En todo el colodrillo

Otra Vez el Supergrupo, de Efepé y Jan

2013-05-20T11:00:00.000+02:00

Cartoné, 48 páginas 12 €.

Ediciones B y Jan han decidido celebrar este cuadragésimo cumpleaños de Superlópez dándole a sus lectores el regreso que tanto pedían, el del Supergrupo y su creador, el guionista Francisco Pérez Navarro. Los personajes habían reaparecido en las viñetas de Nacho Fernández en diciembre del año pasado, pero ahora lo harían con su dibujante original. Sería un cómic nostálgico, de regreso a los inicios, de las luchas contra supervillanos de tebeo entre gags que se encadenan unos detrás de otros.

El argumento parte de una idea sencilla: ¿qué pasaría si el malvado Escariano Avieso pudiese hacer olvidar a todo el mundo quiénes son Juan López y Superlópez? A partir de ese momento el protagonista busca amigos que le recuerden, entre los cuáles está el Supergrupo.

Hay una curiosa continuidad entre este álbum y los anteriores. Efepé mantiene los personajes regulares de la colección, como Escariano o el inspector Hólmez, pero también en el tono de las historias. Si Jan siempre ha tratado un tema de actualidad o se ha basado en un libro para cada tebeo, en este caso el guionista parte de una crítica con ingenio al mercado de superhéroes americano más reciente para desarrollar la acción. Un lector casual tal vez entienda las referencias a Brainiac, Doomsday, Green Lantern... pero alguien más enterado apreciará rápidamente que la intención del cómic es criticar la dirección editorial de Dan Didio, Geoff Johns y Jim Lee en DC o la deriva cinematográfica de Marvel de los últimos años. El argumento está lleno de ironías y ataques dirigidos a las dos grandes editoriales cuando hace referencia a Crisis de Identidad, el One More Day de Spiderman o la saga Vengadores contra X-Men, e incluso se permite también el lujo de hacer un retrato cruel del conformismo de los lectores de superhéroes.

La trama tiene un problema grave de estructura que se sortea la mayor parte del tiempo mediante un buen humor sin pausa. Malentendidos, ridiculizaciones, errores en la forma de expresarse, golpes tremendos, alguna salida de tono extraña (¿Bruto cantando Singing in the Rain?)... Los chistes realmente triunfan de manera gloriosa cuando señalan las convenciones y soluciones fáciles del género de superhéroes o critican el estado actual del cómic americano. Por su parte, los gags de la Chica Increíble (o "Maravillosa", como se le llama en el cómic por error) elevan un poco el incómodo deje machista de los álbumes originales de los 80. ¿Hasta qué punto era necesario verle las tetas al personaje? En el caso del robot Latas es una pena que se quede completamente apartado de la acción, tal vez se le podría haber dado una escena suprimiendo alguna de las innumerables repeticiones del gag del jefe del Supergrupo.

Igual que en los antiguos álbumes del Supergrupo o el cómic dibujado por Nacho Fernández, en esta ocasión también hay bastantes incoherencias argumentales. El villano de los cómics de 1979 quería únicamente vengarse del Supergrupo... antes de que el grupo se formase como tal. En el tebeo editado por EDT el malo oriental al que se enfrentan los héroes anuncia que quiere terminar con el Supergrupo... y sin embargo en ningún momento les dirige un ataque (de todos modos, son tan ineficientes que es increíble que un villano sienta interés por ellos). En este nuevo álbum los personajes viajan al pasado, a un día hacia atrás, pero realmente no es algo que sirva para resolver el conflicto, no se vuelve a hacer una mención al respecto ni vuelven al presente en ningún momento. Tampoco hay ninguna escena en la que se vea que todo vuelve a la normalidad, en la que el Supergrupo o el resto de secundarios vuelvan a recordar a Superlópez.

En su faceta de dibujante, Jan mantiene el mismo estilo detallado y el coloreado profesional que en sus últimos álbumes. No se basa en fotografías de localizaciones reales como otras veces pero las expresiones y posturas de los personajes son dinámicas, variadas y potencian el humor. El diseño del Supergrupo no se ha actualizado, simplemente se nota el contraste entre el dibujo de Jan en los 80 y el actual.

Con todos sus pegas lo importante es que al final se trata de un cómic entretenido y agradable. Dentro de la colección es un interesante contraste con los álbumes anteriores y como historia independiente seguro que gusta mucho entre los nostálgicos y los aficionados a los superhéroes. Como poco ya sólo el título seguro que ha conseguido atraer la atención de muchos lectores y con suerte las ventas le darán un poco de respiro a Jan de cara a sus siguientes tebeos.

(Saliéndome del tema, las horribles guardas del álbum no tienen ninguna justificación, están "sucias" e invertidas de izquierda a derecha.)

Los cómics de Firefly/Serenity

2013-05-14T17:40:00.000+02:00

Durante la última temporada de Buffy Cazavampiros su creador y productor, Joss Whedon, inició una nueva serie de televisión. Firefly (2002-2003) estuvo protagonizada por un grupo de nueve forajidos espaciales de buen corazón que cometen delitos para sobrevivir. Se encuentra ambientada en el futuro, después de que la humanidad haya tenido que emigrar desde la Tierra en busca de nuevos recursos. En los nuevos planetas terraformados el progreso no ha llegado a todos al mismo ritmo por lo que en algunos de ellos todavía se sigue viviendo como en el antiguo Oeste americano mezclado con la cultura milenaria china. Malcolm Reynolds es el capitán de la tripulación, un cínico bienintencionado que recuerda (no por casualidad) al Han Solo de Star Wars.

Las audiencias de la serie fueron bastante bajas (los fans le echan la culpa a la cadena FOX, que desordenaba los capítulos y cambiaba con frecuencia el horario) con lo que la serie fue cancelada después de emitirse el capítulo 11 de los 14 que había rodados. La ciencia ficción nunca lo ha tenido muy fácil en la televisión. De manera excepcional, teniendo en cuenta que se trata de una serie cancelada, gracias a las peticiones de los seguidores se acabó distribuyendo los capítulos en unos DVD que fueron un éxito de ventas. Al ver que era imposible continuar con la serie en otra cadena, Whedon finalmente consiguió que Universal Pictures se animase a producir una secuela en forma de película.

Serenity (2005) se ambienta seis meses después del último capítulo de la serie. La trama se centra en la superdotada River Tam y los experimentos científicos inhumanos que lleva a cabo el gobierno de la Alianza. Con esta cinta Joss Whedon se estrenó como director de cine y lo cierto es que aprobó con muy buena nota. Sin embargo, la película no fue el éxito que se esperaba (segundo puesto de taquilla el fin de semana de su estreno) con lo que no tuvo segunda parte.

Al margen de la serie y la película existe una media docena de cómics basados en esta franquicia co-escritos por Joss Whedon que han sido recopilados en tres tomos recopilatorios por Dark Horse.

Those Left Behind (Los que se quedaron atrás, 2005)

Su argumento, que incialmente estaba planeado para una serie de animación, sirve de puente entre el último capítulo de la serie y la película, explica los cambios que se producen en algunos personajes (Inara y Book) entre las dos historias. Cuando Malcolm Reynolds y compañía llevan a cabo un delito que les han encargado ni esperan reencontrarse con un viejo enemigo ni que los Manos Azules intenten secuestrar de nuevo a River. Aunque es bastante inaccesible para quien no haya visto la serie curiosamente en su momento fue uno de los recopilatorios más vendidos de Dark Horse.

Better Days and Other Stories (Tiempos mejores y otras historias, 2008-2010)

La historia principal del tomo es la segunda miniserie de tres números basada en esta franquicia, escrita y dibujada por los mismos autores que Those Left Behind. En Better Days, gracias a que la tripulación encuentra una cantidad exorbitada de dinero, el lector puede descubrir uno a uno cuáles son los sueños que cada personaje cumpliría gastándoselo en sí mismos. El tomo se completa con otras tres historias ambientadas antes o después de la película, como The Other Half o Downtime, pero la que destaca es la que cierra el tomo, Float Out. En ella, tres antiguos amigos de Wash recuerdan sus logros como piloto de la Serenity y finalmente Zoe hace una sorprendente revelación.

Shepherd's Tale (La historia del pastor, 2010)

Dentro de la colección este cómic es bastante sorprendente. Es una historia completa de 56 páginas (no una recopilación), es inesperadamente accesible para cualquier lector... y es un buen cómic en términos generales, más allá de ser merchandising. El argumento se centra exclusivamente en el reverendo Book, el sacerdote cristiano que acompaña a la tripulación de la Serenity (que aquí aparece sólo durante cuatro páginas). No hay grandes revelaciones sobre los misterios que rodeaban al personaje sino un hombre perdido y confuso que después de una vida de errores encuentra la felicidad en la fe. El dibujo de Chris Samnee (que actualmente dibuja el Daredevil de Mark Waid) es mucho más sofisticado que los vistos en los otros tomos y la estructura no lineal del guión es algo arriesgado dentro de lo que alguien esperaría en el cómic de una licencia.

Whedon ha dicho una y otra vez que no tiene intención de publicar una serie regular basada en estos personajes. Sin embargo, el año pasado se publicó un nuevo cómic titulado Serenity para el Día del Cómic Gratis americano. Con el éxito de Whedon con Los Vengadores y del actor Nathan Fillion en la serie Castle nadie se plantea volver a hacer más capítulos o películas de esta franquicia, pero es posible que al menos sigan saliendo con cuentagotas más cómics de Firefly/Serenity con el tiempo.

Curiosidades de cómic español

2013-04-30T14:13:00.002+02:00

Recién recibido en el correo del blog:

El dibujante de cómics Sergio Ballester (conocido como “XSer.”) está realizando una tesina sobre el cómic español para el Master de Investigación, Arte y Creación que imparte la UCM. Para ello ha realizado una serie de obras al respecto, que de seguro llamarán la atención de aquellos aficionados al cómic nacional.

Podemos ver un cuadernillo donde se aprecia cómo muchos famosos personajes del cómic español beben del estilo de dibujo Bruguera. Mediante un sistema similar al del “Animalario Universal”, el lector puede componer su propio frankestein con ellos.

También una simplificación geométrica de cinco personajes de cómic español. Nos recuerda a los carteles de logotipos de superhéroes americanos. Es una demostración de, hasta qué punto, algunos personajes nacionales son tan famosos que son fácilmente reconocibles.

Para terminar este cómic, que es una parodia directa de la famosa página de Matt Madden que resume la historia del cómic americano. En este caso es un recorrido por la historia del cómic español, desde sus inicios hasta la actualidad.

Europesadilla, alguien se ha comido a la clase media, de Aleix Saló

2013-04-18T16:39:00.000+02:00

Rústica, blanco y negro, 9,95 €

También formato digital, 2,99 €

Me encanta que se publiquen este tipo de tebeos didácticos en un país en el que todo el mundo es entrenador de fútbol y presidente de gobierno (o crítico de cómics por la parte que me toca). Por lo general paseamos por la vida con una divertida soberbia, como si nadie pudiese enseñarnos algo que no sepamos ya, especialmente en temas como los que aborda Europesadilla. Aleix Saló en este cómic no construye su discurso a través de los tópicos de bar que ya conocemos sino mediante un análisis que se apoya en la investigación, los gags y las metáforas gráficas.

El objetivo básico es definir la identidad europea (¿existe esa identidad? ¿en qué se basa?) dentro de un contexto histórico mundial, poniendo la cultura de nuestro continente al lado de la asiática y la africana. A partir de ahí avanza a los tres "choques" recientes que definen la Europa de nuestros años, el 11-S, el movimiento de anti-globalización y la adopción del euro en la Unión Europea. Precisamente la falta de unidad cultural en Europa es lo que ha provocado una gran brecha entre los países del sur y los del norte y lo que explica el origen de los recortes que impone Merkel en España, esos que están acabando con el estado del bienestar y la clase media. ¿Cuál es la moraleja? ¿Hay un final feliz? Démonos con un canto en los dientes por ser capaces de entender un poco mejor toda esta situación.

