: 978-84-615-3692-4. PVP: 9,90 €

CONTENIDOS:

• 150 tiras publicadas online durante el 2010 y 2011
• Tiras inéditas propuestas por los propios lectores
• Prólogo escrito por el auténtico Tiago
• Ilustraciones participantes del concurso “Evil Plan PSN”
• Colaboraciones inéditas de Cels Piñol (Fanhunter), Rubén Fdez. (El Jueves, Federik Freak), Joan 13 (El Sistema d13) y Bart Torres (El Joven Lovecraft)

Texto contraportada:

“¡Tiago anda suelto! ¡Tiembla, Shia Labeouf! En el quinto volumen recopilatorio de las Crónicas PSN encontrarás más de 150 tiras del webcómic diario friki: la presentación de Tiago, el Aifon 4 y el Aipad, el método de entrevistas patentado de Abelman, el carnet de camionero de Tonino… Ilustraciones inéditas, colaboraciones de los lectores… ¡y un prólogo del AUTÉNTICO TIAGO!”

Sobre el autor:

Andrés Palomino, alias BLIP (Barcelona, 1978) es guionista de TV y compagina su trabajo en programas infantiles con su filantrópica labor de dibujante de cómics en internet. Se licenció en Comunicación Audiovisual en Barcelona y estudió Dirección Cinematográfica en Buenos Aires. Ha escrito y dirigido cortometrajes, documentales y videoclips, y es dibujante e ilustrador autodidacta. Actualmente también ejerce de humorista en los escenarios, trasladando su humor friki y treintañero a sus monólogos.

Más información y contacto:

cronicaspsn.com
twitter.com/CronicasPSN
facebook.com/CronicasPSN
cronicaspsn@gmail.com

Sale a la venta Mahabharata (por GOL)

2011-12-14T08:20:00.039+01:00

-El Mahabhárata Vol.1 (de 3). Los Pándavas

Gol

Olañeta Editor

Cartoné, 74 páginas, 21 x 30 cm, color

PVP: 19 €

Ha salido a la venta en todas las librerías "Los Pándavas", el primer tomo de una trilogía basada en el Mahabhárata (obra clave de la épica y el pensamiento hindú) con guión y dibujos de GOL. A continuación, un adelanto de cinco páginas:

El día 27 de diciembre, a las 19:30 horas, en Madrid, se presentará el libro en el Centro Cultural Blanquerna, en la calle Alcalá, 44, al lado del Círculo de Bellas Artes. Asistirán el autor, y el editor y escritor residente en la India Álvaro Enterría.

Más información: Mahabharata en el periódico El País.

Opiniones de grandes artistas sobre Jim Steranko (1)

2011-12-13T08:22:00.000+01:00

Las siguientes citas están extraídas de Comic Book Marketplace #28 (octubre de 1995). Por un error de maquetación algunas declaraciones están cortadas, como las de Marc Chiarello, Bill Sienkiewicz, Joe Kubert y Joe Sinnot. En esos casos sus frases han sido recogidas hasta donde ha sido posible.

Neal Adams
EL CONOCIDO FUNDADOR DE CONTINUITY COMICS
Érase una vez en la industria del comic-book, todo el mundo se fue. Se alejaron durante diez años. Y cuando llegó el momento de volver, ninguno estaba preparado porque la industria los había medio-destrozado. Lo que se pedía para entrar era gente nueva con nuevas ideas, nuevas cosas que decir y nuevas maneras de decirlas. Y afortunadamente llegó gente nueva que fortaleció la industria. Una de estas personas fue Jim Steranko. Trajo un nuevo estilo, nuevos conceptos, nuevas direcciones y algo nuevo que decir. Justo cuando el cómic necesitaba nuevas voces, Jim estuvo allí con una nueva voz. Y entonces, la industria del comic-book creció.

Boceto para un poster de RZG Comics

Max Allan Collins
ESCRIBA DE CÓMICS, NOVELISTA Y DIRECTOR-GUIONISTA DE MOMMY
Jim y yo hemos tenido varios intereses temáticos. Su Historia de los cómics fue la mejor que jamás he leído sobre el tema. Es uno de las pocas personas de los últimos 20 años que realmente ha hecho cómics de detectives privados. Su Chandler es un ejemplo tremendo del estilo de dibujo crudo y dramático que ha desarrollado y perfeccionado. Ahora muchos dibujantes hacen un trabajo sombrío y enigmático, pero está muy emborronado. ¡El dibujo de Jim captura la esencia de la novela negra tan perfectamente que en una imagen de Steranko parece como si el agua gotease hacia fuera! Es perfecto para un cómic noir por su sofisticado uso de las luces y las sombras. Dibujos nítidamente definidos y sombríos. Antes de Chandler, sus cómics había sido extremadamente cinemáticos, sin el malentendido que muchos dibujantes y guionistas tienen de las falsas similitudes entre las películas y los cómics: son medios diferentes. Usar los factores en común y el uso de viñetas más pequeñas para transmitir movimiento y jugar con el tiempo fue algo que él hizo de una manera sofisticada. También tenía un gran gusto para el diseño. Pocos de los que le han seguido han tenido esa sólida fuerza de la narrativa tradicional que les permitiese que la habilidad para los diseños y la narración cinemática fuese tan efectiva. En los años siguientes, muchos artistas copiaron superficialmente el trabajo de Steranko, sin entender su narrativa. Muchos de los dibujantes de los comic-book modernos deberían beneficiarse de un cuidadoso estudio del mismo.

El póster en una etapa intermedia

Clive Barker
NOVELISTA, POETA, ACTOR, PRODUCTOR DE CINE
Jim es uno de los tíos que cambió completamente la dirección que tenían los cómics. Recuerdo Agent of SHIELD, el material realmente asombroso, la saga de Scorpio. ¡Asombroso! ¡Nunca había visto cómics como esos! 1968: ¡un material impresionante! Fue el primer tío que nos dio una aproximación completamente nueva: una escena romántica formada por detalles… todas en viñetas sin bocadillos. Fue el tío que nos dio criaturas genuinamente sexys y estilizadas. Fue el tío que nos dio cómics que generaron el tipo de entusiasmo que sólo sentía cuando iba a ver películas. ¡Un material extraordinario!

Ray Bradbury
FAMOSO NOVELISTA AMERICANO Y POETA
Steranko y yo fuimos juntos de invitados a varias convenciones hace más de dos décadas. Años después, ilustró mi relato La sirena de la niebla [la inspiración del thriller clásico La Bestia de Tiempos Remotos] en una antología… y fue espléndido. Es un número 1.

El póster completamente terminado

Mark Chiarello
COLORISTA INNOVADOR EN DC Y MARVEL
Cuando los grandes artistas de la historia del cómic americano se sentaban a crear, ellos pensaban y dibujaban en blanco y negro. Sabían que en cuanto terminasen, habría otra historia esperando para ser dibujada. El color no era algo de lo que tuviesen tiempo para preocuparse. Esto es cierto para todos ellos, incluso para los grandes entre los grandes. Kirby, Toth, Ditko, Wood y Frazetta. ¡Entonces llegó ese chiflado de Steranko que quería controlar todos los aspectos de sus cómics! Todo tenía que influir en el conjunto de la experiencia de la narrativa, ¡incluso el color! Utilizaba el color por sus fuerzas psicológicas específicas; usaba el blanco como un color en las viñetas clave; usaba colores psicodélicos para reflejar el escenario del arte “real” de la época. Ni todas las caras estaban coloreadas con Y25R25 (el color de la piel caucasiana en los cómics) ni todos los cielos eran azules. (…)

Richard Corben
MAESTRO MEGA-ESTRELLA DE LA AVENTURA FANTÁSTICA
Steranko influyó en mi forma de narrar. Creo que la apertura de apertura muda de SHIELD #1 es particularmente impresionante. Era un dibujante excelente, por supuesto, pero lo que me impresionó más fue su narrativa.

David Copperfield
EL MEJOR ILUSIONISTA DEL MUNDO
Steranko es un personaje enigmático en el mundo de la magia. Un rebelde, una leyenda que creó una serie de ideas sobre escapismo, y que enseñó al mundo de la magia que el arte de las fugas no tiene límites “creativos”.

Roman Coppola
DIRECTOR DE LA SEGUNDA UNIDAD DE DRÁCULA [1992]
Existen los cómics conformistas y los excéntricos, ¡y Jim Steranko está en la vanguardia de los excéntricos! Y eso es lo que ha venido de la vanguardia de los cómics modernos, cierta imaginería realmente salvaje que está haciendo su entrada lentamente en las películas. Jim es uno de los auténticos originadores de ese estilo.

Arte conceptual de Steranko para el Drácula de Coppola

P. Craig Russell
ARTISTA-ESCRITOR
Vi por primera vez el trabajo de Steranko cuando empecé a reconocer y apreciar el estilo de los dibujantes. Todavía puedo ver aquellas páginas de SHIELD en mi mente. Fue un acontecimiento. Estaban Wood y Kirby, Krigstein y Eisner en su trabajo, pero aparentemente, incluso para alguien de 14 años, había algo más ahí. Años después, me di cuenta de que Steranko, como Wood, Raymond, Foster, Davis, Ingels, Wrightson, Frazetta y Crumb, era un artista que podía simultáneamente trabajar dentro y salirse fuera de una tradición, que podía asimilar grandes cantidades de material, estampar su propia personalidad en ella, y producir algo que parecía familiar y nuevo al mismo tiempo. Y era nuevo. ¡Era como si dos más dos de pronto fuesen cinco! La belleza del trabajo de Steranko es su absolutamente único sentido del diseño. Nadie antes o después de él ha sido su igual. La tragedia del trabajo de Steranko es que abandonó la narración gráfica demasiado pronto. Es como si Welles se hubiese ido después de El cuarto mandamiento y no nos hubiese dejado Sed de mal o Kubrick se hubiese ido después de Teléfono rojo y nos dejase sin 2001. Steranko dio la espalda a lo que mejor hacía… demasiado pronto. Miro sus primeros trabajos y quiero estrecharle la mano. Luego, quiero zarandearle a él.

Will Eisner
FAMOSO PIONERO DE LOS CÓMICS, CREADOR DE THE SPIRIT
Tengo contacto con Jim sólo de vez en cuando. Siempre le he visto brillante, amigable y una persona de pocas equivocaciones. Recuerdo un encuentro durante el cual estuvimos casi una semana en una convención de cómics australiana. Estuvimos hablando un rato sobre el trabajo y descubrí que teníamos una visión parecida sobre el medio de los cómics. La única diferencia que recuerdo es que su preocupación sobre el dibujo era mucho más intensa que la mía. Hay dos principales logros de Steranko que permanecen en mi mente. El más importante era su enorme Historia de los cómics. Es un trabajo monumental y, en mi opinión, la principal documentación sobre los primeros años de los comic books. El otro es su serie detectivesca muy experimental [se refiere a Chandler (N. del T.)] en la que intentó tender un puente o casar las técnicas del cine con el medio impreso. Su técnica de reemplazar la línea con sombras con mucho contraste fue muy innovadora.

Dibujos para fans

Steve Fastner, Rich Larson
FAMOSO EQUIPO DE ILUSTRACIONES FANTÁSTICAS
Los dibujantes de cómics del pasado y el presente han aspirado a conseguir el logro de crear “películas en papel”. Para mí, el mejor trabajo de Steranko ha logrado esa aspiración. Los actuales directores de cine deberían también intentar lograr hacer un cómic de Steranko “en película”.

Su dibujo en páginas de cómic, viñetas y portadas está diseñado para contar una historia, pero muchas de esas imágenes también tienen el impacto de pósters y pinturas. Le coloco con Dalí, Bob Peak, Vargas, Dore, Wood y otros grandes que invirtieron todo su esfuerzo en su trabajo. -SF

Digámoslo de este modo: si los cómics han tenido alguna vez un hombre del Renacimiento (alguien que pudiese hacerlo todo, y no solamente bien) él sería Steranko. No estoy hablando sólo de los habituales dibujo, escritura, rotulación y color del cómic… algo que él hizo de manera innovadora e influyente. Estoy hablando de diseño: tipografía, diseño de página, la integración de palabras e imágenes, el uso del color y los efectos especiales. Dale un vistazo a cualquier número de Comixscene o Prevue y verás una constante sucesión de las más alucinantes presentaciones posibles. También hablo de pintura: portadas de libros que abarrotaban influencias de pulps, cómics y posters de películas en el arte de tapa blanda más salvajemente improbable y totalmente verosímil en décadas. Ha habido una explosión de pinturas para portadas espectaculares desde entonces, pero Steranko prendió la espoleta.

Finalmente, están los intangibles, el primero de ellos es la erudición. Steranko no sólo le ha dado vueltas a su propio trabajo, sino a su profesión, su historia e influencias. Los fans que no estuvieron en 1968 no pueden imaginarse la revelación que fue The Steranko History of Comics. Al mismo tiempo una exhaustiva cronología, una excitante explicación del “detrás de las cámaras”, un análisis agudo, un tesoro oculto de dibujos publicados e inéditos que permanece todavía hoy (25 años después) como el mejor su categoría.

El segundo intangible es el fanatismo. El trabajo en los cómics de Steranko no es voluminoso, pero es consistentemente de órdago, de gran calibre, y hasta el límite de sus considerables capacidades. No hay términos medios.

Comprueba un par de sus trabajos menos conocidos. Una ilustración habría sido suficiente, pero su cómic de contribución al 50º aniversario de Superman es, sin embargo, un audaz, mítico y completamente desarrollado trabajo de ficción especulativa; te da un tema y la ocasión de algo raramente visto en los cómics de entonces o ahora: grandeza. Y mira también en Illustrated Harlan Ellison su “Repent Halequin, said the Ticktockman”, una alucinación poderosamente diseñada con el innovador 3D, algo que te garantizo que no has visto nunca antes. La última vez que hablé con Steranko estaba trabajando haciendo horas extra, como siempre, intentando conseguir el color correcto en unas portadas de pulps de una chica de la jungla para Prevue. Si lees ese número o el otro en el que describe la visualización del Drácula de Coppola o el último número, de hecho, verás todo ese entusiasmo, audacia y talento que deslumbró a los fans de los cómics hace 30 años. Y si los cómics tienen otro Renacimiento, es una oportunidad perfecta para que Steranko esté allí. -RF

(Las imágenes y declaraciones de este post provienen en gran medida de Tony Robertson, webmaster de la página The Drawings of Steranko.)

La tumba de Drácula: El adolescente que creó los primeros cómics de terror de Marvel

2011-12-12T08:30:00.002+01:00

A finales de los 60, la editorial Warren consiguió colocar en el mercado cómics de terror huyendo de la censura del Comics Code publicándolos como “magazines”, revistas de gran tamaño y en blanco y negro: Creepie, Eerie, Vampirella... La presión del resto de editores de cómics, que querían competir en igualdad de condiciones, debió de ser el motivo definitivo para modificar en enero de 1971 ciertas prohibiciones relativas al género de terror, permitiendo de nuevo la inclusión de monstruos clásicos dentro del mercado de los comic-books.

Vampirella #1 (Sep. 1969)

Eerie #13 (Feb. 1968). Frente a esto, Marvel y DC eran sosos e infantiles

Se suele comentar que también influyó la censura del Amazing Spider-man #96 (May. 1971), pero lo cierto es que antes de la publicación de este cómic varios autores ya habían tocado el tema de las drogas con otros superhéroes. Por ejemplo, el Strange Adventures Vol 1 #205 (Oct. 1967) protagonizado por Deadman, o el relato de la Legión de los Superhéroes del Action Comics #378 (Jul. 1969), en los que se mostraron los efectos de estas sustancias y se luchaba contra distribuidores de estupefacientes.

House of Secrets #92 (Jul. 1971) El terror está de moda en todas las
editoriales. Len Wein y Bernie Wrightson crean a la Cosa del Pantano.

En cualquier caso, como se ha dicho, la liberalización del Code permitió la publicación de cómics de terror protagonizados por personajes clásicos de la literatura, que además se encontraban libres de derechos de autor. Tan pronto como pudieron, en octubre de 1971, el dúo creador de los Cuatro Fantásticos presentó, cada uno en su editorial, a dos chupasangres que se definían en las portadas como “vampiros” con grandes letras de colores. La presencia de este tipo de personajes en los comic-books podría considerarse un avance, pero realmente era ridículo que siguiese estando prohibida la visión de sangre dentro de las páginas.

Jimmy Olsen #142

Amazing Spider-man #101

En el caso de Morbius, el personaje creado por Roy Thomas y Gil Kane, se comenta que los lectores se mostraron tan entusiasmados por él que Stan Lee se animó a crear tres nuevas colecciones de terror, el Hombre Lobo, Drácula y Frankenstein. Estuvo planeado primero como un conjunto de magazines en blanco y negro, pero acabaron convirtiéndose en comic-books normales de 20 centavos. Del mismo modo, Drácula tendría que haber sido la punta de lanza, pero el primer cómic de Werewolf (Marvel Spotlight #2, Feb. 1972) se publicaría unos meses antes.

Habría que hablar sobre los créditos artísticos de algunas de estas colecciones, para entender cómo entendían en Marvel la palabra “guionista”: Roy Thomas se encargó de redactar los argumentos de los primeros números de cada colección a partir de unas breves indicaciones de Stan Lee, con los cuáles los dibujantes se encargaron de sus páginas. Más tarde, un Gerry Conway de apenas 19 añitos rellenaba los bocadillos de estas páginas, consiguiendo sólo con eso ser acreditado como el único “guionista” de las tres colecciones, Tomb of Dracula #1, Savage Tales #1 (el Hombre Cosa) y Marvel Spotlight #2 (Werewolf).

Savage Tales #1 (May. 1971), con el origen del Hombre-Cosa

Marvel Spotlight #2, (Feb. 1972)

The Monster of Frankenstein #1 (Ene. 1973)

A finales de ese mismo año, por cierto, se repitió el mismo modelo para crear cómics: una triada de colecciones temáticas basadas en ideas de Thomas y Stan Lee, pero desarrolladas por otros artistas. Esto tenía el evidente inconveniente de que los guionistas y dibujantes de cada colección no se sentían implicados con los nuevos personajes que no habían inventado, pero sin embargo evitaba que éstos reclamasen su autoría. Esta segunda triada dirigida a un público femenino (The Cat!, Shanna the She-Devil y Night Nurse) se convirtió en un estrepitoso fracaso, ninguna de las tres colecciones consiguió llegar a los 6 números.

Y viendo los pobres comienzos de las colecciones de terror, su destino podría haber sido fácilmente el mismo.

Night Nurse #1 (Nov. 1972)

Shanna the She-Devil #1 (Dic. 1972)

Continúa en: Gene Colan imita a Marlon Brando para poder dibujar a Drácula

La tumba de Dracula: Primer acercamiento y alabanzas desmedidas

2011-12-05T08:30:00.001+01:00

“Gracias a Stan Lee por una colección verdaderamente satánica”.

Así definía estos cómics del Drácula de Marvel el sacerdote satanista L. Dale Seago en el Tomb of Dracula #25, después de explicar en una extensa carta cómo la evolución del personaje principal seguía paso a paso el camino espiritual de su peculiar doctrina.

La colección a la que se refería de hecho es posiblemente una de las más extrañas y al mismo tiempo mejores colecciones publicadas por Marvel en su historia. Fue consecuencia de una breve moda del género de terror que había empezado 4 años antes (lo que jugó en su contra, ya que los gustos de los lectores empezaron a cambiar nada más publicarse los primeros números) y la única de su grupo que sobrevivió a esta moda. Fue un capricho de los editores Stan Lee y Roy Thomas que querían publicar una colección con este personaje sin tener ni idea sobre lo que podría ocurrir a largo plazo. Y fue especialmente un reto para sus autores.

En la Tumba de Drácula podemos encontrar la osadía juvenil de un guionista primerizo que no tenía nada que perder pero sí mucho que demostrar. A cada número, Marv Wolfman se atrevió a explorar diferentes formas de narrar y diferentes géneros (hay aventura y terror, evidentemente, pero también veremos ciencia ficción, humor, romanticismo, novela negra… e incluso podríamos considerar a Drácula como un “superhéroe” en contados números). Se trata de un conjunto de registros muy heterogéneo para una colección que, sin embargo, hay que leer como una novela-río, una trama que avanza imparable hasta desembocar en un poderoso desenlace. Una completa rareza dentro de la producción de Marvel Comics.

A la desvergüenza de Wolfman se le unió la experiencia y la elegancia de la pareja formada por Gene Colan y Tom Palmer. Decía Wolfman que era incapaz de imaginar esta colección dibujada por otras personas, y lo cierto es que hicieron un trabajo irrepetible. Gene Colan no era un dibujante perfecto (en lo gráfico o lo narrativo), pero resultaba realmente hábil a la hora de realizar ilustraciones tenebrosas, un experto en el dominio de las sombras, la sensualidad y el erotismo, la ambientación y la acción. Su diseño de los rostros de los personajes se alejaba de los arquetípicos bustos académicos del resto de dibujantes, y además se preocupaba por jugar con la composición de la página, huyendo de las clásicas viñetas rectangulares. Palmer por su parte supo potenciar el dibujo de Colan, añadirle detalle y matices, sin traicionar su complicado dibujo a lápiz.

El esfuerzo conjunto de estos tres autores consiguió que esta colección llegara a superar incluso la estabilidad artística de los Cuatro Fantásticos, al unir a su equipo completo (guionista/dibujante/entintador) durante 10 números más que Lee, Kirby y Sinnot con la Primera Familia. La comparación no es gratuita, ya que los lectores equiparaban la calidad del trabajo de Wolfman y Colan con el realizado por Lee y Kirby con los 4F, o el de Roy Thomas y sus dibujantes con Conan. Yo no sabría decir hasta qué punto ha envejecido esta colección, pero diría que muy pocas colecciones de Marvel desde entonces han sido capaces de hacerle sombra.

Continúa en: El adolescente que creó los primeros cómics de terror de Marvel

Sesiones de firmas en Expocómic. Día 3.

2011-12-03T00:10:00.003+01:00

En el Escenario

Hora: 12:30-14:00

Tony de Zuñiga

Leandro Fernandez

Iñaki Miranda

Jesús Merino

Carlos Rodiguez

CAFU

Enrique Vegas

David Lopez

Xian Nu Studio

Vicente Alcazar

Hora: 18:00-19:30

Emile Bravo

Carlos Pacheco

Rick Leonardi

Jon Bogdanove

Montse Martin

Teresa Valero

Esteban Maroto

Carlos Gimenez

Adolfo Usero

Juan Gimenez

En Talleres

Hora: 18:00-19:30

Agustín Padilla

Enrique Vegas

David Lopez

Rodolfo Migliari

Rafa Sandoval

En Leyends Glénat

Hora: 11.30-12:30

Montse Martín

Hora: 12:00-13:30

Juan Giménez

Esteban Maroto

Hora: 16:30-18:00

Xian Nu Studio

Nacho Casanova

Hora: 18:00-19:30

Bernet

Purita Campos

En Norma Editorial

Albert Carreres y Alejandro Torres (Andando), 11.00 y 16.00 h

Juan Díaz Canales (Blacksad), 11.30 h.

Carlos Hernández (Lorca), 12.30 y 16.00 h.

Jordi Lafebre (Lydie), 12.30 y 16.00 h.

Luis Royo y Romulo Royo (Malefic Time), 12.30 y 18.30 h.

Nekro (13 inches), 12.30 h.

Bartolomé Seguí (Hágase el caos), 11.00 h.

Teresa Valero (Brujeando), 11.30 h.

En Dibbuks

Hora: 11:00

Sarima

Nacho Arranz

Sergio Bleda

Hora: 12:30

Pau

Florent Maudoux

Jerome Jouvray

Hora: 17:00

Pau

Mike Bonales

Florent Maudoux

Hora: 18:00

Forges

Alfonso Azpiri

Jerome Jouvray

En Astiberri

Hora: 12:30-14:00

Bartolomé Segui y Gabi Beltrán

Hora:18:00-19:30

Juan Diaz Canales y Santiago Valenzuela

Hora:19:30-20:30

David Sanchez

En Juego de Tronados/Stand Lee

Hora: 11:00-14:00

Los autores de Juego de Tronados

Hora: 16:00

Morán

Hora: 17:00

JSM

Hora: 18:00-20:00

Javier Miranda y Victor Gómez

Sesiones de firmas en Expocómic. Día 2.