El primer trabajo de Saló que consiguió cierta relevancia fue Españistán, un cómic ligero y centrado principalmente en el humor. Su protagonista era un cani que luchaba por conseguir trabajo en un mundo de fantasía que parodiaba la economía, política y religión nacionales. Sin embargo, lo que realmente lo hizo conocido no fue esa publicación en sí sino una animación de 10 minutos que realizó como publicidad. En ella utilizó el estilo con el que a partir de entonces insistiría dos veces más (Simiocracia y este cómic), es decir, el análisis crítico, objetivo y ameno de la economía y la política actuales.

Una cosa que me gusta mucho es que en los cómics de Saló veo el esfuerzo por atraer al gran público. Por un lado, el contenido está de actualidad y escapa a las limitadas clasificaciones típicas del cómic, más bien se acerca a las temáticas de otros medios (cine, literatura...) Su forma de expresarse no es superficial ni evocadora, sino concreta y precisa. Por otro lado, en su forma este libro tiene un aspecto de cómic "amable", es decir, no utiliza recursos (o los suaviza) que podrían espantar a un lector con prejuicios contra las historietas, como viñetas, bocadillos, líneas cinéticas, etc. El blanco y negro y la edición rústica consiguen un precio popular a cambio de sacrificar lo que no sea imprescindible porque al contrario que otros cómics lo importante aquí es el contenido, no la edición. En su búsqueda por la popularización de este cómic incluso se ha editado en catalán al mismo precio (Euromalson, Algú s'ha cruspit la classe mitjana), y en formato digital de manera simultánea (¿es la primera vez que se hace esto en este país?).

Le veo a Europesadilla por tanto dos puntos a su favor. El primero, el tema elegido y la forma de tratarlo, y el segundo, una visión del mercado del cómic atrevida y popular. ¿Suena exagerado que diga que Aleix Saló es el Jordi Évole del cómic?

Ni Puta Gracia 4, de Joscha Sauer

2013-04-15T11:30:00.000+02:00

Rústica (205 x 205mm), 64 págs. a color. 8,95 €

La colección que empezó Planeta hace años me imagino que debió de fracasar (inexplicablemente) porque sólo se publicaron tres tomos. Ahora ECC toma el relevo y fuerza a estos cómics a ser más comerciales como sea: baja el precio (mediante una reducción de tamaño y el cambio a encuadernación en rústica) y modifica el diseño de la portada mostrando como ejemplo uno de los chistes del interior. ¿Merece la pena el cambio, es algún tipo de traición a los coleccionistas de los tres primeros tomos? Teniendo en cuenta el nivel de los chistes... que me traicionen todo lo que quieran.

Ni Puta Gracia es la traducción del webcómic alemán Nistchlustig, viñetas sueltas que juegan con arquetipos, animales y profesiones combinándolos o situándolos en escenarios inesperados. Tiene un humor por lo general inteligente, a veces complejo y a veces tontorrón, que funciona y engancha. Además de las viñetas se incluyen también unas historietas divididas en capítulos protagonizados por diferentes personajes recurrentes que se relacionan entre sí.

Personalmente esta colección es tan divertida que me da pena que alguien no sepa ni que existe. Imprescindible para cualquira al que le guste el humor.

Premios del 31 Salón Internacional del Cómic de Barcelona

2013-04-14T15:09:00.000+02:00

GRAN PREMIO DEL SALÓN: Purita Campos
Purita Campos es sin duda, la autora española de cómics más famosa desde la década de los 70 hasta hoy mismo, tanto por la calidad de su dibujo como por su versatilidad creadora. Desde los 14 años Campos hacía apuntes de desfiles de modas y dibujaba figurines para varias modistas de Barcelona; más tarde se dedicó a la creación de modelos y colaboró en las revistas de moda Dames de France y Carnet Elegante.
Más tarde empezó a trabajar para la Editorial Bruguera dibujando ilustraciones, cómics y cubiertas para los tebeos Can Can, Celia, Sissi, Blanca o Dalia. Pero es a partir de 1971 cuando su nombre alcanza proyección internacional, a partir de su realización de la serie Esther y su mundo para una revista inglesa. Tras su éxito en Inglaterra, la serie se publicó prácticamente en toda Europa y ha sido la base del éxito popular de la autora, que la realizó desde 1971 hasta 1988 de forma ininterrumpida. Editores de Tebeos está recuperando la serie clásica a la vez que publica nuevas aventuras.

MEJOR OBRA DE AUTOR ESPAÑOL PUBLICADA EN ESPAÑA EN 2012: Ardalén, de Miguelanxo Prado
Somos lo que recordamos. Pero la memoria no es un registro objetivo e inalterable. Sabela intenta reconstruir una historia, una parte de su historia, a través de los recuerdos de Fidel. Pero hay más hilos que se van entretejiendo en ese proceso de recuperación, otras personas, otras memorias. Porque también somos lo que los demás recuerdan. Y en esas memorias, propias y ajenas, hay amor y cariño, y hay rencores y odios.
Después de tres años dedicado a Ardalén, Miguelanxo Prado nos ofrece su obra más extensa y ambiciosa hasta la fecha. Un relato fascinante sobre los recuerdos y la memoria, con personajes inolvidables y la maestría de uno de los mejores autores de cómic de nuestro país.

MEJOR OBRA DE AUTOR EXTRANJERO PUBLICADA EN ESPAÑA EN 2012: Portugal, de Cyril Pedrosa.
Simon Muchat es un dibujante de cómics en plena crisis. Después del éxito de su primer libro, sufre un bloqueo que le impide volver a escribir. Este bloqueo lo está destruyendo todo: su trabajo, su vida personal, sus ilusiones...
Hasta que recibe la invitación para asistir a un festival de cómics en Portugal, el país de los veranos de su infancia. Allí renacerán en él las ganas de vivir y de crear. Sus colores, sus olores, su idioma, todo se conjura para que Simon decida retomar las riendas de su vida.

AUTOR REVELACIÓN EN 2012, Premio Fundación Divina Pastora. Oriol Hernández
Oriol Hernández Sánchez (Terrassa, Barcelona, 1983) que firma también como "Oriol" a secas, es un dibujante que se ha introducido profesionalmente en el cómic trabajando para el mercado francés de la mano del guionista Zidrou. Primero, con una historieta corta en 2010 y en dos años después con el álbum La piel del oso (Norma Editorial), que durante sus primeras semanas ha sido muy bien recibida en el país vecino. Actualmente está trabajando de nuevo con Zidrou en un proyecto titulado Les 3 fruits.

PREMIO VOTACIÓN POPULAR 2012. Sleepers, de Luis NCT
La historia empieza en un universo cotidiano donde los robots gigantes forman parte del paisaje urbano, dos hermanos parten a la búsqueda de un mundo más prometedor, de un paraíso perdido que nunca conocieron. En su viaje solo les acompaña un viejo gurú algo loco y el recuerdo de una chica que quizá les esté esperando en su punto de destino…

MEJOR FANZINE PUBLICADO EN 2012. Adobo
El fanzine Adobo, que se define como fanzine de cómics underground con extra de cafeína, cuenta con autores que figuran entre los más prometedores de los surgidos en los últimos años, como Alexis Nolla, Claudio Buenafuente, Nathan, Pablo Muñoz y Molg H.

La crónicas de Pafman 2: La aventura del Titaidón, de Joaquín Cera

2013-04-11T11:30:00.000+02:00

Rústica, 96 páginas, 15,5 x 22,7 cm, b/n, 12 €

Me gustaría que Joaquín Cera explicase cómo consigue superar las limitaciones que le imponen para conseguir superarse número a número. Empezó con un formato pequeñín que se redujo a la mitad de páginas a los tres números, consiguió la gloria en dos álbumes de tapa dura, y ahora está encerrado en un tamaño aún más pequeño y por primera vez en blanco y negro. Se podría pensar que Cera tiraría la toalla con tanta adversidad pero lo cierto es que se está superando número a número.

En este tomo (el noveno si contamos todos los formatos) la historia se ambienta en los 70, antes de la primera aparición de Pafman en la revista Mortadelo. Él y Pafcat deciden probar suerte como superhéroes en EEUU, por lo que viajan en el Titaidón para atravesar el Atlántico. Mientras el barco se hunde como el Titanic y se da la vuelta como el Poseidón, Pafman conoce a su primer gran amor, Kate Scarlett Winslet Johansson, a la que deberá defender junto al resto de supervivientes del accidente de los horrores ancestrales que se esconden bajo la cubierta del barco.

La gracia de estos tebeos se basa en jugar con los clichés de las historias que versiona (los personajes típicos de las historias de catástrofes, etc.), el surrealismo absoluto y la estupidez del protagonista. Sobre estos gags para mí están todos los que hacen referencia a los años 70, el consumo masivo de tabaco, la forma de hablar, los peindos y las referencias culturales de la época. Aún mejor, estos últimos álbumes no consisten sólo en una sucesión de gags sino que además tienen una trama que progresa poco a poco.

En resumen, un cómic muy trabajado, muy divertido, con escenas de personas fumando y castores en pijama.

Marvel Comics: La Historia Jamás Contada, de Sean Howe

2013-04-10T15:00:00.000+02:00

560 páginas, 24 €

“¡No entiendo a la gente que lee cómics! Yo no los leería si tuviera tiempo y no estuviera metido en el negocio." (Stan Lee)

Lo primero que me llama la atención de este libro es que no tiene ninguna imagen. El motivo será el que sea, pero a mí la sensación que me transmite es que el autor y la editorial confían en el contenido de este libro, no quieren hacerlo más comercial añadiendo ilustraciones que podrían llamar la atención en un vistazo rápido en la tienda. Es tan bueno que no se necesitan trucos comerciales. De entrada esto me anima mucho.

Marvel es, según este libro, la mayor editorial de cómics del mundo. No sé si es un hecho o una opinión. Como poco, es una de las editoriales más relevantes de la historia, ha acogido a algunos de los mejores guionistas y dibujantes del medio y éstos a su vez han creado y desarrollado personajes apasionantes que sin duda merece la pena disfrutar. Sean Howe describe el pasado de la editorial hasta los últimos años recorriendo cuatro temas: la creación de personajes y su desarrollo (especialmente los novedosos, trasgresores o polémicos), las luchas de poder dentro de la editorial, Marvel como empresa de entretenimiento en el mundo de los negocios (empresas que se compran y venden, bancarrotas, fusiones…), y los derechos creativos dentro de la editorial.

Si intento hacer un resúmen del libro entonces Marvel empieza como una editorial con personajes atrevidos y tramas novedosas comparados con los de otras editoriales, que poco a poco va creciendo. Los años iniciales de Stan Lee, Kirby, Ditko y Thomas terminan en los 70 con una invasión hippie en las oficinas que llena las viñetas de psicodelia y trasgresión política, con la viñeta de Nixon como supervillano del Capitán América como máximo exponente. Bajo los 80 el editor Jim Shooter pone en firmes a los autores. Es el final de los retrasos en las entregas y de pasar cualquier cómic como aceptable, aunque desgraciadamente Shooter acabó llegando a un extremo de megalomanía que desembocaría en su despido. Los 90 están marcados por la llegada de dibujantes superventas (McFarlane, Liefeld, Jim Lee…) que conocían perfectamente el trato desigual que habían recibido históricamente gente como Kirby o Ditko, y que por tanto no tardaron en buscar la salida. Después de que la burbuja especulativa del cómic estallase y provocase un descenso dramático de ventas llegó la época de Bill Jemas como presidente de Marvel, que con su visión arriesgada y polémica convirtió a Marvel en lo que es en la actualidad: tomos recopilatorios, guionistas que estaban alejados del mundo del cómic, ruptura de tradiciones…

Para mí el autor que consigue reivindicarse en este libro es Roy Thomas. Le veía como un guionista un poco extraño, demasiado literario y especialmente poco creativo. ¿Cuántos personajes ha ideado? Ninguno, todo son recreaciones, versiones de algo anterior: la Visión, el nuevo Capitán Marvel, grupos de personajes que ya existían… Con este libro ahora veo que esa falta de creatividad era una decisión que había tomado después de ver el trato que daba DC a Siegel y Shuster, los creadores de Superman. Roy Thomas era un fanboy ascendido a guionista, pero un fanboy que conocía las reglas del negocio mucho mejor que gente como Kirby o Ditko: sabía que si él creaba un personaje que funcionaba económicamente nunca le pertenecería.