2011-12-02T08:30:00.002+01:00

En el escenario

Hora: 13:00-14:30

Rodolfo Migliari

Juan Gimenez

Jose Fonollosa

Leandro Fernandez

Tony de Zuñiga

Iñaki Miranda

Esteban Maroto

Gustavo Sala

Cels Piñol

Luis y Romulo Royo

Hora: 20:00-21:00

Agustín Padilla

Angel Unzueta

David Lopez

Jordi Bernet

Autores Webcomic (Cels Piñol, Fadri, Andres Palomino, Aza, Morán, Ender Wiggins y

Laurielle)

En Talleres.

Hora: 19:00-20:30

Carlos Pacheco

Rick Leonardi

Emile Bravo

Jesus Merino

Rafa Sandoval

Felix Ruiz

Adolfo Usero

Jon Bogdanove

En Juego de Tronados/Stand Lee

Hora: 11:00-14:00

Ruleta Rusa

Hora: 17:00-18:30

Iván Sarnago

Nahub "Katakraos" Rivas

Hora: 18:30-20:00

Rocío Vidal

Rubén Menhdel (Studio Wargh!)

En Dibbuks

Hora: 11:00

Pedro Pérez

Hora: 12:30

Carlos Diez

Sarima

Hora: 17:00

Florent Maudoux

Pau

Juan Berrio

José Luis Agreda

Hora: 18:30

Sarima

Pedro Pérez.

En Legends Glénat

Hora: 12:00-13:30

Xian Nu Studio

Hora: 16:30-18:00

Studio Kôsen

Kenny Ruiz

Hora: 18:00-19:30

Jordi Costa

Dario Adanti

Nacho Casanova

En Época Distribuciones.

Hora: 18:00-19:00

Nacho Castro

Isaac Casanova

Hora: 19:00-20:00

José Fonollosa

En Norma Editorial

Hora: 18:30

Luis y Romulo Royo

En Astiberri

Hora: 18:00-19:30

Lola Lorente

Alberto Vázquez

Hora: 19:30-20:30

David Rubín

Rantifuso 10, corred a por él.

2011-12-02T00:15:00.006+01:00

10 números, 5 años en el mundo de la autoedición. Se dice pronto, pero llegar a la decena de números cuesta. En Rantifuso están de celebración y nos regalan un número 10 que rezuma talento. ¡Qué orgasmo! ¡88 páginas a todo color! ¡Y por la ínfima cantidad de 5 euros!

Frescos como el primer día, fieles a lo que han sido y serán, amantes de los tebeos y de las buenas historias. Mientras en Rantifuso quede alguien que demuestre amor por lo que hace, este fanzine merecerá la pena.

¡Qué portada más mona!

El nuevo número sigue la estela de los anteriores pero mejorando la edición y puliendo los defectos. Los temas de las historias están bien hilados entre sí, hay un cambio gradual entre ellas, no como en otros fanzines que se pasa de un cómic de humor a uno de drama de repente. Y eso descoloca muchísimo.

Leer historias como las aquí recopiladas me hacen creer en una brillante cantera de dibujantes españoles, autores que puedan dibujar aquí, en territorio nacional para una revista como El Jueves o que consigan ser parte de una nueva época de oro en el cómic de nuestro país. La cantera Bruguera 2.0 está en los fanzines, amigos míos.

Me dispongo a comentar las historias que más me han gustado, sin desmerecer a las demás, por orden de aparición:

Hic sunt dracones (Daniel García): Una única página que es una delicia para los ojos. Me recuerda lo mucho que me gusta la mitología de dentro de Historia.

In the grass (Barbudo): Un cómic sin un sólo bocadillo, utilizando el uso de los dibujos para contar la historia, no necesita más. ¿Para cuándo una novela gráfica o cómic monográfico de este señor?

El valle sin tiempo (Edu Ocaña): Si tuviera una revista de cómics juveniles, indirecta a las editoriales para que lo hagan, contrataría a este pedazo de artista. Pega de la historia en el fanzine, lo deja todo en el aire pese a que pone FIN.

Puki (Clara Soriano): Crítica al abandono de las mascotas televisivas infantiles, forman parte del espectro cultural de los niños de una generación. ¡No al olvido! (Otra artista que pondría en una revista juvenil)

Un rayito de luz (Miguel): Una entrevista a un hombre poderoso (banquero, político...) donde explica que el bipartidismo lo apoyaron ellos, que tanto un partido como el otro les convenía. Acidez y realidad pura y dura.

Happiness slavery (varios): Es la historia que más me ha llegado, ¿la felicidad consiste en dejar todo lo que te gusta, adaptarte a lo que diga la mayoría? Si eso es la felicidad, yo no la quiero.

Trollstory (Samu): Un simple blu dentro de muchos blas y serás considerado alguien incómodo y por tanto, serás un troll para ellos. Magnífico.

Plaisir (Julie Maroh): Humor y sexo. ¿Qué más quiero?

Advertencia, no son Adobo aunque pretendan serlo con sus vídeos o sus fotomontajes. No son tan animales pero se les quiere igual.

Aquí os dejo un avance con una página de cada historia que viene en el histórico número 10 de ese legendario fanzine, para que veáis que no vendo humo:

Migas #4

2011-12-01T15:36:00.001+01:00

La nota de prensa que nos envían los entusiastas chavales de Migas:

Muy buenas a todos.

Querríamos presentarles, no en primicia, si no, oficialmente (Esa suerte la tuvo el pasado encuentro del cómic y la ilustración de Sevilla) el sexto número del fanzine MIGAS, que en un año y por pura cabezonería ha logrado, susodicha hazaña.

Hace aproximadamente un año, un puñado de chavales de dentro y fuera de la facultad de bellas artes de Madrid, algo resentidos por el nulo panorama viñetístico en la misma, decidieron crear de la nada una publicación de historietas sin experiencia previa en eso del mundo fanzineril. Con mucha ilusión, unas mínimas y precarias por el momento dotes de maquetación y una sufrida reprografía, parieron una publicación muy novata y de pequeña tirada (100 ejemplares por número) que no tardo demasiado en colarse en algún que otro sarao comiquero entre las principales citas anuales del medio.

La ausencia de línea editorial clara hasta el momento, originó un pequeño batiburrillo de variopintas historietas, que unos amaban y de la que otros, simplemente, pasaban. Pero la insistencia de estos pobres diablos en intentar molar cada día más y a raíz de dejarse caer en un sitio u otro, logro que el fanzine, metiese su tímido, tambaleante y verde pie, en el mundillo sin hacer.

Así que con lo expuesto, os invitamos a todos a echar un ojo al último número en el siguiente Expocómic 2011 de Madrid, donde podréis encontrar lo siguiente:

Una portada magnifiquérrima a cargo de Pablo Romano y Álvaro Samaniego, (responsable este también, de la contracubierta) setenta y ocho páginas de historietas y dibujicos varios en riguroso tóner a escala de grises de la pluma de diecinueve autores que provocan todo tipo de emociones encontradas e incluso (¡E incluso, oiga!) una entrevista a un dibujante de allende los mares. "Nathan Bulmer" autor Neoyorkino del genial webcómic diario "eatmorebikes"

A la venta todo el, por 2,50 € ( Una cifra que no es dinero ni es ná. ) y próximamente en los puntos de distribución de siempre del territorio español.

Y recuerden.

HAY QUE LEER MÁS.

Sesiones de firmas en Expocómic. Día 1.

2011-12-01T11:50:00.001+01:00

Horario: 19:00h-20:30h.

Lugar: Escenario:

Autores

Tony de Zuñiga

Jon Bogdanove

Carlos Pacheco

Rick Leonardi

CAFU

BIT

David Lopez

Kaoru Okino

Emile Bravo

Luis y Romulo Royo

Premios Expocómic 2011

2011-12-01T01:40:00.006+01:00

Mejor Obra Nacional

El Invierno del Dibujante (Paco Roca; Astiberri)

Mejor Guionista Nacional

El Invierno del Dibujante (Paco Roca; Astiberri)

Mejor Dibujante Nacional

Carlos Pacheco (Ultimate Thor; Panini Comics)

Mejor Obra Internacional

Nemesis (Mark Millar/Steve McNiven; Panini Comics)

Mejor Autor/es Revelación

Montse Martin (Curiosity Shop; Ediciones Glenat)

Mejor Fanzine

Weezine 4

Mejor Webcomic o Comic On Line

El Vosque

¡ENHORABUENA A TODOS LOS GALARDONADOS!

El aspecto de El Lagarto en TAS, ¿más que un rumor?

2011-11-30T16:15:00.003+01:00

Desde Spiderman.ru nos llega esta imagen de como sería (o será) el famoso villano de Spiderman, El Lagarto.

Este diseño cobra más fuerza y veracidad tras el anuncio de los nuevos dispensadores pez que saldrán con motivo del estreno de la película.

Desde el comienzo, los avances de esta película en imágenes han traído muchos disgustos, desde el HORRIBLE traje de Spiderman con manoletinas hasta este posible diseño de El Lagarto, que parece un Voldemort verde.

Si al final resulta que esta es la forma en la que aparecerá El Lagarto en la película ¿es un buen diseño? ¿No tendría que tener más pinta de cocodrilo como en la serie de animación (1994-1998) y cómics posteriores a los de Steve Ditko? ¿O esta imagen demuestra el compromiso de la producción y dirección de la película para homenajear a los cómics de Lee y Ditko?

Preguntas que se hace uno.

Novedades de Andergraün y Juego de Tronados

2011-11-29T20:37:00.000+01:00

Nos informan desde las altas esferas del fanzine Andergraün que después de haberse agotado la edición del tercer número han decidido subirlo a internet:

Además nos envían los horarios en los que podréis encontrar a sus dibujantes para que os firmen el ejemplar de Andergraün o Juego de Tronados que les llevéis a Expocómic este fin de semana.

Para cualquier duda que os quede, visitad su blog.

Forges + Azpiri + Drácula. Nota de prensa.

2011-11-28T22:15:00.001+01:00

Las dos leyendas vivas de la viñeta presentarán su proyecto el sábado 3 en el Salón.

Madrid, 28 de noviembre de 2011. Este mismo jueves arranca la 14ª edición del Salón Internacional del Tebeo de Madrid – Expocómic 2011, y queríamos guardar para el final una gran sorpresa que celebra lo que se anticipa como un hito de la viñeta nacional. El sábado, 3 de diciembre, Antonio Fraguas ─“Forges” para el común de los mortales─ y Alfonso Azpiri presentarán personalmente “Drácula”, primer título de la nueva colección de Ediciones B que une el genio y el talento de dos leyendas vivas de la historieta patria y universal. Forges se encarga de dibujar al protagonista del título y rotular los textos con su estilo inconfundible, y Azpiri nutre de color fondos y escenas en una historia tierna, cómica, emocionante, divertidísima y de adquisición obligada para todo incondicional del noveno arte.

VI Jornadas comiqueras Fnac/SD Madrid 2011

2011-11-28T12:15:00.000+01:00

Como ya es tradición, la Fnac junto a SD organizan las VI Jornadas Comiqueras que coinciden en fechas con el Expocómic de Madrid. En las imágenes de abajo os adjunto las conferencias que se darán en la fnac y los autores que firmarán durante el 1 y 2 de diciembre.

Recomiendo ir a las dos conferencias, dado que la Fnac es un lugar más tranquilo que Expocómic en cuanto a ruido y se podrán disfrutar mejor.

Juego de Tronados, a la venta el 1 de diciembre

2011-11-26T20:32:00.000+01:00

El próximo 1 de diciembre se pone a la venta “Juego de Tronados” la parodia más divertida de la saga de fantasía del momento. Guiado por el desternillante humor de Sergio Ballester (XSER), conocido ya por sus cómics Sivil Guar y Arkam.

Juego de Tronados

(Jesús Bartolomé, Diego Núñez (DNM), Pablo Vicente Damas,

Sergio Ballester XSER, Ovidio Miguel Maestro, Juan Álvarez)

Rústica, 56 páginas

21 x 15 cm, B / N

PVP: 4 €

Juego de Tronados nos acerca a un universo de sátira de la literatura de fantasía contemporánea, los cómics, y las series de televisión. En él conoceremos a Neduardo Estark, el huraño señor de Frigolandia, quien es enviado a la capital del reino, Desembargo del Rey, para servir como consejero a su Majestad, el Rey Bananajoe. Por el camino, él y su familia, descubrirán una serie de misterios que les llevarán a vivir las más hilarantes situaciones. Mientras tanto, al otro lado del mar, la joven Daniela Taquicardyen, auténtica heredera al trono, se prepara para recuperar su reino.

Una parodia que hará las delicias de los seguidores de la saga original, y una buena manera de acercarse a un punto de vista diferente y cargado de humor a la fantasía épica.

Open publication - Free publishing - More andergraun

Del día 1 al 4 de diciembre, podrá adquirirse en el stand de Juego de Tronados del Expocómic de Madrid. El sábado 3 de diciembre de 11.00 a 14.00, el equipo completo responsable del cómic firmará también ejemplares, y habrá sorpresas para todos los que se acerquen por el stand.

También se pondrá a la venta por internet próximamente, más información en

http://juegodetronados.blogspot.com

Y no os olvidéis de haceros fans en las redes sociales:

Facebook Tuenti

Reinventando 2.0

2011-11-26T18:18:00.001+01:00

Llevan un tiempo con ello pero nos enteramos ahora: Es la hora de las tortas!!! ha vuelto a la carga con el proyecto Reinventando de hace 4 años. En esta ocasión ya no se tratará de versionar el primer número de los Cuatro Fantásticos, sino de las portadas favoritas de cada dibujante, una al día. Los originales se subastarán y esos beneficios se donarán a la Fundación Pequeño Deseo.

A continuación, una lista con la mayoría de los autores y una de las ilustraciones más impresionantes.

Firmas de Juan Díaz Canales en Generación X.

2011-11-25T11:30:00.002+01:00

Esta tarde a partir de las 19:00h, el guionista Juan Díaz Canales firmará ejemplares de su obra Fraternity, realizada a cuatro manos con José Luis Manuera.

El lugar, como viene siendo habitual, es la tienda Generación X c/Puebla, 15. Si tenéis algún ejemplar de Blacksad o de Los Patricios posiblemente también os lo firme.

Entrevista a Juan Carlos Bonache.

2011-11-23T11:15:00.004+01:00

Tras un prolongado descanso en lo referente a las entrevistas, ETEC vuelve a la carga. La víctima de hoy es Juan Carlos Bonache, el dibujante más friki y gamberro que os podéis echar a la cara. Hace menos de un mes sacó un recopilatorio de sus tiras con Norma Editorial titulado "Una vez dicho esto..." Ya estáis corriendo a vuestra tienda de cómics más cercana si es que todavía no tenéis un ejemplar.

Bonache quiere mimitos, lo dice su cara.

1. ¿Desde pequeño sabías que querías dedicarte a esto de dibujar monigotes?

Siempre me ha gustado dibujar, pero de ahí a saber que quería dedicarme a esto de manera profesional va un gran trecho. Lo que siempre he sabido, y aún me esfuerzo mucho en ello, es que yo quiero ser "Friki" y humildemente creo que lo he conseguido ¡shoryuken!.

2. Dibujar a personajes de cómics o de películas en situaciones extremas es uno de tus gags recurrentes ¿te sientes cómodo liberando tu lado más friki en esas tiras?

Es que yo soy muy friki y dibujar y pensar historias como las de "Furor Ochentero" con crossover imposibles como Corky de "A fuerza de cariño" con Depredador da mucho gustito. Además me da la opción de rescatar películas de mi niñez como "Los Critters 4", "Enemigo mío" o "De pelo en pecho 2".

3. ¿Sientes satisfacción cuando alguien se autoidentifica en esas tiras frikis? ¿Te hace sentir poderoso?

A veces hago una tira con referencias muy frikis y pienso que a lo mejor no todo el mundo la va a pillar, pero por otro lado, pensar que algunos tan raritos como yo se van a reír con estas referencias me hace una ilusión enorme. Poderoso me siento cada mañana cuando me levanto.

4. ¿Cómo alguien tan gamberro como tú consiguió dibujar para la revista Dibus?

Fue el editor de la revista Dibus! los quien se puso en contacto conmigo tras ver mi trabajo en internet. Me gusta pensar que fue cuando vieron mis páginas del "Consultorio sexual del doctor Enema" pero no sé si eso es cierto. Igualmente es una revista que adoro ya que he aprendido muchisímo trabajando en ella todos estos años. Además me encanta trabajar para un público infantil e igualmente dibujo unas barbaridades tremendas dentro de la sección "Zumbaos". En "Una vez dicho eso..." he recopilado algunos de los gags y no desentonan en absoluto con el resto del libro.

5. ¿Basas tus tiras en hechos reales o todas son fruto de tu imaginación?

Depende. Para Mariquita-man decidí que fuera un superhéroe que luchara contra las pequeñas cosas que yo odio, por ejemplo, los músicos de metro, las operadoras de telefonía o contra las dependientas de los supermercados DIA...

6. ¿Primero el dibujo y después el guión o viceversa.

Siempre el guión. Sin un guión materializado no puedes hacer un dibujo ocurrente. Y para que fluyan las ideas no hay nada mejor que la ducha. Eso está estudiado y comprobado.

7. ¿Qué música escuchas mientras creas?

No suelo escuchar música. Soy más adicto a los podcasts. Me gusta que me vayan susurrando al oído mientras dibujo. Suelo escuchar podcasts de temática variada aunque mi predilección serían los de videojuegos como "Game Over" "Arcadia Gamer" o "Asilo Retro" y los voy alternando con " Tu no has tenido infancia", "Especialistas Secundarios", "J-Music NONstop" y muchos más.

8. ¿Star Trek o Star Wars?

Star Wars por supuesto, aclarando que Star Wars (para mí) solo se compone de las tres películas originales, el especial de navidad y las dos películas de los Ewoks.

9. El autor que mayor influencia ha ejercido sobre tu obra ha sido…

Albert Monteys es mí idolo y "Mondo Lirondo" la mejor obra de literatura editada jamás.

10. ¿La idea de sacar al mercado “Una vez dicho esto…” fue tuya o de Norma Editorial?

Los editores de Norma son reconocidos profesionales y saben como tratar a autores de cómic temblorosos e indecisos como yo, así que un día me aconsejarón con suaves palabras "Gilipollas haz un recopilatorio de una puta vez" ante esas palabras no pude más que rendirme y "Una vez dicho esto..." ha sido el resultado.

Para finalizar, di a nuestros lectores un motivo para comprar tu libro.

El libro es un recopilatorio seleccionado por mí tira a tira, poniendo solo aquellas de las que me siento absolutamente orgulloso. Además como todo el material es muy disperso procediendo de diversas revistas y libros es muy dificil que alguien pueda haber leído mucho del material incluido. A todo esto hay que anñadir que lo he realizado con un cariño inmenso y mucho mucho mimo. ¡Y las risas están aseguradas!

#UnetealretoBakemono

2011-11-20T17:15:00.001+01:00

Desde Twitter ha surgido una gran iniciativa para que Xian Nu Studio dibuje el tercer número de Bakemono (Línea Gaijin). Se trata de agotar la tirada de los dos primeros tomos y así animar a Irene y Laura a seguir con el manga.

Uniros al reto Bakemono y disfrutad de su lectura como otros tantos ya han hecho.

Reivindicando el espectáculo y el entretenimiento

2011-11-17T12:54:00.001+01:00

Soy culpable de ser joven. Yo, cuando cojo un libro, cuando veo una película o cuando leo cómics me gusta encontrarme algo entretenido.

Insisto en pedir perdón por mi edad: soy joven. Los libros que saco de la biblioteca o me compro son de terror, de suspense, de ciencia ficción, de mitología, de fantasía… Las películas que veo suelen tener los mismos registros. Las series de televisión que me gustan son aventuras futuristas, invasiones extraterrestres, investigaciones policiales, comedias…

En los cómics me pasa lo mismo. Me gustan los superhéroes, claro, pero disfruto de otros temas. Me gusta la serie negra (Balas perdidas, Camino a la Perdición…), la fantasía (Bone, Conan…), la ciencia ficción (Y: el último hombre, El eternauta…), el humor (miles de ejemplos, destaco sólo a Ricardo Peregrina)…

Pero no especialmente los dramas.

Especialmente no me gusta cuando se camuflan con trascendencia. No me convence que una historia guste más porque es “profunda” en vez de porque está bien ejecutada y sea original. Si me cuentas los mismos argumentos de siempre, con las viñetas más rectangulares y monocordes que se te ocurran… pero lo disfrazas con un “pero habla de un tema MUY IMPORTANTE”, no me gusta. El cartelito de “basado en hechos reales” le dará prestigio y publicidad, pero no lo hace mejor cómic.

A lo mejor me equivoco, pero creo que en este país faltan cómics de entretenimiento. Me faltan historias en las que simplemente el autor diga: “quiero que te lo pases bien, no quiero ser profundo ni postmoderno”. Parece que el simple espectáculo esté mal visto, cuando realmente es algo igual de complicado.

Todavía me sorprende lo sólido que es el guión de la trilogía de Regreso al Futuro, lo bien construido que está. Y todo ese esfuerzo, todo ese trabajo, tienen como único objetivo… entretener. Divertir al público. No es una película que podamos describir como “tonta” o “para pasar una tarde”. Al contrario, es una historia realmente inteligente y arriesgada.

Pero sólo quiere entretener.

Leo a Jason (Yo maté a Adolf Hitler, El carro de hierro…) y me sorprendo de lo bien que teje la acción, el thriller, el suspense. Las persecuciones, las muertes, la venganza, el amor. Osamu Tezuka (Adolf, Ayako, Kiri-Hito…) me parece un guionista apasionante. Scott Pilgrim es una cosa muy entretenida. Me gustan las escaramuzas y peleas del Príncipe Valiente. Todavía quiero saber qué le ocurre a Rick en Los Muertos Vivientes. Lobo solitario y su cachorro me parecen una cosa tremenda. Me gusta Blueberry, me gusta XIII, Tintín, Astérix…

Me parece que realmente todo esto está mal visto entre los autores españoles. Me da la sensación de que piensan que hacer este tipo de historias es “rebajarse”. Leo hablar mucho de “novelas gráficas”, pero muy poco de tebeos o cómics.

Pero puede que todo esto sea sólo una tontería mía.

Presentación de "La alianza de los tres soles".

2011-11-16T22:20:00.000+01:00

El próximo viernes 18 de noviembre tendrá lugar una presentación y sesión de firmas de la obra "La alianza de los tres soles" de Roberto Alhambra.

El evento tendrá lugar en la tienda Generación X de Madrid, dando comienzo a las 19:30 horas.

Sesiones de firmas 11/11/11

2011-11-11T11:30:00.001+01:00

Hoy es día de firmas tanto en Barcelona como en Madrid, sólo podréis ir a una de las dos sesiones porque dudo que seáis Flash para recorrer los 506 kilómetros de distancia que hay entre ambas ciudades.

Sesión de firmas en Barcelona

Aprovechando el último día del mundo, Juan Carlos Bonales firmará en la Fnac Diagonal Mar su nuevo libro "Una vez dicho esto...". No perdáis la oportunidad de que os firme este autor tan gamberro.

Horario: De 19:00 a 22:00

Sesión de firmas en Madrid

En Madrid, Glénat envía a dos de sus autores Gaijin (línea de manga 100% española) para que publiciten, vendan y firme sus creaciones; son Kenny Ruiz y el Studio Kôsen. Las firmas se realizarán en la tienda Generación X de la calle Puebla en Madrid.

Horario: De 19:00 hasta que les echen.

Spiderman y Saturday Night Live: John Belushi es un marvelita

2011-11-07T08:00:00.002+01:00

No sabría decir cuál ha sido la presencia de los humoristas en los cómics de superhéores a lo largo de la historia, más allá de los breves cameos y las referencias. Puedo recordar algunos ejemplos aislados en los que se les ha dado más importancia, como los crossovers de la colección de comic-books de Jerry Lewis con Superman y Batman, o la aparición del humorista de “insult comedy” Don Rickles en los Jimmy Olsen #139 y #141, pero realmente no sé si hay más casos parecidos al Marvel Team-up #74, en el que Spiderman cuenta con la ayuda del reparto completo de Saturday Night Live para derrotar al villano de ese número.

- ¡Fiesta de disfraces, y un cuerno! He descubierto

la identidad secreta de Superman! Es... ¡Jerry Lewis!

- ¿Quien... yo? ¡Vaya m-momento para hacer c-cumplidos!

¡Hola, tíos! ¡No tendréis que esperar mucho para

la lámpara de ratos ultravioletas! ¡Termino en un segundo!