En este desglose de la lucha de los autores para conseguir un trato de igual a igual con la editorial destaca gente como Kirby, Neal Adams, Steve Gerber… Las reivindicaciones empiezan desde los primeros años pero es a partir de las primeras adaptaciones al cine con éxito cuando ganan relevancia. Hasta el propio Stan Lee admite que se trata de un ambiente injusto: "El mercado del cómic es el peor mercado que existe sobre la faz de la tierra para el talento creativo, y las razones son innumerables y abundantes. Muchas personas con talento me han preguntado cómo pueden entrar en el negocio del cómic. Si tienen el talento suficiente, lo primero que les digo es: “¿por qué ibas a querer entrar en el negocio del cómic?” Porque, aunque tengas éxito, aunque llegues a lo que podría considerarse el pináculo del éxito en el cómic, tendrás menos éxito, menos seguridad y serás menos efectivo que si fueras sólo un profesional medio de la televisión, la radio, el cine o cualquier otra cosa. (…) Al dibujante que tenga una idea, le diría que se lo piense dos veces antes de dársela a un editor."

Sin embargo, Avi Arad se muestra más pragmático: “Si un autor quiere crear un cómic, y autopublicarlo, y convertirlo en un gran éxito, que es lo que hizo McFarlane, ésa es su prerrogativa. Si quieren trabajar para una editorial y tener garantizadas tantas páginas al mes y así, eso es otro tema”.

A medida que pasan los años Marvel entra a formar parte de empresas mayores. El mismo Arad dice claramente, sin verle ningún problema, que lo que empezó como una editorial se ha convertido en una empresa de merchandising. Por eso me parece algo reseñable que Sean Howe deje aparcados en la recta final del libro los comentarios sobre cómo evolucionaban las colecciones y cómo se creaban nuevos personajes. No se trata sólo de que Marvel ahora se dedique al cine y el merchandising, también es que los pocos argumentos que menciona a partir de los 90 en adelante se quedan en anécdotas comparados con la trasgresión, la experimentación artística o las declaraciones políticas de los guionistas y dibujantes de los 70 y 80.

Lo curioso es que tampoco se puede criticar a Marvel por aparcar los cómics a un puesto secundario porque precisamente es lo que profetizaban los autores en los 70: "Sólo éramos un puñado de mocosos trabajando en la parte de atrás de Magazine Management. Nadie compraba cómics. Era una industria moribunda y lo sabíamos. A nadie le importaba. Sólo estábamos en esto para divertirnos. Pensábamos que para 1980 estaríamos todos buscando un trabajo de verdad" (Chris Claremont). "Confidencialmente, todo el mundo que está en la industria está buscando una salida, así que te sugiero que... te dediques a otra cosa. Dentro de 5 años no existirán los cómics" (Marv Wolfman).

Unas cincuenta páginas finales completan el libro con la historia de las ediciones nacionales de Marvel, lleno de curiosidades y datos. Por ser algo tan local pensaba que desentonaría con el tono del libro pero lo cierto es que es un complemento muy interesante. Personalmente destacaría el repaso histórico de la reedición de los primeros años de Marvel en España, el prueba y error hasta la exitosa ocurrencia de la Biblioteca Marvel.

Marvel Comics: La Historia Jamás Contada es directamente el mejor libro se podrá escribir sobre la historia de esta editorial. Será difícil que se publique otro estudio sobre el mismo tema que pueda hacer sombra a éste.

Nace Fandogamia Editorial

2013-04-10T11:30:00.001+02:00

(Copio y pego la nota de prensa:)

En realidad ya estamos entre vosotros desde hace mucho, pero todavía no nos codeábamos con LOS GRANDES. Probablemente nos conozcas o incluso ya hayas leído algo nuestro. Perdonadnos por funcionar al revés de lo acostumbrado: hemos preferido publicar tebeos primero y anunciarlo después. Con motivo del 31º Salón del Cómic de Barcelona nos decidimos a dar el salto para deciros ¡EH, QUE ESTAMOS AQUÍ!

FANDOGAMIA es una nueva forma de editar cómics y la respuesta a una necesidad: tebeos variados y económicos. Publicaciones con periodicidad y lanzamientos durante todo el año, comenzando por el primer número de FANDOGAMIA COMICS, una revista de historietas para que los lectores rompan mano con nuestro peculiar sentido del humor y que se pondrá a la venta a partir del jueves 11 de abril.

¿Pero es nuestra única publicación? No, ni mucho menos. FANDOGAMIA hereda el catálogo de tres colectivos de autores con muchos años de trayectoria: Studio Wargh (en activo desde 2007), Ruleta Rusa (desde 2003) y Studio Kat (desde 2002, ganadores al Premio a Mejor Fanzine del Salón del Manga de Barcelona 2011 y Expomanga 2012). Todas sus publicaciones continúan su recorrido bajo el sello de FANDOGAMIA, como los recientes HISTORIAS DE MUMBLEVILLE, KATZVengers o DOCTOR WARGH, que verán publicados nuevos números a lo largo del año.

¡Ven a conocernos al Salón del Cómic de Barcelona en el stand 82! A lo largo del fin de semana nuestros autores dedicarán sus obras, y el sábado a las 16:00 presentaremos la línea editorial prevista para el resto de 2013, además de responder de primera mano a las preguntas de los asistentes y alguna sorpresa más. Y si no puedes acudir al Salón nuestra tienda online estará abierta a partir del jueves 11 de abril en http://fandogamia.com.

HORARIOS DE FANDOGAMIA EDITORIAL DURANTE EL SALÓN DEL CÓMIC DE BARCELONA

VIERNES

11:00 Presentación de la Isla de Fanzines. Modera: Pedro “Kat” Medina (en la Sala de Actos)
16:00 Sesión de firmas en el stand: CRISTIAN TIMONEDA y MARC JANÉ CHACOPINO (Ruleta Rusa).
18:00 Sesión de firmas en el stand: MANUEL TORRES y PEDRO “KAT” MEDINA (Studio Kat)

SÁBADO

12:00 Sesión de firmas en el stand (Doctor Who in Session): CRISTIAN TIMONEDA, MARC JANÉ CHACOPINO y RUBÉN MENDHEL.
16:00 Presentación de novedades FANDOGAMIA EDITORIAL (Sala de Conferencias).
17:30 Sesión de firmas en el stand: MANUEL TORRES y PEDRO “KAT” MEDINA.
18:30 Sesión de firmas en el stand: DELFINA PALMA y GUILLERMO MORALES (FLAsCinDER).
19:30 Mesa redonda “El cómic independiente”. Con la intervención de Ediciones Babylon, Fandogamia Editorial, Autoeditores y Nestor F. (en la Sala de Actos).

Webs de interés

Fandogamia editorial http://fandogamia.com (operativa a partir del jueves 11 de abril)
Studio Kat http://studio-kat.net
Studio Wargh http://studiowargh.blogspot.com
Ruleta Rusa http://timoneda.es

Pyongyang, de Guy Delisle

2013-04-02T13:08:00.000+02:00

No hay discusión en que Corea del Norte es completamente lo opuesto de un jardín del Edén, pero hay formas y formas de decirlo y por eso este cómic no me termina de convencer. “Pyongyang” narra los dos meses que su autor, Delisle, pasó en este país trabajando como supervisor de animación. El cómic se divide en dos ámbitos, su trabajo y el día a día por un lado y la descripción del país por otro. El primero en general está muy bien explicado, pero en el segundo hay detalles que no me encajan.

No parece que Delisle haya tenido que comerse mucho la cabeza para poder encontrar ejemplos del estado policial y opresor que se vive en Corea. El culto al líder es tan obsesivo que todo el mundo tiene que llevar una insignia del presidente Kim Jong-il o de su padre en el pecho y en todas las habitaciones hay cuadros de los dos. Es un país completamente aislado del mundo, militarizado y lleno de miedo. Campos de concentración, tortura, pobreza, propaganda política continua…

El problema es que el autor no quiere ser imparcial desde el principio. Con su estancia Corea sólo quiere confirmar la información que había recibido antes, no matizarla con su experiencia. Ya desde un principio carga con un ejemplar de 1984 en la maleta dispuesto a hacer todos los paralelismos que pueda. Con lo que vemos en las noticias entiendo que Delisle dé esta imagen tan negativa del país pero me cuesta aceptar la arrogancia y la condescendencia de Hombre Blanco con la que trata a los coreanos. Ni siquiera la comida se salva de sus comentarios irónicos porque el mensaje está muy claro: no hay absolutamente nada bueno en Corea. Con reservas, a veces este cómic podría ser el equivalente actual de Tintín en el País de los Soviets

El Ministerio de la Verdad orwelliano ha funcionado perfectamente con los norcoreanos. Sus habitantes creen realmente que su líder es el mejor presidente del mundo y el juche, la única doctrina ideológica válida. Sin embargo, por la visión del mundo que tiene Delisle parece que el Ministerio de la Verdad de la sociedad occidental no se le queda atrás. Según el cómic parece que las películas militares propagandísticas sólo se hacen en Corea del Norte pero en nuestras carteleras nos tragamos el cine americano de acción a dos carrillos. Señala el hotel Ryugyong, un edificio gargantuesco sin terminar que nunca ha sido utilizado como si dentro de las democracias capitalistas no tuviésemos aeropuertos inmensos que se mueren de risa. Le echo en falta a este cómic un contexto más internacional, que compare la manipulación de la información que se hace en este país con la que por ejemplo se hace en EEUU, donde el Día Internacional de los Trabajadores no se celebra o se elimina la ideología marxista de Lincoln cuando se lleva su biografía al cine.

Sólo caben dos breves autocríticas a la política occidental. Por un lado, dos empresarios franceses colaboran con el régimen instalando un emisor de televisión en alta definición. En el otro, Delisle se da cuenta de lo que implica la deslocalización en los míseros sueldos que reciben los animadores coreanos.

Esta visión parcial posiblemente me molesta más por la cantidad de páginas que veo gastadas en trivialidades. Hay situaciones como las de los zapatos encima de la cama, el día de hablar sólo en poesía o los aviones de papel que no me parecen representativas, que no vienen a cuento de nada. Ahora bien, cuando habla de su trabajo como animador el cómic es una gozada. Delisle explica las dificultades de su trabajo (traducción, gestos que en Corea no se entienden, etc.) con ingenio, de manera comprensible para los que no sabemos nada de animación.

Este cómic lo tiene todo para ser recomendado. Su descripción de Corea del Norte es apasionante, sorprende a cualquiera, y las anécdotas sobre el mundo de la animación son interesantísimas. Es sencillo de leer, tiene un aspecto muy claro y agradable y bastante humor. Sin embargo creo que le falta un poco de espíritu autocrítico en algunas de sus páginas.

Cómics de humor breve

2013-03-26T16:38:00.000+01:00

El humor es un género muy complicado de producir, y dentro de esta categoría el subgénero más difícil debe de ser el del humor breve. La prioridad en este formato es el gag, que tiene que ser original, inesperado e inteligente. En este tipo de historias el dibujo no debe distraer, la claridad está por encima de cualquier floritura técnica.

Me parece que debe de ser muy complicado el subgénero porque yo me canso de leer siempre el mismo esquema. En dos o tres viñetas se prepara al lector para que espere una conclusión y en la última se produce otra diferente. Otro clásico: en la viñeta final un personaje se frustra porque esperaba otro remate. Si el chiste es de una única viñeta se suele producir un simple contraste entre el texto y la imagen. Las fórmulas se repiten una y otra vez, especialmente entre los principiantes y los aficionados, lo publiquen o lo cuelguen en internet. Cuesta encontrarse con gente creativa como Fontdevila, Montt, Liniers, etc.

Conozco muy pocas excepciones de humoristas originales en este estilo breve y directo. Ésta es una lista de mis recomendaciones personales:

Ni puta gracia
(64 páginas y 11€ en Planeta, 64 páginas y 9€ en ECC)
La traducción del título alemán original (Nichtlustig, “sin gracia”) es un ejemplo de cómo en España parece que necesitamos las palabrotas para reforzar el humor… Realmente los gags tienen un estilo bobo, muy ingenuo. En un pequeño recuadro Joscha Sauer realiza una o varias conexiones inesperadas utilizando arquetipos y escenarios muy reconocibles (animales, profesiones…) Las va subiendo a internet, pero para los que no entendemos el alemán afortunadamente nos quedan los tomos de Planeta y el que va a publicar ECC en abril. Espero que ECC no cometa el mismo error que Planeta con el tercer tomo y utilicen el tipo de letra que Sauer, que recuerdo que se podía descargar de su página web.

Johnny Ryan para niños
(104 páginas, 13€)
Aunque este dibujante es mucho más conocido por un humor más irreverente y provocador (Juventud Cabreada) o por cómics de violencia exagerada (Pudridero) a mí lo que más me ha gustado es este librito. Ryan juega con un absurdo naíf y juegos de palabras tontos. En estos chistecitos desarrolla un universo de personajes sonrientes con una facilidad tremenda para la tontería.

El libro de los conejitos suicidas
(96 páginas y 10€ los dos primeros, 160 y 13€ el tercero)
El humor inglés siempre juega con el contraste. En este caso tenemos pequeños y adorables conejitos blancos que buscan las formas más retorcidas y originales de morir. A lo largo de tres recopilatorios Andy Riley se estruja las neuronas para ingeniar mil formas de suicidio, tanto imposibles como posibles, utilizando con mucha frecuencia referentes de la cultura popular (Star Wars, Terminator, Doctor Who…) El humor surge tanto de la sorpresa al ver un plan de suicidio directo, por lo macabro, como de otro más retorcido, por tener que descifrarlo.

La Hermandad de la Biblia Perry
(152 páginas, 20€)
Los registros de Nicholas Gurewitch en este tomo son muy variados. El dibujo abarca desde monigotes blancos a escenas hiperrealistas y detalladas, siempre con una obsesión por la variedad de tipos de letra increíble (la edición de Astiberri para mi gusto no consigue estar a la altura en este detalle). En el humor, aunque tiene chistes ingenuos e inocentes, se centra principalmente en la violencia, el sexo y la muerte. Gurewitch disfruta con el absurdo, las asociaciones de ideas, las metáforas visuales y el contraste entre las imágenes agradables y un significado morboso.

Humor Cristiano
(128 páginas, 18€)
Para los sensibles aviso que Alberto González Vázquez consigue el humor por lo general a partir de la escatología, pero reducir su estilo a eso me parece injusto. El autor antes que nada es ingenioso y preciso, juega con los conceptos y las frases hechas de una manera realmente inteligente. En los chistes de varias páginas lleva las situaciones al absurdo y las mantiene el tiempo necesario hasta finalizarlas con conclusiones inesperadas. En las viñetas sueltas consigue que las relaciones entre las imagen y las frases sean completamente inesperadas.

Expomanga 2013 ya tiene cartel oficial

2013-03-25T18:40:00.000+01:00

El Salón del Manga y la Cultura Oriental de Madrid – Expomanga 2013 ya tiene preparado el cartel de la que será su duodécima edición, una nueva celebración marcada en esta ocasión por el regreso del evento al Recinto Ferial de la Casa de Campo los próximos 10, 11 y 12 de mayo. Para esta nueva convocatoria, la organización presenta un trabajo realizado en colaboración con la Editorial Babylon, que ha reunido a tres de sus más jóvenes y brillantes talentos para ofrecer a los aficionados una colorida y delicada composición que rinde tributo a la eterna juventud que recorre la viñeta nipona, una de sus manifestaciones artísticas y culturales más relevantes, revoltosas e inagotables. Marta Nael, Henar Torinos y Daniel Alarcón han bordado una pequeña gran obra que nos traslada a un sueño intemporal desde el que disfrutar de la mayor de nuestras aficiones.

Marta Nael. Esta barcelonesa, ganadora del Premio Expomanga 2012 al Mejor Ilustrador Español, cursó estudios de Bellas Artes para encontrar en la ilustración digital el campo en el que más cómoda se siente a la hora de desplegar su talento. Con señas de identidad como espectaculares paisajes de ensueño, mujeres hermosas y escenas oníricas que invitan a perderse en un mundo de color y fantasía, su libro de ilustraciones “Impressions. The Digital Art of Marta Nael”, ha contado con una gran acogida nacional e internacional, lo que le ha valido una segunda edición tras agotarse los ejemplares de la primera tirada. Un aviso del futuro que le espera, lleno de proyectos e inmediatos triunfos.

Henar Torinos. Vallisoletana de nacimiento y madrileña de adopción, encuentra su trabajo más reconocido hasta el momento en la saga corta de dos cómics formada por “Mala Estrella. The First Station” y “Mala Estrella. The Second Station” (2010-2012), Premio al Mejor Autor de Manga Español en el XVIII Salón del Manga de Barcelona. A pesar de su juventud exhibe ya una precisa personalidad en el estilo de sus ilustraciones, distintivo intransferible que se refleja en cada una de sus briosas composiciones. Hay que destacar, además, que Torinos es la creadora de la popular mascota de Ediciones Babylon, el simpático gato Mimitos que forma parte del imaginario colectivo de los incondicionales del manga en nuestro país… y más allá.

Daniel Alarcón. Otro talento inquieto. Nacido en Menorca y criado artísticamente en la Ciudad Condal, este artista mayúsculo ha trabajado en el campo de la moda, la animación o el retratismo, aunque su espacio natural es la ilustración, a la que aporta un toque oscuro y gótico que marca su seña de identidad principal; y el panorama nacional le debe un soplo de aire fresco que toma la forma de “Rara Avis. The art of Daniel Alarcón”, publicado por Babylon el pasado 2012. Cuenta con un amplio catálogo de obras en los más diversos formatos, sean posters, lienzos o láminas de coleccionista, dispuesto para transportar al observador a una realidad palpable y tremendamente sugerente.

La Massana Còmic presenta la “Historia de Andorra” en su XVII edición

2013-03-19T13:18:00.001+01:00

Andorra La Vella, 19/03/2013-, Los próximos 22, 23 y 24 de marzo se celebra la XVII edición de La Massana Còmic, que tendrá lugar en la cala de la Closeta y en el Museu del Còmic, situado en la plaza de les Fontetes. La presente edición cuenta con la presencia de autores de renombre como Carlos Ezquerra o Joan Navarro, y también exposiciones, conferencias, presentaciones y un nuevo mercado popular de intercambio de comics.

La Massana Còmic llega a su XVV edición y este año se avanza un mes la fecha de inicio respecto certámenes anteriores con el objetivo de atraer al público de invierno y anticiparse al Saló del Còmic de Barcelona. Se trata de una prueba piloto para aprovechar la afluencia de visitantes de la temporada alta de invierno y darlo a conocer a otro tipo de público.

Para ir abriendo boca, dos días antes del inicio del Saló, en el Museu de La Massana Còmic se expone una muestra dedicada al dibujante Carlos Ezquerra, creador del comic Juez Dredd. La exposición cuenta con un seguido de portadas y planchas originales de Juez Dredd, su personaje más destacado, realizadas con papel y lápiz. Se proyecta, también, la película Dredd, dirigida por Peter Travis. La muestra se podrá visitar durante un mes y medio.

Dentro de las fechas oficiales del Saló, destaca la exposición de una colectiva dedicada a Hazañas Bélicas, del histórico editor de Glénat e impulsor de Editores de Tebeos, Joan Navarro, en el edificio de la Closeta. Se trata de la unión de las antiguas Hazañas Bélicas con el nuevo proyecto Nuevas Hazañas Bélicas, donde se muestra una selección de dibujos de los distintos autores que se han ido encargando del producto a lo largo del tiempo. Para comentarlo, asisten Jordi Langarón y Enrique Ventura.

En el Saló se estrena La Història d’Andorra, de Aloma Editora, el comic con guión e ilustraciones del andorrana Jordi Planellas que narra la evolución del Principado desde el Big Bang hasta la apertura económica, de forma humorística y nada pesada, pero sin faltar a la realidad. También se realiza una exposición alrededor de Spiderman, acompañada de la proyección de películas protagonizadas por el superhéroe de Marvel. Además, se ha creado una nueva actividad para hacer participar a los visitantes: un mercado popular de compraventa de comics.

La XVII edición cuenta, también, con la presencia de otros autores destacados como Miquel Beltrán, y su reedición de las aventuras de Marco Antonio; Kenny Ruiz, y sus dibujos de estilo manga; David Ruín, con su personaje El Héroe y Esteban Maroto, considerado una estrella del noveno arte en Estados Unidos.

Más información: http://www.lamassanacomic.com/index.php/salo/107-la-massana-comic-2013

Turismo del cómic en Bruselas

2013-03-13T12:17:00.000+01:00

El cómic en Bélgica (y después en Francia) ha conseguido a lo largo de la historia alcanzar una mezcla perfecta entre el producto popular y el intelectual. Sus autores se esmeraron en crear y desarrollar personajes que no sólo resultasen interesantes para los lectores de todas las edades sino que también sirviesen como objeto de estudio de teóricos y críticos. El cómic en Bélgica está posiblemente más vivo que en ninguna parte.

No sólo el cómic belga es interesante para los habitantes de este país sino que este medio ha dado a luz iconos que son conocidos internacionalmente. No hay nadie que no haya oído hablar de personajes como Tintín (Hergé), Lucky Luke (Morris) o los Pitufos (Peyo), y sin profundizar demasiado es fácil conocer también a otros como Spirou (Rob-Vel), Tomás el Gafe (Franquin), etc. Imagino que por esta tremenda difusión es por la que actualmente Bruselas es la ciudad más relacionada con las historietas, donde los turistas pueden ir allí a hacer un "turismo de tebeos".

Murales
Una primera ruta turística podría consistir en visitar los más de 50 murales protagonizados por personajes de la BD francobelga que decoran la ciudad. El cómic no está encerrado en conferencias, vitrinas ni en pequeños locales sino en el día a día de la calle. Aquí hay un plano para localizarlos todos y aquí una lista que parece bastante completa. En este otro enlace hay más fotos con comentarios y explicaciones en español. A continuación una pequeña muestra: Tintín, Lucky Luke, Blake y Mortimer, Tomás el Gafe, Bill y Bolita, Astérix, Corto Maltés, el Señor Jean y Titeuf.

Fuente

Tintín
El segundo paseo por la ciudad podría girar alrededor de Tintín. Por ejemplo, una propuesta sería viajar por los (pocos) lugares que este personaje visitó a lo largo de sus álbumes. Uno puede empezar por la rue Terre-Neuve, la calle en la que vivía Tintín antes de mudarse a Moulinsart (se ve en El cetro de Ottokar, El cangrejo de las pinzas de oro, La estrella misteriosa y Las 7 bolas de cristal) para después acercarse a la place du Jeu de Balle, donde se instala el que se conoce como "mercado de las pulgas" que aparece al comienzo de El secreto del unicornio (de hecho es por el nombre por lo que Milú no deja de rascarse). Para disfrutar de El centro de Ottokar en directo uno puede visitar primero el Parque de Bruselas por el que pasean Tintín y Milú en la primera página y después dirigirse al Palacio Real en el que Hergé se basó para diseñar el del rey de Syldavia. Dos localizaciones de los cómics más serían el observatorio de Uccle (que sirvió de inspiración para el que aparece en La estrella misteriosa) y el hotel Métropole (visto de fondo en la página 20 de Las 7 bolas de cristal).