En justicia, y a pesar de la nostalgia traidora, Marvel Team-up era una colección de comic-books mediocre. Se encontraba encerrada dentro de un limbo de irrelevancia en términos de continuidad, en el que ni podía contradecir al resto de colecciones de superhéroes ni podía hacer avanzar al protagonista, Spiderman. Historias sosas narradas de una manera sosa con alguna entrega aislada interesante, pero que de todos modos no destacaba dentro de las colecciones que ofrecía Marvel.

Por su parte, Saturday Night Live (SNL) es un late show grabado en directo creado en 1975 (originalmente con el nombre “NBC's Saturday Night”) por el productor Lorne Michaels. En los primeros años los actores eran conocidos como los “Not Ready for Prime-Time Players” (la Compañía No Apta para las Horas de Máxima Audiencia), entre los que se encontraban Dan Aykroyd, John Belushi, Jane Curtin, Garrett Morris, Bill Murray, Laraine Newman y Gilda Radner.

Los actores reunidos

El programa empezaba con un sketch que culminaba con el saludo "Live from New York, it's Saturday Night!" ("¡En directo, desde Nueva York, es sábado por la noche!"). A continuación se presentaban a los actores, y a una celebridad y una banda o cantante invitados, tras lo cual el famoso interpretaba un monólogo de humor. Comenzaba después una colección de sketches que era interrumpida a la mitad del programa por un momento musical del grupo o cantante. Finalmente todos los actores y los invitados mencionados despedían el programa.

La idea de cruzar los caminos de Spiderman y los actores de SNL vino en 1978 del guionista más conocido de la Marvel de los 70, Chris Claremont. Se lo propuso al editor de la colección Marvel Team-up, Bob Hall, y, tras ser convencido, juntos fueron a pedirle permiso al editor-jefe de Marvel, Jim Shooter, que les dejó vía libre para lo que quisieran hacer.

Hall y Claremont fueron por tanto los encargados de contactar con el productor del show, Lorne Michaelis y lograr un acuerdo para realizar el cómic. Asistieron juntos a algunos ensayos, pero parece que los actores estaban demasiado ocupados como para atenderles. Los que sí hablaron con ellos durante un rato largo fueron los abogados de la cadena, que mostraban más preocupación por que el logo de la NBC apareciese correctamente dibujado que por el porcentaje de protagonismo de cada actor. Ninguno de los artistas de Marvel entendió esta insistencia hasta que se enteraron de que la cadena Nebraska ETV utilizaba exactamente el mismo logo pero con diferentes colores.

En directo, desde Nueva York...

El mismo Bob Hall se encargaría del dibujo, lo que fue una decisión con sus aciertos y sus errores. Por un lado, conocía bien el funcionamiento de un escenario detrás de los decorados ya que se encargaba de trabajar en una obra de teatro que había co-escrito, The Passion of Dracula, y que estaba siendo interpretada en esos días en Broadway. Esto le permitió encargarse fácilmente de la ambientación de este cómic, pero también le quitó mucho tiempo para concentrarse en el dibujo. La documentación era mucho más difícil de conseguir en aquellos días que ahora, y lo único que obtuvo de la NBC fueron las típicas fotos oficiales en blanco y negro de las caras de los actores de SNL. Tampoco entendió la referencia a los Statler y Waldorf que aparecen al principio del cómic, unos teleñecos que representan a dos viejos que se sientan en un palco e interrumpen a los actores, por lo que los dibujó de espaldas y en las sombras para salir del apuro (en la imagen de arriba). Bob Hall ha confesado que, en su papel de editor, debería haberse despedido a sí mismo como dibujante.

Del entintado y el color se encargaría alguien mucho más solvente, Marie Severin, una mujer con mucha mano para el humor, las parodias y las caricaturas.

- ¿Esos disfraces son realmente necesarios?
- Es una excelente pregunta viniendo de un tipo como tú, Spidey

Finalmente, el número se convirtió en un pequeño éxito. Incluso hoy en día es una pequeña rareza, ya que en algunas reediciones de la colección ha habido problemas legales para reeditarlo.

La trama del cómic es realmente sencilla: por un error del cartero, John Belushi recibe un anillo mágico que el Samurai de Plata le quiere arrebatar durante la grabación de un programa al que asisten Peter Parker y Mary Jane. Peter detecta problemas, por lo que se disfraza de Spiderman y junto al equipo de actores consiguen acorralar al villano, que desaparece nada más ponerse el anillo de Belushi... un anillo teletransportador.

En el cómic aparecen el productor Lorne Michaels, John Belushi disfrazado como Samurai Futaba (un personaje recurrente del programa), Laraine Newman disfrazada de Miss Marvel, Garrett Morris con un traje de Thor (un actor negro disfrazado de dios nórdico, el chiste es facilón), Dan Aykroyd como Perro Loco Mulcahy, el loco coronel asesino de Crimea, además de Bill Murray, Jane Curtin y Gilda Radner. Stan Lee y Rick Jones (el cantautor y sidekick de Hulk) fueron el famoso y el músico invitados.

John Belushi como Samurai Futaba

Duelo de samuráis

La verdad es que si el dibujante no era el más indicado para dibujar el número, otro tanto se podría decir del guión de Chris Claremont. El esquema del cómic sigue la estructura del programa, pero Claremont no consigue en ningún momento convencer como humorista. El breve monólogo de Stan Lee, el momento que debería ser divertido sin discusión, no produce apenas una sonrisa, y la trama superheróica tampoco consigue convencer, es del montón y está mal resuelta. Por unas cosas o por otras, este cómic se queda por tanto en una rareza realizada con poco talento.

Los actores y los invitados se despiden

Pero atención, porque poco después de que este número fuese puesto a la venta, John Belushi se presentó en las oficinas de Marvel muy contento por cómo había quedado el cómic. Quería conocer a los dibujantes de Marvel, por lo que Jim Shooter y Chris Claremont le hicieron una visita guiada por la editorial. Belushi les aseguró que era un gran fan de los cómics de Marvel, y lo demostró de sobras cuando, en la pared donde estaban colgadas las portadas actuales de cada colección, fue capaz de describir el argumento de cada cómic. Se podía decir que el actor estaba más emocionado por estar en esas oficinas que Shooter, Claremont y el resto de la plantilla por conocerle a él.

Dan Aykroyd y John Belushi en The Blues Brothers

Después de una charla muy animada, Belushi invitó a los que hubiesen trabajado en el Marvel Team-up #74 a ir a la fiesta del estreno de la película Animal House que él protagonizaba. Allí se fueron Claremont, Hall y Shooter, que pasaron una hora junto a los actores de SNL, e incluso John Belushi compartió un porro con Bob Hall. Shooter acabó tan contento con el encuentro que suscribió de por vida a todas las colecciones de Marvel a John Belushi, un honor que hasta el momento solamente disfrutaba el escritor de ciencia ficción Harlan Ellison. Desgraciadamente, Belushi moriría en Los Ángeles unos pocos años después, en 1982, por culpa de una inyección de heroína y cocaína.

Fuentes
http://www.jimshooter.com/2011/09/animal-house.html
http://www.chronologicalsnobbery.com/2007/09/marvel-team-up-74.html

Las aventuras de Tintín (2011), buen intento pero insuficiente

2011-10-31T10:17:00.000+01:00

A pesar de los ligeros bajones, Steven Spielberg es mucho más que un decente profesional. Sus películas siempre tienen aventura y personajes bien definidos, secuencias de acción en las que se acumula la tensión hasta más allá del límite e inspiradores discursos sacados de algún libro de autoayuda. Gustarán más o menos, pero sin duda Spielberg por lo general convence.

Sin embargo, a mí ahora mismo hablar de la película como película no me interesa, preferiría hablar de ella como adaptación.

Al igual que con otras cintas de este estilo, los guionistas (Steven Moffat y Edgar Whright) han decidido partir de historias concretas de la colección original para desarrollar la trama. Los tebeos elegidos no han sido “los tres primeros” como he leído en alguna web especializada en cine, sino los álbumes El cangrejo de las pinzas de oro, El secreto del unicornio y El tesoro de Rackham el Rojo. Esto encaja perfectamente con lo que pidió Hergé (el creador del personaje, que hace un cameo en los primeros segundos de la película) en su testamento, que las aventuras de su reportero no continuasen después de su muerte, una petición tan respetable como hubiese sido justamente la contraria.

La película empieza realmente bien, mostrando a Tintín como un personaje establecido, con bastantes aventuras a sus espaldas que coinciden con los álbumes de la colección anteriores a El cangrejo de las pinzas de oro. Esto nos ahorra una de los innecesarios tópicos del cine norteamericano, “conocer el origen de Tintín”, ver su crecimiento espiritual de perdedor sin futuro a periodista con éxito. Sin embargo, esto quiere decir que en su lugar, claro, nos van a contar el “origen de Haddock”, dándole una vez más el manido esquema de “perdedor que madura y supera sus debilidades” que ya hemos visto mil veces en el cine y que parece que tendremos que seguir viendo. No es tan grave, es sólo un ejemplo más de lo esquemáticas y repetitivas que son las películas comerciales americanas comparadas con las fuentes en las que se basan.

Todo se tuerce, o eso creo yo, cuando se presenta al villano central, un personaje que efectivamente apareció en los cómics… pero como un secundario bastante irrelevante que aparecía en apenas una docena de viñetas. Si esto es raro, más raro aún es que los verdaderos villanos del relato no tengan ni un segundo de aparición, algo que me parece equivalente a adaptar Los tres mosqueteros sin que salga el cardenal Richelieu, Harry Potter sin Voldemort, o La fundación sin el Mulo. La ridícula elección de villano tiene su motivo únicamente en repetir una vez más (hasta la náusea) el concepto de némesis con la cual el protagonista tiene “cuentas pendientes”. Es inevitable recordar aquel primer Batman de Tim Burton y en la bobada que fue convertir al Joker en el asesino de los padres de Bruce Wayne, o en las imitaciones de este argumento que ha habido desde entonces. La derrota del villano por tanto no es un desinteresado intento de volver al orden inicial del relato, sino una venganza personal que concluirá en la previsible catarsis del protagonista.

Que el malo de la película sea quien es tiene que ver con la propia base de esta película: todo significa algo. Cada sospecha lleva a una pista, cada pista a un camino. Muy diferente respecto al cómic belga que adapta, donde un personaje de apariencia malvada podía ser realmente un hombre de bien, donde un aspecto elegante ocultaba un villano calculador, y donde una pista malinterpretada llevaba durante más de 50 páginas hacia ninguna parte. Aquí no, A sólo puede llevar a B, y de ahí sólo hay un camino posible para C. Todo debe ser explicado y justificado, incluido el villano, que no puede ser “simplemente” alguien que pasaba por allí.

Junto al exceso de causalidad, el humor también se aleja del tono general del cómic, un humor físico que imitaba los golpes y caídas del cine mudo (que no puedo negar que ha quedado actualmente muy anticuado). En la película se usa una comedia más infantil, de “dibujos animados”. Es decir, se violan y alteran las leyes de la física para producir situaciones cómicas (como por ejemplo, la escena del hidroavión, la de la urna de cristal blindado, etc.) Es gracioso sin ninguna duda, pero no es el estilo del cómic original en absoluto y se aleja del realismo que pretendía Hergé en sus historietas, fuertemente basadas en documentación arqueológica, histórica, geográfica y científica.

Hay quien ha resumido todas estas características en una simple frase: es una película muy americana. Tal vez demasiado.

No estoy diciendo que haber visto esta cinta haya sido una mala experiencia. En términos de acción, montaje, ritmo y cualquier otro campo la película es bastante disfrutable, pero no me parece que esta adaptación haga justicia a los cómics en los que se basa, excepto en su estética más superficial. Se le parecía mucho, pero yo no vi al verdadero Tintín en la pantalla.

"Masterclass: Cómics de humor" en Zaragoza.

2011-10-29T13:20:00.000+02:00

Esta tarde Andrés Palomino y José Antonio Bernal darán una masterclass en Zaragotham ¿te la vas a perder?

Lugar: Centro Joaquín Roncal. Calle San Braulio, 5-7, Zaragoza

Hora: 18:00-20:00

V, V de Vendetta y los Cabecicubos

2011-10-26T08:00:00.124+02:00

Miedo a las políticas conservadoras de Ronald Reagan y Margaret Thatcher, al peligro de que éstas significasen represión y fascismo encubierto. De eso debió haber mucho a principios de los 80, imagino, para que a tres personas distintas se les ocurriese contar una misma historia, para que se dedicasen a transmitir el mismo mensaje antifascista. No deja de ser curioso que 1984, aparte de ser una fecha cercana a estos tres relatos, fuese el título de un libro con un contenido político similar.