El mercado de las pulgas (fuente)

Cuatro lugares que también hay que mencionar:

Rue du Lombard, 55, la sede de Editions du Lombard desde donde se editó el semanario Tintin entre 1946 a 1958.
La Boutique Tintin, regentada por la hija de Tchang Tchong-Jen, el amigo de Hergé que apareció versionado en los cómics como Tchang.
El Museo Hergé, abierto en 2009. (En su inauguración Moulinsart ya tuvo un encontronazo con los periodistas por limitar las fotos que se podían tomar y las que no).
Una idea original consiste en visitar el Museo del Cincuentenario donde Hergé se pasaba con frecuencia para buscar inspiración y documentarse.

Museo Hergé

El fetiche chimú en el que se basó Hergé para La oreja rota

está expuesto en el Museo del Cincuentenario

Museos del cómic
Por último y tal vez más importante quedarían por mencionar dos museos sobre el cómic. El primero es el Centre Belge de la Bande Dessinée (CBBD), o Centro Belga del Cómic. Fue inaugurado en 1989 y desde entonces se ha convertido en una de las atracciones turísticas más importantes de la ciudad. Además de promover el cómic este lugar es un centro de documentación donde también se realizan exposiciones (permanentes y temporales), conferencias, talleres…

El segundo sería La Maison de la Bande Dessinée, inaugurado en 2004 como Musée Jijé (dedicado a Jijé, un autor al que se compara en importancia con Hergé) y reabierto en 2006 con su nombre actual. Se centra principalmente en contar la historia del tebeo belga a través de Le Journal de Spirou.

Halo Jones, la adaptación teatral

2013-03-12T11:38:00.000+01:00

No tenía ni idea de que existía una adaptación al teatro de Halo Jones. No es precisamente uno de los cómics más recordados de Alan Moore pero parece que sí es uno de los más representados sobre las tablas.

La Balada de Halo Jones (1984-1986) es un cómic de ciencia ficción atípico, especialmente para el estándar del género dentro de la revista 2000 AD. En esta revista la ciencia ficción se basaba principalmente en personajes del estilo del Juez Dredd, tipos duros y violentos encargados de luchar contra el mal. Con Halo Jones Alan Moore pretendía mostrar un costumbrismo futurista, unas historias en las que ir a hacer la compra al supermercado fuese una pesadilla distópica. Al menos en principio ésa era la idea.

Estaban planeadas nueve partes a lo largo de las cuáles Halo Jones iría envejeciendo pero la idea se fue al traste. No encuentro ahora el dato pero creo recordar que IPC reeditó los cómics de Halo Jones sin pagar a sus autores derechos de autor, por lo que Moore decidió que ése era el final del personaje. La historia quedó inconclusa en el tercer libro de estos nueve, lo que es una lástima porque prometía mucho.

Es interesante que un cómic que no termina tal y como querían sus autores sin embargo haya conseguido tanto éxito. En 1987 los dos primeros libros fueron adaptados como obra de teatro en el Festival de Edimburgo. Al año siguiente la compañía Red Theatre llevó la representación a lo largo de Reino Unido. Unas fotos de estos actores sacadas del 2000 AD Sci-Fi Special 1988:

Se volvió a representar en 2001 en el Edinburgh Festival con este guión, por si alguien se anima a traducirlo y repetirlo por estas tierras.

En 2012 fue representado de nuevo en el pub Lass O' Gowrie de Manchester utilizando la siguiente imagen como poster y flyer:

Y una última representación en Leeds, en noviembre de 2012. En este enlace hay una buena colección de material (flyers, programas, entradas...) sobre todas estas adaptaciones.

Flex Mentallo

2013-03-11T18:04:00.000+01:00

Hay veces en las que me siento completamente desconectado de la opinión mayoritaria en cuestión de tebeos. Leo varias críticas sobre un cómic y soy incapaz de entenderlas, no las comparto en absoluto. Parece que hay una presión de grupo, que nadie se atreve salirse de la norma como en los experimentos de Asch, como si dar una opinión personal que se aleje de la descripción que da la editorial fuese algo terrible. Por ejemplo, con Flex Mentallo.

Se trata de un cómic escrito por Grant Morrison y dibujado por Frank Quitely que fue publicado en cuatro grapas durante 1996. El personaje ya había sido utilizado en la colección Doom Patrol unos años antes pero por lo que sé no debe de haber ninguna relación “necesaria” con este cómic, se puede entender de manera independiente. El personaje es una caricatura del famoso Charles Atlas que aparecía en la publicidad de los comic-books americanos anunciando un programa de ejercicios para convertirse en un titán como él. Precisamente por esta parodia es por lo que este cómic no ha podido reeditarse hasta hace poco ya que los herederos de Charles Atlas interpusieron algún tipo de demanda con DC (se utilizan al menos tres frases del anuncio original dentro de este cómic, puede que haya influido).

El anuncio original de Charles Atlas, se le hace referencia
a él incluso en Rocky Horror Picture Show.

Un ejemplo de este tipo de publicidad en los
tebeos de Bruguera: el "Charles Atlas español".

Flex Mentallo como cómic se apoya en dos temas: la relación que hay entre los superhéroes y las personas, y la relación entre universos o niveles de consciencia, realidad y ficción, etc. Es decir, un clásico en la carrera de Morrison desde que la ruptura de la cuarta pared de Buddy Baker se convirtió en una trama principal y no un guiño aislado al lector. Además, el guionista aprovecha para dar su visión sobre la historia del cómic de superhéroes.

La historia se ambienta en dos realidades. En una, Flex Mentallo, igual que Animal Man, cree que es real (se "volvió real" en la colección de Doom Patrol) cuando lo cierto es que protagoniza las historietas mal dibujadas de un niño, Wally Sage. En la otra Sage descubre que las historietas de Flex las dibujó inspirado por superhéroes reales (de los que está formado, los que crearon la “realidad”), una revelación con la que consigue transformarse en un superhéroe y abrirles las puertas de la existencia tangible. Posiblemente el contraste más interesante entre las dos historias es que Sage tiene miedo de sentirse observado, como se intuye cuando dice que hay “gnomos que miran cómo me desvisto”. Es decir, Sage tiene miedo de ser un personaje mientras que Flex parece que evoluciona desde creer que es real hasta darse cuenta de que sólo es un catalizador y despedirse del lector.

El debate que hubo alrededor de la nueva edición fue sobre el nuevo coloreado,

realizado bajo la supervisión de Quitely. Yo no le veo pegas.

Todo esto tiene más sustancia si nos damos cuenta de que este cómic se publicó cuando las tierras múltiples estaban prohibidas dentro de DC Comics (“son restos de un millar de tierras paralelas fuera de fase”). Aquí Morrison está planteando un universo dentro de otro y dentro de otro, como un juego de muñecas rusas, o como los niveles del sueño en Inception. Flex Mentallo viene de los cómics de Doom Patrol que él considera ficticios, pero él mismo es ficción dentro del universo de Sage, que es ficticio desde nuestro punto de vista. De paso Morrison aprovecha para establecer un paralelismo entre las Crisis en Tierras Infinitas de Wolfman y Pérez con el miedo a la Guerra Fría y la bomba atómica.

En algunos momentos las conexiones entre ficción (cómic dentro del cómic) y realidad (cómic) son más fáciles de encontrar que en otras. Por ejemplo, uno de los mentalios que debilita a Flex es el de cordero y pavo, los ingredientes de la comida del gato del primer número. Hay más pero son obvias, como las bombas, las manos mojadas, la pecera… La idea es que los superhéroes tuvieron que huir de la realidad, convertirse en personajes imaginarios que habitan dentro de la “incertidumbre cuántica” (por llamarla de algún modo) de las partículas nucleares para poder sobrevivir a un cataclismo. Desde ese micromundo forman parte de nosotros y nos inspiran ideales heroicos para que poder ser recordados. Es decir, que ya no estamos formados de polvo de estrellas como decía Carl Sagan sino de "polvo de superhéroes".

Éste es el segundo aspecto de la historia, el cómo los ideales de los superhéroes transforman a las personas, o cómo todos podemos ser (o incluso somos) superhéroes. No solamente estamos formados por estos microseres del tamaño de femtómetros sino que, como insinúa Mentallo cuando habla de los mentalios, podemos ser un superhéroe y no recordarlo.

El superhéroe de Morrison no es retorcido ni angustiado, es un personaje orgulloso y satisfecho, poderoso, que no se avergüenza (o no es consciente) de su ridiculez. Su superhéroe no es oscuro ni realista, sino absurdo, naif, ingenuo y bienintencionado. Un completo boy-scout que pide leche en un bar y no distingue a un travesti de una mujer. Morrison defiende un superhéroe inspirador, un modelo a seguir como el que describe en All-Star Superman: “les has dado un ideal al que aspirar”.

Flex altera la realidad flexionando los músculos.

Después de todo lo dicho, ¿funciona como cómic? Personalmente, creo que falla estrepitosamente. No existe realmente una historia, todo es una exposición atropellada de estas reflexiones mal explicadas y sin ritmo. Quienes se quejen de la trama de piratas de Watchmen es lógico que aquí digan que la historia de Mentallo no tiene ningún sentido. Es cierto que no es un error, es un efecto buscado: “cuando eres un crío simplemente lo haces. Ni siquiera piensas en ello. Es puro”. Es puro, pero también absurdo, avanza a golpe de deus ex machina, sin coherencia. No la tiene porque además Morrison acumula tantas ideas que se olvida de contar una historia con personajes con carisma o que hagan algo. El guionista escribe sólo para el lector creyente, para el “friki” de los superhéroes que quiere leer superhéroes que hablen sobre superhéroes. Se trata de filosofar sobre el lado místico de la esencia de estos personajes de una manera pretenciosa, confusa y desordenada.

Me cuesta recomendar este cómic, ni para gente que suela leer cómics de tíos en mallas ni muchísimo menos para gente no los lea. Este tebeo tan enmarañado y endogámico sólo puede estar pensado para alguien que tenga en la cabeza las mismas opiniones que Morrison.

Los dibujantes españoles de Alan Moore

2013-03-04T09:02:00.000+01:00

Adolfo Buylla
Dibujante de cómics zaragozano (1927-1998) que curiosamente fue amigo de la infancia de Al Williamson (Flash Gordon, Agente secreto X-9, Star Wars…) y estuvo muy influenciado por Will Eisner. Cuando volvió del exilio a España en 1948 adaptó al cómic el popular héroe futurista de los seriales radiofónicos, Diego Valor. Dentro de Bruguera colaboró con algunos cuadernillos del Capitán Trueno y El Jabato. Con los años recibiría los premios Haxtur al Autor que Amamos (1992) y el Premio del Diario de Avisos de Tenerife como Mejor Dibujante (1996). También trabajó mucho para agencias (Marvel, DC, Pacific, Charlton, Warren...) con lo que en algún momento acabó cayendo en sus manos un guión de 15 páginas firmado por Alan Moore, The Pandora Effect, publicado en el Star Wars (UK) #151 (1981).

José Casanovas
La colaboración de este prolífico dibujante barcelonés (1934-2009) con Alan Moore se redujo a una pequeña historia de dos páginas en el 2000 AD #245 (1982), A Second Chance! Su carrera estuvo enfocada principalmente al mercado extranjero para revistas británicas, italianas, alemanas, holandesas… tanto en los géneros de acción como el romántico. En España dibujó El Jabato durante un tiempo y colaboró con las adaptaciones literarias de Bruguera.