Kenneth Johnson, que había sido productor y director de la serie de El Increíble Hulk (1977), decidió que su siguiente trabajo después de encargarse de las andanzas de su David (sic) Banner sería relatar la lucha de unos rebeldes contra un resurgimiento ficticio del nazismo dentro de la sociedad americana. Los productores lo vieron como una historia poco creíble y querían aprovechar la moda de la ciencia ficción iniciada por George Lucas, por lo que Johnson tuvo que cambiar estos fascistas por extraterrestres con aspecto de lagartos humanoides. La primera miniserie de V (1983) fue un gran éxito que dio lugar a otra miniserie (The Final Battle, 1984) seguida de una serie de 19 capítulos (1984-1985, en los que Jonhson ya no participó y que por tanto no consideraremos aquí), y un remake, recientemente cancelado (2009-2011).

En algo parecido debía estar pensando Alan Moore en su Inglaterra natal cuando el editor Dez Skinn y el dibujante David Lloyd le propusieron que escribiese algo parecido a Night Raven, un vigilante urbano ambientado en los años 30 que Lloyd había estado ilustrando durante un tiempo. El dibujante fue quien propuso a Moore como guionista, y seguramente tenía mucha confianza en él porque hasta el momento éste sólo había demostrado su habilidad con historias cortas de ciencia ficción y humor (destaca el puñado de relatos de Doctor Who que hicieron juntos). Los dos autores se pusieron de acuerdo para construir finalmente V de Vendetta (1982-1985, 1988-1989), protagonizado por un terrorista, V, que utiliza los métodos más violentos para derrotar a una Inglaterra fascista imaginaria.

En un país diferente a los de estos dos creadores se encontraba el español Jan (Juan López) dibujando historietas cómicas de una página para Bruguera. Con la jubilación del intransigente editor Rafael González en 1979 este historietista pudo por fin realizar un trabajo más comprometido, Superlópez, contando con la ayuda de Francisco Pérez Navarro en los guiones para realizar una revolución a todos los niveles (todos los aspectos relacionados con el dibujo, rotulación, color… el estilo de humor, la crítica social, costumbrismo, etc.) aprovechando el rebufo del estreno del Superman de Richard Donner en la gran pantalla. Después del breve paréntesis que supuso el Supergrupo, Jan en solitario regresó a la denuncia de los males de la sociedad, especialmente con su cuarto álbum como autor completo, Los cabecicubos (1983). En él, la contaminación producida por la empresa fabricante de unos novedosos huevos cuadrados es la causa de que el jefe de la compañía publicitaria en la que trabaja Juan López, alias Superlópez, cree un partido totalitario que pretende eliminar a todo lo que se aleje de sus cuadriculados esquemas.

Las tres tienen en común la transformación de la sociedad en una estructura totalitaria por culpa de un elemento externo (los extraterrestres, la amenaza nuclear o la contaminación) aunque en los tres casos se hace también una justificación de la adopción de ese sistema. Adam Susan, el triste dictador de V de Vendetta, argumenta en un monólogo interior su política con la afirmación de que las únicas alternativas que tenía su país después la guerra eran el caos o el fascismo. El jefe de Juan López, o Primer Hexaedro como luego se le conocerá, tras una breve fase mesiánica en la que llega a creerse el mismísimo Dios funda su partido con el objetivo de luchar contra la intolerancia y el desprecio que sufren los cabecicubos, un sentimiento de inferioridad similar al que los alemanes sintieron tras la derrota de la 1ª guerra mundial. En el caso de V, uno de los Visitantes explica que el ascenso al poder de su líder se debió a “carisma, circunstancias, promesas… Nadie se atrevió a oponerse hasta que fue demasiado tarde. Ocurre también en tu planeta, ¿no?”.

Bandera de los miembros del partido Fuego Nórdico (V de Vendetta)

Emblema de los Visitantes en V, una esvástica disimulada... muy evidente

Bandera del Pa.Cu., el Partido Cuadrado de los Cabecicubos

La Gallina, emblema de Gallinueva S.A., recuerda al Águila de San Juan de la dictadura de Franco

La publicidad fascista basada en mensajes utópicos y lemas simples tiene inevitablemente su reflejo en las tres historias. El más acertado resulta ser Jan al personalizar la propaganda en la figura del líder del Pa.Cu. (Partido Cuadrado), mientras que tenemos carteles con lemas como “Juntos en el futuro” o “Fuerza mediante pureza, pureza mediante fe” en el lado de V y de V de Vendetta. V precisamente incluye el equivalente de las Juventudes Hitlerianas, un elemento propagandístico más. Junto a la publicidad, están los medios de comunicación (radio, televisión y prensa) cuidadosamente manipulados todos ellos para difundir seguridad en el estado y miedo a los terroristas, a las frutas redondas o… a los científicos.

Discursos multitudinarios, adoración al líder, símbolos del partido

Superlópez contempla el cartel que anuncia la llegada de hombres nuevos, superhombres

Propaganda electoral

Cartel del primer capítulo de V de Vendetta

La utopía de los Visitantes en V

Si los alemanes perseguían principalmente judíos durante el 3er Reich, en V su papel lo ocupan los científicos, los médicos, o cualquier persona con interés en la investigación. Los Visitantes consiguen provocar el miedo hacia las únicas personas con la capacidad para descubrir el engaño y salvar a la humanidad de la invasión. Los otros dos ejemplos sin embargo se apoyan en la pureza racial. La dictadura británica efectivamente persigue cualquier tipo de minoría (negros, homosexuales…) mientras que el Pa. Cu. aislará a los llamados “decadentes” o cabecirredondos. Todas estas minorías, aceptando que nunca podrán ser “corregidas” e integradas, son asimiladas por el sistema de otro modo para darles alguna utilidad. Los extraterrestres usarán a los científicos perseguidos como alimento, los ingleses del partido Fuego Nórdico los desplazarán a campos de concentración para hacer experimentos médicos con ellos y los Cabecicubos cuadricularán a los insurgentes para fabricar carreteras con ellos.

A la publicidad estatal se responde con publicidad rebelde, y no es casualidad que tanto V como V de Vendetta tengan un título parecido: en los dos casos hacen referencia al lema V de Victoria que Winston Churchill popularizó con el gesto de levantar el dedo corazón y el índice. En los dos casos esta V se convierte en un graffiti, pero el del cómic británico resulta un símbolo más complejo al recordar también al símbolo anarquista invertido. Precisamente la serie y el cómic hacen referencias a la 5ª sinfonía de Beethoven, tanto porque el cinco es una V en números romanos como porque tres notas breves y una larga es la forma de escribir esta letra en el lenguaje morse.

Un superviviente del Holocausto ataca la propaganda invasora

V también mancilla la propaganda estatal

Los rebeldes son en cualquier caso terroristas, enemigos del sistema que atacan en escaramuzas o con explosivos. Viven en las alcantarillas, en sótanos y en las sombras. Los que antes eran ladrones y traficantes de drogas se convierten en paladines de la libertad, mientras que la policía y los cuerpos de seguridad que luchan por la libertad experimentan lo que es vivir fuera ley. Si Guy Fawkes es considerado por la historia como un terrorista católico, en el cómic de Moore y Lloyd se convierte en el liberador de Inglaterra. Los bandos del bien y el mal se difuminan.

En los dos bandos hay traidores al grupo al que en teoría pertenecen, aunque vamos a destacar sólo a los que traicionan al grupo rebelde: la cabecirredonda Luisa (“¡y tan redonda!” dirá uno refiriendose al atractivo de este personaje) se pondrá del bando de los cabecicubos, mientras que los humanos Daniel Bernstein y Eleanor Dupres colaborarán de manera diligente con los Visitantes. En ambos casos la moraleja será la misma, pertenecer al grupo represor no te dará más garantías de sobrevivir que al resto.

Los uniformes militares en V de Vendetta

Jaime González lleva el uniforme cabecicubo, muy militar también

Los Visitantes también vienen uniformados, de rojo y negro

En las tres historias, especialmente en V de Vendetta, destacan las clases militar, religiosa y científica, aunque la que aparece en las tres de un modo más variado es ésta última. En el cómic escrito por Alan Moore la ciencia debe ser usada con cuidado (“no podemos abusar de la ciencia”, le aconseja V a Evey), mientras que los héroes de V son claramente los investigadores, los sabios que según Platón debían guiar a su sociedad ideal. Jan da una visión más cínica en esta conversación entre dos científicos pertenecientes a la resistencia, la Guerrilla Urbana Anticabecicuba (G.U.A.):

- Al principio éramos una comisión de científicos designados por el gobierno, para investigar el origen de la epidemia y su solución…
- … Y bien que chupábamos del bote… ¡Rolls, cinco tenedores, Miami, las noches del Paralelo…!
- … Y bueno, la epidemia llegó al gobierno y…
- ¡Adiós subvenciones! Quedamos aislados y optamos por trabajar en serio y en la clandestinidad… ¡Qué remedio! Así nació el “G.U.A.”…

Estamos hablando de ficciones, y casi todas necesitan un final feliz, una conclusión como que el totalitarismo sea derrocado y regrese la libertad a las gentes de a pie. Sólo es necesario que la lluvia limpie la atmósfera para que cabecicubos recuperen su redondez (la moraleja del siguiente cómic, La caja de Pandora, no será tan optimista respecto al bien y el mal), mientras que en el lado completamente opuesto serán necesarios la muerte y el caos para poder llevar a la humanidad al anarquismo, la estructura social perfecta desde el punto de vista de Alan Moore. En V, la llegada de los Visitantes se debía a que querían llevarse el agua y la comida de nuestro planeta, por lo que al contaminar los humanos estos recursos naturales con bacterias que sólo afectaban a los alienígenas lograron expulsarlos automáticamente. Básicamente, el problema del fascismo era esquivado, no solucionado.

¿Qué nos queda después? Alan Moore y David Lloyd terminan su relato sin que sepamos realmente si V consiguió educar a Gran Bretaña para que se autogobernase en comunas o si sólo fue un asesino de masas. Sin embargo, Jan explica los primeros años de regreso a la democracia desde su propia experiencia: en esa transición la gente evita mencionar los anteriores años e intenta actuar de forma opuesta sólo porque es “lo contrario”. El reflejo más triste con la realidad es que antiguos miembros destacados del Partido son ahora políticos de la nueva democracia, sin que se juzgue legalmente a ninguno de los responsables del anterior periodo de terror.

El general Sintacha, un militar al servicio del Partido Cuadrado,

se presenta a las elecciones como héroe anti-cabecicubo

Shinto de Sebastián Riera se publicará a finales de mes

2011-10-22T23:00:00.000+02:00

Tras más de un año de espera, el autor Sebastián Riera publicará con Ediciones Babylon su obra Shinto, su primera obra original desde las parodias de Haruto.

Sinopsis:
"Existe una leyenda que habla de los Yamabushi, viejos ermitaños que habitan ocultos entre la niebla de las montañas. Conocedores de técnicas milenarias, son capaces de resucitar a los muertos, de invocar a criaturas del inframundo y muchas cosas más.

Poco después de fallecer mi hermano en un accidente, un Yamabushi se cruzó en mi camino. Según uno de sus manuscritos, la clave para devolver a la vida a alguien es invocar a un Shura, el espíritu reencarnado de un guerrero enfurecido, el cual es capaz de otorgar deseos.
Conseguí invocar a un Shura siguiendo las instrucciones del viejo Yamabushi y le pedí que resucitara a mi hermano Masashi.

Mi hermano volvió a la vida, pero algo inesperado ocurrió, el odio y sed de venganza del Shura se apoderaron de Masashi. Por desgracia o por fortuna parte de ese espíritu también se adentró en mi cuerpo aunque sin obtener control sobre mí como había pasado con Masashi.

Al final, el resultado de mi egoísta deseo es que he traído al mundo a un ser terrible que está provocando de forma incontrolada el mal allá donde va.”

En julio del año pasado le realice una entrevista al autor, por si os interesa leerla.