Jesús Redondo
Se trata de un dibujante vallisoletano nacido en 1934. Su trabajo abarca diferentes géneros (romántico, aventura...) y ha sido publicado principalmente en el extranjero en revistas británicas como Diana, Jackie, 2000 AD, Starlord, Tornado, Scream!, Eagle… También ha dibujado cómics de Star Trek para Marvel y la colección de tres números Kitty Pryde Agent of SHIELD. Con lo abultada que es su producción casi fue inevitable encargarse de un total de seis cómics (20 páginas en total) de Alan Moore a partir de 1982 para 2000 AD.

The Writing on the Wall! (2000 AD #268, 1982, dos páginas): dos astronautas llegan al final del universo y encuentran una gran pared de ladrillos.
One Christmas During Eternity! (2000 AD #271, 1982, dos páginas): unas navidades ambientadas en un futuro donde las personas son inmortales.
Sunburn (2000 AD #282, 1982, cinco páginas): la policía persigue a Rorschach Skubbs en una colonia solar por haber cometido un asesinato.
Ring Road (2000 AD #320, 1983, cinco páginas): una joven psicópata está atrapada en un coche que viaja en el tiempo.
The Time Machine (2000 AD #324, 1983, cinco páginas): Harry Bentley quiere construir una máquina del tiempo para arreglar sus errores del pasado.
Rogue Trooper: First of the Few (2000 AD Annual 1984, 1983, seis páginas): Rogue es un soldado modificado genéticamente que tiene tres compañeros almacenados en biochips en su fusil, su mochila y su casco. Durante una misión se encuentra con otro soldado que quiere morir.

José Villarrubia
Este madrileño nacido en 1961 es un pintor y fotógrafo que se dedica a la enseñanza en diferentes universidades de EEUU. En su tiempo libre colorea cómics para Marvel y DC colaborando especialmente con dibujantes como Paul Pope, Jae Lee, Bill Sienkiewicz, Kaare Andrews, etc. Ganó el premio Harvey en 2011 por el coloreado de Cuba: My Revolution y ha sido nominado dos veces para los Eisner. Ha colaborado con Alan Moore en tres ocasiones. La primera, en los números 7 y 12 de Promethea y en las portadas de las ediciones en tapa dura. Las otras dos consisten en las ilustraciones para los libros publicados por Top Shelf Productions bajo los títulos Voice of the Fire (1996), una novela sobre doce personas de Northampton a lo largo de 6000 años, y The Mirror of Love (2004), una colección de poemas sobre la historia de la homosexualidad.

Daniel Torres
Nacido en Valencia en 1958. Consiguió sus primeros éxitos con Opium y Roco Vargas, un personaje con el que recibiría en 1986 el Premio Haxtur al Mejor Dibujo por el álbum Saxxon. Su siguiente premio llegó en 1993 por esa maravilla que es El Octavo Día, Premio a la Mejor Obra Española en el Salón del Cómic de Barcelona. Desde aquí parece que intentó un breve salto a EEUU colaborando en el Sandman Mistery Theatre #50 (1997) con el guión de Matt Wagner y Steven T. Seagle, y en una historia de 10 páginas junto a Alan Moore para The Spirit: The New Adventures #3 (1998), Last Night I Dreamed of Dr. Cobra.

Sergio Aragonés
¿Contamos a Sergio Aragonés como autor español a pesar de que toda su vida la ha pasado fuera del país? La mención que voy a hacer en este artículo es muy breve por lo que espero que nadie se queje. Nacido en Castellón en 1934, con 25 años empezó a trabajar en Estados Unidos en la revista MAD. En 1982 creó al popular Groo, parodia de Conan, una colección a la que luego se añadirían otras como Fanboy, Sergio Aragonés Massacres Marvel, Sergio Aragonés Destroys DC… Incluso ha colaborado en los tebeos actuales de The Spirit y Simpsons Comics. Casi diría que la cantidad de premios que tiene es innumerable… En 2001 dibujó seis páginas con guión de Alan Moore para America's Best Comics Special, The First First American, una divertida historia sobre el antepasado más lejano del superhéroe Primer Americano ambientado en los primeros años de la historia de los Estados Unidos.

Juan José Ryp
Este gaditano nacido en 1971 es un dibujante que se caracteriza por un estilo barroco, muy detallista, influenciado por Geof Darrow. Con ayuda de El Torres consiguió entrar poquito a poquito en el mercado americano con pequeños encargos hasta pasar a dibujar personajes como el Castigador, Lobezno, Caballero Luna… Su primer trabajo relacionado con este artículo fue publicado en Magical Mistery Moore (2001), una recopilación de adaptaciones de poemas y canciones de Alan Moore realizadas por diferentes artistas (entre los que se encontraban otros españoles: Vicente Cifuentes, Sergio Bleda, Martín Ceres, Fred Torres y Aitland). La edición fue realizada por la editorial española Sulaco y del guión se encargó Art Brooks. La idea debió de convencer en EEUU porque al año siguiente se reeditó en EEUU con el título Alan Moore's Magic Words (2002).

Poco después se publicó otra adaptación del trabajo de este escritor, Alan Moore's Another Suburban Romance (2003), con guión de Antony Johnston. En esta ocasión se trató de 64 páginas en blanco y negro en las que se trasladó lo que originalmente era una obra de teatro. Otro cómic de Ryp para ese año fue Zaman's Hill, la primera historia de Alan Moore's Yuggoth Cultures and Other Growths #1 (2003) con guión una vez más de Antony Johnston. Esta colección contenía adaptaciones de poemas de Moore, reediciones y páginas inéditas.

Lorenzo Lorente
El último autor de esta lista es un murciano nacido en 1974 que ha destacado por algunos trabajos en Avatar Press (con Warren Ellis por ejemplo) y por dibujar una colección de tranding cards para Marvel. En 2003 dibujó bajo el guión de Antony Johnston la adaptación al cómic de la novela Hypothetical Lizard, escrita por Alan Moore en 1988.

El cómic español en el NO-DO (1945-1979)

2013-02-15T08:36:00.000+01:00

04-06-1945. Arte. El dibujante humorista Valentín Castanys. (Minuto 0:30)

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13-12-1948. Humor. El director de "La Codorniz" convertido en aeromozo. (Minuto 0:26)

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10-01-1966. La era espacial y los Reyes Magos. Fantasia augural del dibujante Munoa. (Minuto 8:17)

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11-03-1968. Original exposicion fotográfica de Alberto Schommer, en la que fotografía entre otros al dibujante Máximo mientras dibuja. (Minuto 1:09)

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09-12-1968. II Salón Nacional de Humoristas en Madrid. Homenaje al dibujante Manolo Garrido. (Minuto 1:28)

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04-10-1971. Historietas gráficas a millones. El auge de los "cómics" al cabo de 30 años de su invención. (Minuto 4:45)

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13-12-1971. "K-hito". Reportaje sobre el veterano humorista-dibujante. (Minuto 5:06)

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03-01-1972. Humorista Pablo. Reportaje de un creador de risas y sonrisas. Ingeniosa función crítica de un dibujante. (Minuto 3:43)

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13-05-1974. La risa. (Minuto 4:42)

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12-12-1977. Un Mihura "inédito". Imágenes ineditas del gran comediógrafo y humorista que comenzó su carrera como dibujante. (Minuto 0:18)

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26-12-1977. Ilustradores españoles. Ibáñez. Mortadelo y Filemón, dos personajes de historietas infantiles que han dado la vuelta al mundo. (Minuto 4:51)

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13-03-1978. Un ilustrador catalán. El dibujante Enrich, famoso en el mundo entero por sus ilustraciones de obras literarias. (Minuto 0:17)

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11-12-1978. Esteban Maroto. Un dibujante e ilustrador español que ha logrado fama internacional. (Minuto 2:24)

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12-02-1979. "Vampirella". Un personaje de "cómics" que ha hecho popular el dibujante catalán José González. (Minuto 4:17)

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Coop57, banca ética post-Bruguera

2013-02-14T10:49:00.000+01:00

Se consideran como precedentes de las finanzas éticas a los cuáqueros (que se oponían a la financiación del tráfico de esclavos, la producción de alcohol o la industria del juego), aunque no es hasta la década de los 60 cuando podemos hablar con propiedad de la banca ética. Este tipo de economía surgió en EEUU con la intención de dar la espalda a las empresas que apoyasen la guerra de Vietnam.

El objetivo de las finanzas éticas es evitar la contradicción de apoyar económicamente aquellas actividades con las que no se está de acuerdo por motivos ideológicos (daño al medio ambiente, fabricación de armas, etc.) Por otro lado, se busca también dar más importancia a la financiación de proyectos que pretenden mejorar el mundo que aquellos que sean más rentables. Una de las asociaciones que actúan de esta manera es la cooperativa española Coop57.

El origen de Coop57 se encuentra en la lucha de 57 antiguos trabajadores de la editorial Bruguera para mantener su puesto de trabajo en 1987. Gracias a una larga lucha (mediante ocupaciones, encierros y huelgas de hambre) consiguieron que en 1989 el Tribunal Supremo les diese la razón y que la empresa les pagase sus indemnizaciones por despido. Toda esta suma se dividió en tres partes que se distribuyó para ayudar a la Nicaragua sandinista, a los jornaleros andaluces en Alicante y para formar Coop57. Esta organización se formó en Cataluña en 1996 (aunque no fue operativa hasta 2001) con la intención de crear puestos de trabajo de calidad y financiar exclusivamente proyectos de economía social.

La actividad de Coop57 se basa en los principios de coherencia, transparencia, solidaridad y participación. En un principio se vinculó especialmente con empresas cooperativistas pero poco a poco amplió su base social a entidades de economía social y solidaria. Sus servicios sólo están destinados a organizaciones (una persona física no puede abrir una libreta de ahorro) que además tienen voz y voto en las asambleas territoriales.

En 2005 se trasladó este mismo modelo (su base jurídica y técnica) a otros territorios pero no de manera jerarquizada sino local. Cada una de las nuevas sedes sería autónoma y tomaría sus decisiones basándose en las necesidades y características de cada zona. De ese modo se abrió primero Coop57 Aragón y en los años siguientes los equivalentes en Madrid, Andalucía y Galicia.

Para ampliar información: la web de Coop57, un interesantísimo análisis económico de El Blog Salmón, y un reportaje de Documentos TV (habla de Coop57 a partir del minuto 27:00, y tiene imágenes del desalojo de Bruguera en 1987 en el minuto 41:50).

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Documentos TV - Finanzas éticas

Parodias

2013-01-24T11:20:00.000+01:00

El género de humor no está muy bien considerado en ningún medio. Una comedia nunca llegará a ganar jamás 11 Oscar de la Academia como sí los puede conseguir cualquier drama o cualquier película de aventuras. Ningún libro de humor superará en recomendaciones a un libro serio. Ningún cómic con chistes conseguirá más reseñas que otro intimista o aventurero. Y de entre todos los cómics de humor los más despreciados son las parodias. Son ninguneados tanto por los críticos como por el resto de autores, ninguneados como plagios o ejercicios perezosos, como si la parodia en el cómic fuese algo excepcional dentro de la cultura del ocio.

Realmente la parodia fue un subgénero creado en la Grecia clásica con la intención de ridiculizar los relatos épicos. Actualmente se consideran parodias tanto las que se burlan de una obra de arte, de una persona, de un tema, etc., como las que son sólo una variación cómica, sin desprestigiar al original. Las parodias se han dado en todos los medios, tanto como obras completas o como breves guiños aislados. Su objetivo es atacar al formalismo, poner en entredicho lo establecido y reivindicar la marginalidad. No faltan críticos que añaden que además las parodias son obras intertextuales que necesitan de una doble lectura: la propia historia en sí misma y las referencias que incluye.

Entre las novelas destaca principalmente el Don Quijote de la Mancha de Cervantes, una burla a las novelas de caballerías que se habían vuelto muy populares entre los lectores de la época. Sin embargo, cuando la parodia literaria realmente ganó terreno fue en el s. XIX de la mano de autores como Marcel Proust, T. S. Elliot y Ezra Pound. Desde ese momento los críticos literarios dejaron de ver como algo negativo su naturaleza derivativa y marginal.

En el mundo de la música este tipo de obras no son menos frecuentes. Por ejemplo, Mozart parodió a lo que consideraba los malos compositores de su época en Una broma musical (Ein Musikalischer Spaß), una pieza llena de errores armónicos y rítmicos. Otro ejemplo está en Saint-Saëns y su Carnaval de los animales, en el que versiona de manera muy lenta el Can Can para la composición de las Tortugas, o varias canciones populares y una Danza Macabra para los Fósiles. También se considera que los orígenes del rock & roll están en un blues de 1947 de Roy Brown, Good Rocking Tonight, que era una parodia de las canciones de góspel.

Dentro del cine y la televisión se pueden destacar a los británicos Monty Python, cuyo cine consiste en versiones cómicas de las leyendas artúricas (Los caballeros de la mesa cuadrada) y los textos bíblicos (La vida de Brian). El director Mel Brooks también ha sido muy prolífico en este género: Las locas, locas aventuras de Robin Hood, La loca historia de las galaxias, El jovencito Frankenstein, etc. En Los Simpson se versionan continuamente referentes culturales muy variados de diferentes maneras. En algunos casos la referencia se reduce a un pequeño guiño, en otros puede ser un personaje (McBain como parodia de Schwarzenegger, Rex Banner como Eliot Ness, Roger Meyers Sr. como Walt Disney), mientras en otros el capítulo entero puede ser una versión de otra historia anterior, como los Solfamidas (Los Beatles), Expediente X, Shary Bobbins (Mary Poppins), etc.

Dentro del mundo del cómic las parodias, los cómics independientes y la autoedición tuvieron el mismo origen: las biblias de Tijuana. Se trata de unos pequeños cuadernos ilegales y clandestinos de 8 hojas en los que mostraban personajes populares de época, especialmente de tiras de prensa, manteniendo relaciones sexuales. Alan Moore y Dave Gibbons hicieron referencia a este tipo de cómics en las primeras páginas de Watchmen porque desde un punto de vista irónico su intención con ese cómic no se encontraba muy lejos de esos cuadernillos.

Estos cómics perdieron popularidad después de la Gran Depresión hasta que en 1952 el guionista y dibujante Harvey Kurtzman con ayuda de gente como Bill Elder, Jack Davis, Wally Wood, John Severin, etc. recuperó el género para la revista MAD. En cada cómic se incluían 4 historias que versionaban tanto géneros (ciencia ficción, terror…) como principalmente historias concretas de películas (Sólo ante el peligro, De aquí a la eternidad…), series de televisión (Dragnet), libros (La isla del tesoro, Sherlock Holmes, El cuervo de Poe…) y muchos cómics de la época (Tarzán, Superman, Terry y los Piratas, Archie, Flash Gordon…) Kurtzman continuó con Elder dentro de este género con el personaje Little Annie Fanny en 1962 para la revista Playboy, con la que parodiaban la tira de prensa Little Orphan Annie.

El futuro de Harvey Kurtzman fue muy diferente del de los desconocidos autores de biblias de Tijuana. Su influencia continuó durante décadas en el cómic de humor americano (además de la revista MAD DC y Marvel publicaron sucesivamente revistas similares como Not Brand Echh, Crazy, Spoof, etc.) Se le considera además una influencia básica del movimiento underground de los 60 (para gente como Robert Crumb, Terry Gilliam, etc.) y desde 1987 se otorga en su honor el premio Harvey a cómics de estilo alternativo.

La parodia y la autoedición empezaron al mismo tiempo por lo que no es raro que en los 70 y los 80 los cómics independientes más populares empezasen dentro de este género. Por un lado, Cerebus nació como una parodia de Conan el Bárbaro que poco a poco se convirtió en una de las obras más experimentales del momento. Por otro, las Tortugas Ninja que fueron creadas sólo para cachondearse del Daredevil de Frank Miller acabaron convirtiéndose en un grandísimo éxito comercial. Me viene a la cabeza otro ejemplo de parodias desde la contracultura: una página de Juventud Cabreada de Johnny Ryan en la que pone de vuelta y media un cómic tan distinguido como el Maus de Art Spiegelman.

Dave Sim parodió otros personajes dentro

de la colección de Cerebus, como al Caballero Luna.

Dos parodias de cómics franceses.

Dentro del cómic español seguramente el género que más ha calado ha sido la parodia, la versión humorística del arquetipo heroico, o al menos respetable. Mortadelo y Filemón comenzaron como una versión muy obvia de Sherlock Holmes (una de las muchas que se hicieron dentro de Bruguera) hasta que en los 70 se convirtieron en una ridiculización de James Bond, igual que lo era Anacleto. Otro ejemplo: las repelentes Hermanas Gilda desmitificaban el aura de sex simbol que rodeaba a Rita Hayworth en Gilda. En esencia los dibujantes de Bruguera cogían entre sus manos a un modelo de personaje digno en la sociedad del momento para pervertirlo y ridiculizarlo: la familia, los médicos, los profesores, la aristocracia, los empresarios, los caballeros andantes… Con la moda de los superhéroes a partir de los 80 esta parodia se amplió con personajes como Superlópez (Superman) y su Supergrupo, o Paf-Man (Batman).

Por la torpeza de la firma es muy probable que ésta sea la verdadera primera página de

Mortadelo y Filemón, que empezó como una versión cómica de Sherlock Holmes.

Actualmente la parodia en España sigue siendo un género tan popular como antes, concentrado especialmente en los ambientes de marginalidad y subcultura. Por ejemplo, yo destacaría a JMV (El Jovit, los Epichodes…), a Nacho Fernández con Dragon Fall, Hermi y Max de Ricardo Peregrina, etc. El ejemplo más reciente de cómic paródico está precisamente en una de las recientes pequeñas editoriales independientes, el Cosmic Dragon de Carlos Vermut editado por ¡Caramba!

El western y los superhéroes animarán el Salón del Cómic de Barcelona

2013-01-15T20:58:00.001+01:00

El Gremi d’Editors de Catalunya ha acogido la rueda de prensa de presentación del 31 Salón Internacional del Cómic de Barcelona. Carles Santamaria, director del certamen, y Antoni Guiral, reconocido estudioso del cómic que ejerce de comisario general de exposiciones, han presentado esta mañana un avance de la programación del 31 Salón Internacional del Cómic de Barcelona que se celebrará este año del 11 al 14 abril en el Palacio número 8 de Fira Barcelona Montjuïc.

Carles Santamaria ha explicado que “el certamen intenta cada año captar el interés, no sólo del gran público, sino también del aficionado al cómic con una serie de actividades y exposiciones que sean del agrado de todos. Este año vamos a dedicar más espacio a actividades dirigidas a los niños, que son los lectores de hoy y del mañana”.

Santamaria ha presentado el cartel del 31 Salón Internacional del Cómic de Barcelona, obra del historietista Alfonso Zapico, que por motivos laborales en Angulema no ha podido asistir al acto, que si ha enviado un texto en el que explica que el cartel “es un guiño a la Barcelona de la Exposición Universal de 1929, una recreación que es coherente como mi marca de autor, dentro del cómic histórico, siempre a caballo entre el siglo XIX y el siglo XX”. El dibujante dice que los personajes adultos y jóvenes que aparecen en el cartel “hacen referencia a la universalización y madurez del cómic que forma parte de nuestra Cultura”.

La lista provisional de autores incluye nombres de la talla de Guy Delisle, autor de las premiadas novelas gráficas Pyongyang o Crónicas birmanas, entre otras; (2008); la autora italiana Lorena Canottiere, responsable de la aclamada Personitas; Liniers, considerado como uno de los mejores exponentes del nuevo humor gráfico argentino y autor de la serie Macanudo. Francia estará representada por el reconocido autor Manu Larcenet, creador de Vida de perros, Tim Oruno y Los combates cotidianos, entre otros.

Uno de los ejes del Salón girará sobre la presencia del western en el cómic. Por un puñado de cómics es el título de una exposición que mostrará algunos de los escenarios clásicos del Western en el cómic, donde los cowboys, soldados, indios, forajidos y justicieros de papel viven grandes aventuras. Guiral ha señalado que la exposición “es un viaje por la historia del western en el terreno de la historieta. La muestra contará con un centenar de páginas de diferentes series y autores que mostrarán la riqueza de un género completamente vigente, en la que Europa y particularmente los autores españoles han destacado con verdaderas obras maestras”.

También destacan las exposiciones antológicas 75 años de Superman, el popular personaje creado por creado por Jerry Siegel y Joe Shuster y Superamigos para siempre: La Patrulla-X y Los Vengadores, dos series creadas por Stan Lee y Jack Kirby y que cumplen este año su 50 aniversario. Guiral ha declarado que “son exposiciones insólitas por el volumen y calidad de la selección de originales”. Unas exposiciones que repasarán la trayectoria de los personajes a manos de autores norteamericanos y españoles y que contarán también con ediciones y objetos de coleccionistas.

En el apartado de las exposiciones de los ganadores de los premios de la pasada edición, tendremos la del Gran Premio del Salón del Cómic 2012, que fue para José Ortiz, uno de los mejores dibujantes realistas de cómic y que continúa en activo desde los años 40. También tendrá una exposición José Domingo, ganador del premio a la Mejor Obra del pasado Salón por Aventuras de un oficinista japonés. La alicantina Lola Lorente, premio al Autor Revelación, galardón patrocinado por la Fundación Divina Pastora, y el fanzine Usted, Premio al Mejor Fanzine, también tendrán sendas exposiciones. Guiral ha explicado que se está trabajando en otras exposiciones que se darán a conocer próximamente.

Santamaria también ha destacado la vitalidad del sector: “Nunca antes habíamos tenido tal variedad de estilos, obras y temáticas, así como la calidad de sus ediciones”. También ha remarcado que “El cómic es un arte centenario donde los autores españoles tienen un papel destacado, siendo su talento reconocido en nuestro país, como en Europa o Estados Unidos en donde hay más de un centenar de compatriotas trabajando para sus editoriales”. El director del certamen también se ha referido a una promoción especial que se ha lanzado este año para que las librerías especializadas vuelvan a recuperar protagonismo en el Salón. Finalmente ha explicado que “la historieta está en el centro de la cultura por méritos propios y, además, por el hecho de cada vez son más los cómics que se llevan al cine y los videojuegos”.

Jan rechaza la Medalla de Oro en Bellas Artes

2013-01-01T14:33:00.001+01:00

Al contrario que otros autores de cómic actuales Jan no es un autor sin ideología. En sus últimos cómics se sigue viendo que nunca ha dejado a un lado su visión de la vida sólo para producir cómics que puedan gustar a todos los sectores políticos. Por eso mismo que Jan rechace este premio es completamente consecuente con su carrera artística.

Jan en 1986 con El Asombro del Robot

Los argumentos del Consejo de Ministros para otorgarle el premio:

Juan López Fernández "JAN", dibujante de cómic e historietista. Juan López Fernández, más conocido como Jan, es un dibujante e historietista español. Autor de variopintos y carismáticos personajes entre los que destacan Pulgarcito y Superlópez, se ha convertido en un pilar del cómic de humor español por su uso del color y su humor tierno e inteligente. En 1974 comenzó a trabajar para la editorial Bruguera, una de las más importantes editoriales de tebeos de España, donde trabajaban autores como José Escobar, José Peñarroya, Manuel Vázquez o Francisco Ibáñez. En mayo de 2002 recibió el Gran Premio del Salón del Cómic de Barcelona, que reconoce toda su trayectoria profesional, y en 2005 le fue otorgado el Premio Ivà por el Ayuntamiento de Cornellá de Llobregat (Barcelona).