Un avance del manga:

Ediciones Babylon: primeras páginas de Shinto, edición en papel

"Juego de Tronados", el próximo cómic de Andergraün y Mar-i-vel

2011-10-20T12:59:00.002+02:00

Próximamente nos darán más información sobre este proyecto, pero de momento lo único oficial que nos han dado los editores de Andergraün es lo siguiente:

Este es el proyecto en el que hemos estado trabajando y que vamos a publicar en un mes... JUEGO DE TRONADOS
— con Chus Bartolomé Pérez, Diego Núñez Mezquita, Pablo V Peúbe, Ovidio Miguel Maestro Sellés y Sergio Ballester.

En unos pocos días muchos más datos sobre contenido, formato, precios y otras cosas en el blog de Andergraün. Mientras tanto, todo lo poco que se comente estará en su página de Facebook.

Pafman in U.S.A.

2011-10-17T08:30:00.002+02:00

El subgénero "turístico" es uno de los más populares del cómic de estilo francobelga. Por un lado podemos mencionar a Tintín y a Astérix en sus viajes por el mundo, mientras que si barremos hacia aquí podemos mencionar al Capitán Trueno y sus viajes en globo o a Superlópez. Precisamente por ser uno de los subgéneros más utilizados dentro de los cómics es sorprendente que no esté bien visto: por un lado, a Goscinny se le acusó de falta de ideas por escribir ese tipo de historias para su galo rebelde, mientras que a Jan se le criticó por dibujar sólo “folletos turísticos”.

Pafman in U.S.A. (Joaquín Cera). Ediciones B. 2006.

A pesar de todo esto Pafman se une en su tercer álbum a esta costumbre de viajar fuera de su propio territorio, la gran metrópoli de Logrono, escogiendo como destino los EE.UU. Sin embargo, la personalidad de Cera es muy diferente a la de cualquiera de los autores de los personajes mencionados más arriba, por lo que su viaje consistirá en una recolección de ácidos chistes a costa de los tópicos más americanos: tabaco, armas, justicia, superhéroes, etc.

El Dr. Ganyuflo es liberado del manicomio en el que está encerrado porque la Seguridad Social no puede permitirse el gasto de mantenerle dentro. Una vez fuera, este archienemigo de Pafman utilizará sus contactos dentro de los Masones para incriminar al superhéroe riojano en un asesinato en territorio americano, mientras Pafcat y Tina harán todo lo posible por demostrar su inocencia.

No vamos a descubrir nada nuevo a estas alturas si digo que el humor de Joaquín Cera se basa en el absurdo más exagerado y las interminables referencias culturales a cine, televisión, etc. Estos tomos se dedican al 100% al humor (“el sospechoso es un gato de raza caucásica”), acumulando una gran cantidad de gags por página difícil de imitar. En el punto negativo, ciertas referencias sexuales hacia la segunda mitad del tomo son bastante inesperadas (Tina y Pafcat no se pueden sentar porque...)

Con este tomo comenzamos el terrible baile de formatos y precios de esta colección. Por un lado, comenta Joaquín Cera que se dejó de recopilar más historias antiguas de Pafman en los nuevos álbumes porque las que quedaban eran pocas o no muy buenas. Sin esas historias y sin extras es colección pasa a ser una versión pequeña de las colecciones Olé y Fans (recientemente canceladas) aunque con un precio superior, 4,95 €. Un pequeño detalle: la rotulación deja de ser manual para estar realizada por ordenador.

Con Pafman in U.S.A. el lector se encuentra con una irreverente parodia del american way of life en todos los sentidos. Desde la política de George W. Bush a los tópicos de las películas de Hollywood, todo es ridiculizado mientras se sientan las bases del siguiente cómic de la colección.

Batman, la serie de TV de 1966: cancelación y legado

2011-10-13T19:30:00.001+02:00

Después de dos temporadas de éxito imparable, el final de la segunda temporada tuvo un descenso de audiencia. Cuando se llega a lo más alto es imposible seguir subiendo, y más en una serie sin subtramas, sin intereses amorosos, etc. Esto motivó a los directivos de la ABC a realizar recortes en los decorados (más planos que nunca), los efectos especiales y los actores (la prescindible tía Harriet fue una ausencia llamativa). Por otro lado, Dozier quiso cambiar la característica estructura de dos capítulos de media hora semanales por uno de una hora.

Se intentó corregir el descenso de audiencia introduciendo un personaje femenino protagonista, Bargirl (identidad secreta de Barbara Gordon, sobrina del comisario de policía), interpretado por Yvonne Craig, con el objetivo de atraer por igual al público femenino que podía sentirse identificado como al masculino que buscaba curvas pronunciadas. La nueva Batgirl creada por Dozier y Carmine Infantino fue presentada en papel en el Detective Comics #359 (1967) enfrentándose a la Polilla Asesina. Se rodó un breve piloto para presentar el personaje y, aunque nunca fue emitido por televisión, sirvió para que la ABC diese luz verde a la tercera temporada.

Entre su papel de Batgirl y de alienígena verde en Star Trek,

Yvonne Craig se convirtió en un icono sexual de los 60.

Una de las imágenes emblemáticas de la serie: la trampa del Nudo Humano Siamés. Con el mínimo

movimiento de cualquiera de los tres, el núdo se ajustaría tanto como partirles los huesos.

Sin embargo, por un motivo o por otro (el público se cansó de los guiones repetitivos, los directores y guionistas ya no se tomaban su trabajo en serio, la cadena no podía mantener una serie tan cara…) tras 120 capítulos en los que Batman se había convertido en un fenómeno social como nunca volvería a serlo, el último capítulo es emitido en 14 de marzo de 1968. Dos semanas después la NBC mostró interés por continuar produciéndola, pero ya era demasiado tarde: el decorado de la Bat-cueva había sido arrasado por la Fox. Como la reconstrucción habría resultado demasiado cara la NBC se echó desgraciadamente para atrás.

La opinión de Dozier sobre esta cancelación fue muy positiva: “De hecho, me sorprendió que tuviésemos una tercera temporada”. Se trataba de una serie muy novedosa como para mantenerse mucho tiempo en antena, y demasiado cara para un producto del que los niños estaban igual de satisfechos viendo reposiciones que capítulos nuevos.

No fue de todos modos el final definitivo para la serie: Adam West y Burt Ward continuaron interpretando sus papeles en la serie de animación The Batman/Superman Hour producida por la infame Filmation en 1968, junto al Acertijo en el especial en dos partes de 1978 Legend of the Superheroes, en el documental de 2000 Holy Batmania!, y en la curiosa película para televisión Batman Recuerda (Return to Batcave) de 2003.

Legado
Es evidente que esta serie popularizó una imagen de Batman pop y ligera a pesar de los esfuerzos de guionistas y dibujantes por recuperar la tenebrosidad inicial del personaje en las historietas impresas (los más destacados serían O’Neil y Adams, Englehart y Rogers, Barr y Davis, Frank Miller, Moore y Boland, etc.) Esto no cambiaría hasta que Tim Burton se encargase de dirigir Batman en 1989, una película inquietante con más psicología que la que el gran público esperaba.

Sin embargo, lo cierto es que sus dos películas repiten ideas, escenas y gags de capítulos de la serie donde el Joker destruye una exposición de arte, el Pingüino intenta ganar las elecciones a alcalde de Gotham, etc. En Batman Forever Jim Carrey interpretó al Acertijo imitando completamente a Frank Gorshin, mientras que finalmente el tono de Batman y Robin (1997) del director Joel Schumacher es un homenaje continuo (y lamentable) a este programa. No importa que Christopher Nolan esquive también esta serie, el diseño de su Catwoman en The Dark Knight Rises se basa en los trapitos que lució Julie Newmar.

"No le pegarías a una persona con gafas" es uno de los gags de la serie reutilizados

En el mundo de la animación, la serie El Intrépido Batman ha recuperado la estética e incluso tiene continuos homenajes a detalles del programa de 1966. En los cómics David Mazzucchelli lo tomaría como referente para ilustrar Año Uno, aunque el homenaje mejor realizado ha sido el de Mike Allred en Solo #7, que contiene una historia de 18 páginas ("Batman a Go-go") en la que un Batman de estética sesentera se da cuenta que el mundo a su alrededor se está volviendo más deprimente.

Portada rechazada de Mike Allred para Solo #7. Las malas lenguas dicen que desde

DC hacen lo que pueden para que no se relacionen sus cómics con aquella serie.

La portada que sustituyó a la anterior

"Ayúdanos en Vietnam, Batman, ayúdanos a arrojar ese Bat-napalm, Batman". Una

canción protesta de 1969 en el que se asociaba a Batman con una figura de autoridad.

Tanto Adam West como Burt Ward acabaron totalmente encasillados en sus respectivos papeles. En los años 90, los productores de Batman: The animated series quisieron homenajear a West contratándole para que doblase al Fantasma Gris, un personaje de televisión al que Bruce Wayne seguía de pequeño. Con el paso de los años, el actor del Fantasma Gris acababa igualmente estancado en su papel.

Lorenzo Semple Jr., el guionista jefe de la serie, no se quedó tan encasillado afortunadamente y pudo escribir los guiones de películas como Papillon (1973) o King Kong (1976). Sin embargo, se le pidió que volviese a utilizar su característico humor camp en la adaptación al cine de Flash Gordon (1980) una película que se alejaba completamente de la concepción original del personaje y ha acabado convirtiéndose en una obra de culto.

A pesar del éxito que tuvo esta serie y la influencia que ha ejercido sobre la cultura popular nunca ha sido distribuida en formato doméstico debido a problemas legales. Por un lado, la Fox es dueña de los derechos de la serie, mientras que a Warner le pertenecen los del personaje. A esto hay que sumar los derechos que pertenecen a Greenway Productions (la compañía de William Dozier), los derechos del fabricante del Batmóvil y los de los cameos de celebridades. La película de 1966 tuvo otro tipo de contratos, por lo que ésta sin embargo se puede comprar tranquilamente en DVD.

Kapow! Whack! Sploosh! Crash! Vronk! Whamm!!

Cualquier comentario que describa esta serie como “ridícula” no puede ser más acertado: si no fuese ridícula, es que tanto Dozier como Semple o Adam West habrían hecho un mal trabajo. Lo que buscaban era precisamente eso, distraer con aventuras, misterios y peleas mientras se burlaban de sí mismos y lo que hacían. En ese sentido la serie no se puede criticar, consiguieron una gran comedia que ha sobrevivido al paso del tiempo mucho mejor que otras adaptaciones de superhéroes al cine o la televisión de antes y después de los 60.

El único defecto que le encuentro es que es bastante responsable de haber extendido por el mundo una imagen superficial y ligera tanto de Batman como de la historieta como medio. No fue la única culpable (los cómics aún hoy tienen mucho de pasatiempo), pero sin duda fue la que asoció la imagen de una sonora onomatopeya con lo pueril y lo absurdo.

Batman fue una serie arriesgada y original, valiente y divertida... y curiosamente sigue siéndolo. Echadle un ojo a algún capítulo y formáos una opinión.

Más información:
Batman (Elitevisión)
Batmania
Pretextos Dolmen 4 - Batman: el resto es silencio (David Hernando) Dolmen, 2004.
La noche del murciélago 9: ¡Es tan malo que es bueno!

Secret origins of the Batman TV Show (Dial B for Blog)
Bat-Mania UK
Funniest fan letters to Batman

Batman, la serie de TV de 1966: los cómics y los imitadores

2011-10-12T19:30:00.021+02:00

Los cómics

A partir del Batman #164 (1964) DC decidió cambiar completamente las historias del Señor de la Noche que ya llevaban años siendo bastante rancias. Julius Schwartz como editor prohibió tanto utilizar la ridícula/entrañable bat-familia (Batwoman, su sobrina Batgirl, Bat-Mito y Ace el Bat-sabueso) como regresar a las historias fantacientíficas (extraterrestres, transformaciones de Batman en bebé, cebra, etc., monstruos gigantes...) de la década anterior para empezar a dedicarse solamente a historias detectivescas y urbanas. El dibujante Carmine Infantino se encargaría de rediseñar a Batman actualizando su estética a los nuevos tiempos: el símbolo amarillo del pecho, las cejas, etc. Se trataba de conseguir cierta trascendencia y seriedad con el detective enmascarado, ponerse a la altura de los últimos éxitos de la editorial como los renacidos Flash, Green Lantern, Atom o la Liga de la Justicia.

Es irónico que el espectacular éxito de la serie obligase a los autores a recuperar en cierto modo el tono paródico de los años anteriores.

Si somos sinceros, lo cierto es que esta serie revelaba todos los puntos débiles en los que se sustentaban los comic-books mensuales de superhéroes: personalidades poco desarrolladas, ingenuidad, la violencia como la solución de los conflictos, situaciones ridículas aceptadas por convenio… Mientras que Richard Donner y Mario Puzo disimularon y corrigieron esas inconsistencias para conseguir un Superman épico y magnífico en 1978, Dozier y Semple prefirieron exagerarlas para conseguir una comedia irrepetible.

Batman prefiere ver su serie que luchar contra el crimen

A pesar del humor lo cierto es que la serie tenía esencialmente los mismos atractivos que las historietas: los villanos estrambóticos, los planes malignos, los misterios, la aventura, los colores chillones… Aunque no sea la adaptación ideal para los espectadores actuales esta serie permitió a los fans de los 60 disfrutar de su personaje favorito trasladado a la televisión y al cine en color por primera vez en la historia.

Igual que hoy día con las adaptaciones al cine actuales, la serie de televisión marcó el tono de los cómics de Batman durante un tiempo para contentar al público que llegaba desde las pantallas de tubos catódicos. Las historias dieron más importancia a los villanos que los espectadores veían en la serie y en los comic-books de grupos (la Liga de la Justicia) la figura de Batman destacaba sobre el resto en las portadas.

Pocos años antes de la serie, el mayordomo Alfred había muerto en los cómics para ser sustituído por tía de Robin, tía Harriet, personaje creado por Bill Finger y Sheldon Moldoff con el único objetivo de disipar las teorías creadas por el psicólogo anti-cómics Frederic Whertam. Con algo de presencia femenina en la mansión se intentaba contrarrestar el rumor de que Bruce, Dick y Alfred fuesen un trío de homosexuales que pervertían a los lectores. Dozier y Semple decidieron acertadamente utilizar tanto a tía Harriet como a Alfred en la serie, con lo que el editor Julie Schwartz se vio obligado a resucitar a este mayordomo. Aquí vino un cambio muy importante en su personalidad, ya que si en los cómics Alfred había sido un secundario gracioso e infantil, en la televisión se convirtió en un personaje elegante y flemático, una visión que acabaría siendo adoptada en los tebeos hasta nuestros días.

La resurrección del mayordomo Alfred, el monstruo blanco escamoso

Otro de los personajes influenciados por la serie fue la nueva Batgirl, de la que todavía no hemos hablado porque aparecerá en la tercera temporada. En la búsqueda de crear interés entre los televidentes, Dozier preguntó a Carmine Infantino por los personajes femeninos que había entre los secundarios de Batman. Al no encontrar muchos que le satisficieran (únicamente le gustó Hiedra Venenosa, aunque no saldría en la serie), Infantino le propuso crear una nueva Batgirl, sobrina del Comisario Gordon, que hiciese olvidar a la Bat-girl de la década anterior.

Adam West e Yvonne Graig leen la primera aparición del personaje que ella interpreta

- ¡Batgirl, ayúdanos, tenemos un problema!

- Yo tengo uno peor... ¡un siete en mis mallas!

Todo un ejemplo para las niñas

Hagamos como que la antigua Bat-Girl nunca existió

¿Qué ocurría mientras tanto en el resto del mundillo del cómic? En Marvel, Galactus amenazaba con desayunarse la Tierra, Stan Lee se dedicaba a deshacer los logros de Steve Ditko en Spiderman (adiós al Peter Parker marginado y tristón) y un tal Steranko comenzaba a entintar las páginas de Nick Furia dibujadas por Jack Kirby. En otra parte, Astérix hacía turismo por Gran Bretaña, Tintín se subía despreocupadamente al avión del señor Carreidas y todavía quedaban bastantes años para que los agentes de la TIA se infiltrasen en Tirania.

Curiosamente justo con el final de la serie de televisión los cómics de Batman adquirieron un estilo completamente opuesto. La bat-familia se rompió definitivamente cuando Robin fue enviado a la universidad al mismo tiempo que Bruce dejaba la Mansión Wayne para vivir en un apartamento en la azotea del edificio de la Fundación Wayne. Las historias se volvieron más oscuras y pocos guionistas querrían a partir de ese momento recuperar el espíritu de esta época. Empezaba la breve etapa de Denny O’Neil y Neal Adams (1969-1972).

Los imitadores: El Avispón Verde (Green Hornet)

El éxito de Batman animó a la ABC y a William Dozier a repetir la fórmula con otro personaje similar. Se hicieron cortos de prueba con Wonder Woman y Dick Tracy, pero el elegido finalmente fue un contemporáneo de Batman con un universo muy parecido: el Avispón Verde. De nuevo, un millonario sin poderes, Britt Reid, que luchaba contra el crimen ayudado de un sidekick y mayordomo oriental, Kato. Bruce Lee fue primera la elección para el papel de ayudante (su primer papel en la televisión), mientras que Van Williams se encargó, reticente, del papel principal.

El piloto de Wonder Woman, con tono de comedia

El Avispón y Kato

La serie se estrenó el 9 de septiembre de 1966, los viernes a las 19:30. Al contrario que con Batman, se decidió tomar un aspecto serio imitando los programas de radio originales, sin villanos coloristas ni estrellas invitadas. Se produjeron ligeros cameos entre ellas (en una de las dos series aparecía una televisión emitiendo un capítulo de la otra y viceversa, además de la inevitable aparición cuando Batman y Robin trepaban la pared) hasta que por fin tuvo lugar el esperado crossover durante la segunda temporada de Batman, en 1967.

En el capítulo de crossover, el guión especificaba que Robin derrotaba en una pelea a Kato.

Bruce Lee se enfadó y se lo tomó como algo muy personal ("nadie puede vencerme") por lo
que finalmente la pelea entre los dos personajes no llega a producirse.

El cruce entre las dos series tenía la intención de atraer al público hacia las aventuras de Britt Reid y Kato, pero desgraciadamente el Avispón Verde no consiguió tanto éxito como Batman y terminó al cabo de una temporada.

Por otra parte, otras cadenas intentaron sin éxito crear a sus propios superhéroes camp: la CBS presentó a Mr. Terrific (Stanley Beamish, que conseguía poderes durante una hora gracias a una pastilla especial), mientras que la NBC hizo lo propio con Captain Nice (Carter Nash, un policía químico que fabricó un suero con el que conseguía las mismas habilidades). Ambos se estrenaron y cancelaron en 1967, sin que a nadie le quitase el sueño.

Mr. Terrific

(Continúa en Batman, la serie de TV de 1966: cancelación y legado)

¡No te pierdas nuestro próximo post mañana,
a la misma bat-hora, en el mismo bat-blog!

Primer trailer de los Vengadores

2011-10-11T16:44:00.002+02:00

En español

En inglés

En la página de Itunes, con más tamaños y etc.

Por fin sale, como estaba anunciado, el primer trailer de los Vengadores, la película que justificará los bandazos de calidad de las últimas adaptaciones de Marvel.

El trailer da lo que promete. Se ven los trajes rediseñados (me imagino que por motivos de merchandising y figuras de acción), momentos interesantes, y frases exactas que definen tanto a los personajes como la relación que hay entre ellos. Whedon es el creador/director/guionista de magníficas series como Buffy Cazavampiros, Ángel y Firefly, además de ese pequeño experimento que fue Dr. Horrible Sing-along-blog. Escribió uno de los numerosísimos borradores de la primera película de X-men (sólo se conservan dos frases de su guión, el método con el que Lobezno le hace saber a Cíclope que Mística le está copiando, y la frase "¿qué le pasa a un sapo cuando le cae un rayo?"). En el mundo de los cómics ha escrito los primeros 24 números de la colección actual Astonishing X-men, que creo que tiene una primera mitad impresionante y una resolución muy pesada. Sólo ha dirigido una película antes que esta, Serenity (ambientada en el universo de Firefly), muy satisfactoria para los seguidores de la serie.

Si Whedon consigue llevar su visión al resultado final en vez de la visión de los productores, es decir, al contrario que con las anteriores películas de Marvel, esta película podría ser un completo fenómeno en la historia del cine. Ya veremos.

Pafman: La noche de los vivos murientes

2011-10-10T08:35:00.004+02:00

El género de zombis “resucitó” (perdón por la coña) en el año 2002 con la adaptación al cine del videojuego Resident Evil, con la cuál comenzó una moda tímida al principio en la que destacaron 28 días después (2002) de Danny Boyle, El amanecer de los muertos (2004) de Zack Snyder y la divertida Zombies Party (2004) de Edgar Wright. En los cómics pudimos disfrutar inmediatamente de Los muertos vivientes de Robert Kirkman y Tony Moore (2003), y en el mundo de la literatura destacó Zombi - Guía de supervivencia (2003) de Mark Brooks. Casi 10 años después, el público general se encuentra saturado y cansado de películas, series de TV, cómics y libros sobre el tema (se ha llegado a adaptar al cine un libro sobre vampirismo cambiando los chupasangres por zombis en Soy Leyenda, de 2007), pero todavía en el año 2005 esta temática resultaba tan divertida como para que bastantes autores lo utilizaran en sus obras.

La noche de los vivos murientes (Joaquín Cera). Ediciones B. 2005.

Es el caso de Joaquín Cera, que eligió este subgénero de terror para su segunda entrega de las aventuras del Pafman actual. Cera se aleja sin embargo de las explicaciones científicas de las nuevas películas y une su historia de zombis a un contexto religioso que le permite realizar una carambola arriesgada: un cómic de humor que hable de la vida y la muerte, de religión, del bien y del mal. Y sale bien parado.

El Enmascarado Negro, el archienemigo de Pafman, ha aprendido magia negra y está invocando a los muertos y a los demonios para que traigan el caos y el sufrimiento a la Tierra. Pafman, Pafcat y Tina cuentan con la ayuda del profesor Fuyú para luchar contra las fuerzas del mal, pero tal vez ya sea demasiado tarde…

Realizar chistes a partir del género de terror conlleva un humor más adulto, más incómodo, más polémico. Al absurdo descabellado habitual y a los chistes picantes se les une el humor negro y cierta irreverencia religiosa que es disculpada en unas líneas finales: "Si Ned Flanders (o alguien como él) se ha sentido ofendido por el contenido de este cómic... ¡paciencia! El autor de esto arderá merecidamente en las llamas del infierno". Los gags físicos y las referencias culturales siguen siendo las bases del humor de Joaquín Cera en este segundo álbum.

Al igual que en la primera entrega se incluyen unos extras como los de un DVD (la Paf-cueva, fichas de los personajes, armamento…) y 44 páginas del Pafman clásico que complementan a las historias actuales.

La noche de los vivos murientes es una perfecta continuación de Pafman redevuelve. Se mantiene el humor sin pausa sobre cualquier detalle que pueda aparecer dentro de las viñetas al mismo tiempo que se tratan ligeramente temas filosóficos como el bien y el mal y sus causas.

¿Qué ha pasado con Pafman?

2011-10-10T08:30:00.000+02:00

Desde 2004 Ediciones B ha estado publicando de nuevo historietas protagonizadas por Pafman. Ahora que hemos llegado a un total de 8 álbumes con unas ventas de "4000 ejemplares al año" de pronto dejamos de recibir noticias sobre continuaciones y nuevos números. ¿Qué ha ocurrido?

Hemos preguntado a Ediciones B y nos han confirmado que Joaquín Cera no está dibujando más cómics de Pafman. Sin embargo, sí está trabajando en "varios proyectos" relacionados con los Xunguis, unos libros del tipo ¿Dónde está Wally?

Buscando un poco más, descubrimos que Francisco Sánchez fue despedido de Ediciones B en septiembre del año pasado y sustituido por Manuel de Cos. Este editor fue el que animó a Joaquín Cera a que superase sus dudas y volviese a encargarse del personaje, lo que explicaría que Pafman se haya quedado sin apoyos dentro de la editorial. Imaginamos que en los últimos meses anteriores al despido Francisco Sánchez escribió Chernobill - La zona para la editorial Glénat.

Tal vez sea demasiado tarde, pero vamos a escribir una pequeña reseña para cada uno de estos ocho álbumes de Pafman. Empezamos hace poco con el álbum Pafman Redevuelve y terminaremos con el más reciente, La Tierra Mediocre.

Jugando con el título del álbum, nos quedamos con la despedida del forero magin: "yo conozco OTRA TIERRA MEDIOCRE, una en la cual Pafman, Cera, Ramis -por simplificar el elenco de autores de tebeos de humor- son evitados por todos los editores."