Una lista de autores relacionados con el cómic que ha recibido este premio a lo largo de los años:

2000 Miguel Quesada (dibujante)
2001 Francisco Ibáñez (historietista)
2002 Antonio Mingote (humorista gráfico)
2003 Carlos Giménez (dibujante)
2009 Pura Campos (ilustradora) y Román Gubern (escritor)
2010 Antonio Fraguas de Pablo "Forges" (humorista gráfico), Nazario Luque, "Nazario" (dibujante de cómic, historietista, pintor e ilustrador) y Carlos Sánchez Pérez, "Ceesepe" (pintor e ilustrador)
2012 Juan López Álvarez, "JAN" (historietista)

El comunicado de Jan para explicar su postura:

Quiero expresar mi agradecimiento ante las muchas felicitaciones que me han llegado y también, acaso, disculparme por haber levantado tantas expectativas entre colegas y amigos, y sobre todo entre mis paisanos de Toral. Hubiera preferido que se me preguntara de antemano, pero debo decir que ante las circunstancias sociales y políticas actuales no puedo, por ética personal, aceptar la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes que según he sabido por la prensa me concede el Ministerio de Cultura de España. Hecho del que estoy esperando a ser oficialmente informado para actuar en consecuencia.

Siempre he intentado sentirme bien conmigo mismo y sé que para conseguirlo he de actuar lo más ceñido posible a mis convicciones.

Un saludo y un abrazo solidarios a todos.

Juan López (JAN)

Jan en 1982

Si acaso, lo que realmente llama la atención alrededor de este tema es la difusión de cada una de las noticias.

En primer lugar, cuando se anunció que el Ministerio de Cultura le había dado este premio, apenas nadie le dio importancia a la noticia o mostró interés por el tema y quien difundía la noticia sólo conocía a Superlópez por los prehistóricos primeros números.

En segundo lugar, cuando Jan decide rechazar el premio no lo hace celebrando ruedas de prensa ni emitiendo comunicados oficiales como habría hecho algún autor con ansias de gloria. Desde su conocida modestia (no es una frase hecha, se nota en sus entrevistas) simplemente se lo comunicó a Amaníaco para que lo comentase por internet.

En último lugar, si a nadie le importó el premio y Jan no quiso ser ningún centro de atención... de pronto el rechazo al premio sí que ha sido comentado y difundido en las redes sociales y los blogs. No tanto por quién es el autor, me temo, sino por el significado político que tiene su postura.

El problema es que no tengo claro por qué hay quien critica este rechazo de Jan, como si pudiese adivinar los motivos políticos y sociales que menciona. Puede ser tanto porque el actual gobierno y ministro de (in)cultura no le caigan bien (si los Cabecicubos te dan un premio es lógico que lo rechaces), como porque no cree en la subvención del arte desde el gobierno, pero eso Jan no lo dice en ningún momento. Por tanto, su postura no admite crítica alguna.

En cualquier caso, dejar a un lado las ínfulas de gloria para no aceptar un premio por motivos ideológicos es una decisión valiente que no todo el mundo tomaría. Mucha gente hubiese preferido traicionar su forma de pensar a cambio de premios, dinero y fama, o simplemente no tiene una "forma de pensar" que pueda traicionar.

De todo lo dicho lo único que se puede añadir por tanto es que la postura de Jan es completamente respetable y digna de admiración.

Primera imagen de Zipi y Zape en la próxima película

2012-12-31T13:19:00.003+01:00

Por fin, un primer vistazo a los actores Raúl Rivas y Dani Cerezo que interpretan a Zipi y Zape en la película que se estrenará en otoño del año que viene.

El argumento de la cinta: Zipi y Zape, dos traviesos mellizos, son internados en el Esperanza, un colegio donde los juegos están prohibidos. Allí fundarán el Club de la Canica, la resistencia infantil que desafiará la autoridad de los adultos. Gracias a su inteligencia, su valentía y su inquebrantable fe en la amistad, Zipi y Zape y el resto del club descubrirán un misterioso secreto que se oculta en el colegio y vivirán la aventura más emocionante de sus vidas.

El Supergrupo, el Súperretorno, de Pérez Navarro y Nacho Fernández

2012-12-30T11:00:00.000+01:00

Cartoné, color, 56 páginas, 12 €

Hace una semana se puso a la venta el regreso del Supergrupo. Estos personajes creados por Francisco Pérez Navarro como secundarios de la colección de Superlópez hace 35 años son una versión cómica de varios superhéroes de Marvel: Capitán Hispania (Capitán América y el Guerrero del Antifaz), el Bruto (la Cosa), la Chica Increíble (Miss Marvel y Fénix), Latas (Iron Man y la Visión) y el Mago (Doctor Extraño). En sus dos álbumes con Superlópez llegaron eclipsar al protagonista y alterar el estilo original de la serie llevándola hacia la parodia del género superheróico hasta que de nuevo Jan como guionista devolvió la colección a su cauce (aunque "si no se hubiera visto forzado a dejar de trabajar con Pérez Navarro quizá habría sacado más comics con ellos", comenta Nacho Fernández).

Con la caída de Bruguera y la creación de Ediciones B en 1987 los diferentes autores (incluido Efepé) hicieron lo posible por recuperar los derechos de los personajes que el editor Rafael González les había quitado en su momento. Sin embargo, no hizo nada con ellos hasta que en las Jornadas del Cómic de Avilés de 2001 el editor de Dolmen Jaume Vaquer le animó a escribir un álbum del Supergrupo sin Superlópez. A pesar de que Dolmen en algún momento se echó atrás se empezaron a pedir pruebas a diferentes dibujantes (por ejemplo, a Norberto Fernández) hasta que el elegido fue Sergi San Julián.

Sin embargo, pasó el tiempo y cuando San Julián llevó unas páginas de muestra a Glénat Hernán Migoya decidió que quería publicar ese álbum. El primer anuncio definitivo llegó a finales de 2009, con un interesante argumento: el Supergrupo se iba a encargar de buscar un nuevo líder. Las páginas de muestra en general entusiasmaron a todos los lectores aunque se ha comentado que Jan no se encontraba muy a gusto con la idea de que un dibujante imitase su estilo.

Todo marchaba, San Julián empezó incluso a colorear algunas páginas... y de pronto desapareció sin más. Hasta hace poco no se ha sabido el motivo, desvelado por Navarro: "Según parece, su mujer se había quedado embarazada y, con un rorro en camino, prefirió aceptar una oferta de trabajo seguro para Alemania".

Su sustituto, Nacho Fernández, un dibujante arropado por el público gracias al éxito de la parodia Dragon Fall de los 90, apareció al año siguiente. Se enteró del proyecto de boca del creador de los personajes y casi inmediatamente realizó 6 páginas de prueba con un guión del propio Navarro. Éstas, por el motivo que sea, no se han difundido todavía ("Primero debo saber si a Pérez Navarro le puede molestar que haga públicas las páginas de muestra" dice Nacho en devianART).

Si antes San Julián se había ausentado misteriosamente en ese momento fue Efepé el que "desapareció y dejó de contestar mails", según comenta Nacho. Pasó un año en el que nadie entendía muy bien por qué todo se había quedado parado sin ningún motivo.

Finalmente, una premonitoria camiseta del Supergrupo que Pérez Navarro paseó por el Salón del Cómic de 2012 confirmaba que el proyecto estaba lejos de haber muerto. Por lo que tengo entendido, parece que se unieron tres factores. Por un lado, sin el estreno de Los Vengadores de Whedon los autores no habrían tenido ánimos suficientes para realizar este cómic. Por otro, se unió que en 2013 se iba a celebrar el 40º aniversario de Superlópez y Efepé por aquel entonces debió de estar hablando también con Ediciones B y con Jan para realizar otro cómic del Supergrupo. Por último, he oído comentarios de que en 2013 caducaban los derechos de los personajes para la editorial (lo que explicaría que haya sido publicado en las últimas semanas del año). Desde ese momento y poco a poco Efepé fue pasándole páginas del guión a Nacho con cuentagotas (hay referencias cinematográficas y deportivas de hace apenas dos meses) que éste fue dibujando entre julio y octubre hasta que finalmente el viernes 21 se puso a la venta el resultado final.

Antes de nada, parece que hay muchos ejemplares a los que les faltan algunas páginas o están mal cortadas. No sé si la editorial los ha retirado ya ni si van a hacer una reedición.

La verdad es que al menos en el guión la cosa no está mal. Aunque en la contraportada insistan en que los personajes son una “parodia de los Vengadores” para beneficiarse de la cinta de Joss Whedon el argumento no es una versión de alguna película o cómic reciente. En realidad continúa los dos álbumes de hace 35 años mostrando al grupo como una torpe reliquia del pasado. Como necesitan ponerse al día deciden buscar nuevos miembros entre superhéroes aficionados, superhéroes famosos y antiguos amigos sin imaginar que mientras tanto un misterioso villano en la sombra espera el momento adecuado para destruirles.

El humor funciona bien, surge de la trama y no al revés, pero no repite al pie de la letra el tipo de chistes de los álbumes originales. Por ejemplo hay más parodia pero menos running gags, así que tal vez estas referencias a los cómics de superhéroes resulten oscuras para algunos lectores. Aunque estos chistes concretos por tanto estén dirigidos a un público más reducido que al de los primeros álbumes de Superlópez la edad de los lectores sigue siendo la misma excepto por un simpático guiño aislado más adulto. La trama avanza de manera fluida apoyándose especialmente en unos diálogos hilvanados con cuidado sin saltos bruscos.

¿Que el emblema de estos superhéroes parezca
una esvástica fue algo intencionado o un accidente?

Sin embargo, en el dibujo la cosa está muy descompensada. Nacho hace a los personajes suyos, se le ve cómodo con ellos y el lector se acostumbra sin problemas a su forma de representarlos. Transmite mucha expresividad, es muy dinámico... El problema es que parece que no se le ha dedicado suficiente trabajo al dibujo: muchas páginas no tienen ningún tipo de fondo o es mínimo y se pueden ver los lápices a medio borrar en las páginas e incluso en la portada y las guardas. Imagino que Nacho ha querido personalizar su dibujo en este álbum usando colores planos monocromáticos para darle un aspecto retro, pero en realidad el efecto queda pobre y apagado, no sólo comparado con los álbumes de Superlópez que imita sino en general. Parece coloreado únicamente con naranja, gris y (demasiado) blanco. Comparado con Kung Fu Mouse el Súperretorno parece dibujado con desinterés.

Al final se han incluido seis páginas de extras: cuatro de esbozos (muy pixelados y poco definidos) y dos más de comparaciones entre lápiz inicial y dibujo final. Creo que más que los bocetos habría sido necesario algún artículo que explicase a los lectores recién llegados quiénes son estos personajes para que puedan entender los guiños a los anteriores cómics. O tal vez la editorial confía en que este álbum sólo interese a los lectores nostálgicos...

Me da rabia no poder decir que este cómic es un regreso triunfal. El resultado es simpático y divertido pero también insuficiente. Me viene a la cabeza un cómic parecido, Pafman Redevuelve, otra parodia de superhéroes que fue resucitada siete años después de su cancelación. En aquel caso subió el nivel del humor, el dibujo y la presentación editorial. El Súperretorno se queda por detrás en comparación, desgraciadamente.

En todo el colodrillo

Otra Vez el Supergrupo, de Efepé y Jan

Los cómics de Firefly/Serenity

Curiosidades de cómic español

Europesadilla, alguien se ha comido a la clase media, de Aleix Saló

Ni Puta Gracia 4, de Joscha Sauer

Premios del 31 Salón Internacional del Cómic de Barcelona

La crónicas de Pafman 2: La aventura del Titaidón, de Joaquín Cera

Marvel Comics: La Historia Jamás Contada, de Sean Howe

Nace Fandogamia Editorial

Pyongyang, de Guy Delisle

Cómics de humor breve

Expomanga 2013 ya tiene cartel oficial

La Massana Còmic presenta la “Historia de Andorra” en su XVII edición

Turismo del cómic en Bruselas

Halo Jones, la adaptación teatral

Flex Mentallo

Los dibujantes españoles de Alan Moore

El cómic español en el NO-DO (1945-1979)

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Parodias

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Lo más interesante de este blog en 2012

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